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Se podrían citar, al menos, los nombres de cinco directores que sabrían acercarse a la historia para transmitir al espectador la inquietud y el desasosiego que desprendían sus páginas.

Está compuesto por dos películas, la que hoy comentamos y Death Proof de Quentin Tarantino, entre las que se insertan cuatro tráileres ficticios de películas inexistentes, firmados por directores habituales del género, como Eli Roth, Rob Zombie y Edgar Wright, y por el propio Rodríguez.

La segunda, por el tema de los estudiantes, superpoderes, malos, buenos, profesores, etc. A destacar la banda sonora, que es bastante marchosa y acorde con el film.

La memoria cinéfila nos arrastra hasta la relajante nave espacial de Kubrick sin vals, y a una precipitada apreciación: En el Fin del Mundo, ¿tampoco se propaga el sonido?.Con respecto al reparto, copio de mis anteriores críticas.

Un alegato a volver a ser niño, una mirada atrás a la madurez, y una manera sencilla, lenta y a la vez eficaz de plasmar lo que, en muchas otras cintas, no saben como hacerlo; me gusta ver que Zach Helm está llevando sus películas hacia un cine que hará las envidias de otros directores como Spike Jonze, Michel Gondry y similares.

En Argentina, dos años después de la caída de la dictadura militar (en 1983) con la película de Puenzo, interpretada por Norma Aleandro y Héctor Alterio.

Probablemente, el director que peor adaptación cinematográfica haya hecho de una novela de Stephen King, La Zona Muerta, que, -cosas de la edad- tanto nos gustó.

Los personajes son planos, y aunque tienen una cierta evolución a lo largo de la trama, ésta es muy evidente y previsible.

"Dick y Jane ladrones de risa" es un remake de "roba bien sin mirar a quien", con Carrey y Tea Leoni en los papeles originalmente interpretados por George Segal y Jane Fonda en 1977.

Cuenta con un gran reparto, encabezado, por su hermano Casey, en un principio su personaje es frío y poco creible, a medida que avanza el metraje su trabajo va convenciendo y sentimos empatía hacia él.

En suma, David Jones, como Dios-Demonio de los mares, es el centro de una trama sencilla pero demasiado ensimismada en querer dar vueltas a lo mismo y en crear interrogantes que sirvan de puente hacia la tercera entrega, con lo que la narración, demasiado a menudo, se hace espesa, se alarga innecesariamente y el resultado es un producto bastante inferior a "La maldición de la perla negra".

El interés por ver "Plan oculto" fue creciendo a medida que tipos de criterio tan solvente como José Luis Muñoz, Álvaro, Rash y Miranda iban glosando sus bondades y puntos fuertes, pero las ganas irrefrenables de ir al Cinema 2000 de Neptuno me invadieron cuando el propio Miranda, en mitad de una generosa parrillada de carne, nos conectó a través del móvil con esa gozada musical que es la canción "Chaiyya Chaiyya Bollywood Joint", interpretada por Sapna Awasthi y Sukhwinder Singh, que abre y cierra la película.

Más fácil aún si además está bien rodada y cuenta con buenas interpretaciones.

se han desinflado en la meca de los sueños y nos ofrecen sustos fáciles, guión previsible, tensión irrisoria y un final de lo más manido.

Penn evita mostrar la agonía de éstos para no entorpecer el camino del protagonista, lo cual constituye un eslabón roto una trama casi perfecta.

No se puede decir lo mismo de un guión que acabamos de ver en su versión femenina en la fallida la extraña que hay en mí.

Al contrario que en la anterior película del director, en este caso no hay un personaje principal que seguimos constantemente, sino que vamos saltando entre dos líneas principales.

Previamente el director nos ha inquietado con unos extraños rumores y sonidos lejanos que parecen un tren de pisadas, y aunque lógicamente suponemos que son loszulúes, no dejan de parecerme desconcertantes.

La trama transcurre como el resto de películas de su género, con algunos que otros altibajos (muy pocos, uno de ellos la forma en la que consigue el ?mágico? aparato), y con muchos puntos geniales (es impagable el momento en el que el jefe de Newman le dice en su despacho que todavía no le ha nombrado socio; me revolcaba por el suelo).

Al igual que la mayoría de cintas que son adaptaciones de una novela, lo más díficil para su director fue simplificar lo que se ha considerado una novela densa, en un guión que abarque todo lo contiene a lo largo de sus páginas.

No es casualidad que Shepard dirigiera anteriormente a esta "La sombra del cazador", un film altamente recomendable y desmitificador como "Matador", donde ya daba muestras de una interesante habilidad para saber narrar mediante la puesta en escena, cosa que ultimamente parece que ha desaparecido en la gran mayoría de directores americanos.

Si el público no ha aplaudido no es culpa del director, es que no estaba avisado de que además de ver zombies carníboros iba a necesitar un pañuelo.

He leído en una entrevista a su director, Martin Lawrence, que este probo primero con actores con maquillaje haciendo de vampiros, y solo después opto por sustituirlos por efectos digitales.

Se llevó a casa cinco galardones, entre los que estaban los más importantes del acontecimiento (mejor película, mejor director, premio de la crítica, mejor actor).Sin duda, Haneke ya estaba cansado de recoger tanto premio, que, de todas formas, al fin reconoce el buen hacer de uno de los directores más interesantes del paupérrimo panorama actual.

El guión no es más que otro burdo calco de las típicas historias de superación humana (tan de moda últimamente), lleno de frases gandilocuentes y vacías, de lugares comunes, situaciones ridículas (¡esa escena del cubo de Rubik en el taxi por favor!).

Para completar la historia para la película el guión fue revisado por Howard Sackler, ganador de un premio Pulitzer y experto submarinista.

En los Globos de Oro crearon para Vidas Cruzadas una categoría especial que daba también al reparto el premio interpretativo.

También Saphira (el dragón femenino de Eragon) está magníficamente construida e interpretada por los dobladores (en la versión original, le presta la voz Rachel Weisz).

Ariadna Gil es la madre y la niña está interpretada por Ivana Baquero.

Un reparto sensacional ayuda en todo momento a la trama contando con el drácula CHRISTOPHER LEE o la SEX SIMBOL BRITT EKLAND que en aquella época vivía el estrellato en trabajos destacados en el género con refugio macabro o Noche sin fin.

De igual manera, Pablo, el director, relata unas conversaciones interesantísimas que mantiene con ciertos políticos.

En Entre copas, el director interpone a dos personajes completamente opuestos y a través del intercambio de ideas u opiniones consigue de una forma fluida y recurriendo al humor más irónico y a veces negro, cerrar una comedia agridulce de lo más agradable.

Zodiac escapa del género de asesinos y policías, decantándose sin reparos por ofrecer un cine casi documental, frío aunque de trama inquietante (centrada en la obsesión de Graysmith y Toschi, y el cirrótico Avery), que analiza el puzzle que esos pocos hombres raros (es decir, arriesgados para lo que sus contemporáneos aguantarían) buscan desmadejar, pese a su dificultad, con el fin de poner nombre y apellidos a un esquivo asesino con ínfulas de showman del terror o Einstein de los acertijos.

Y otra vez, en esta secuencia que comienza con Peter surgiendo desde las ramas del árbol y hasta su llegada al Sol, la banda sonora de Williams refuerza con emotividad el significado de la imagen, y aunque solo son tres escasos segundos, por la magnífica ejecución visual y por lo que significa en relación a lo narrado anteriormente, la imagen de ese Peter Pan renacido que se eleva con su vuelo alegre hacia el Sol de Nunca Jamás, es uno de los mejores momentos visuales de toda la filmografía de Steven Spielberg, en colaboración con la pieza musical que lo acompaña.

¿A qué viene el affair con el personaje que interpreta Gary Dourdan (el negro de C.S.I.: Las Vegas)?

Zhang Yimou ya no es el poeta de lo íntimo, el director chino que firmó / filmó La linterna roja, allá en los primeros noventa: ahora es el deslumbrante artífice de una pirotecnica visual rara, deslumbrante y hermosa.

Y este es el tercero de los motivos del chasco, una interpretación de los actores de perfil inaceptablemente bajo.

Sin embargo, en esta película le han ganado por la mano tres factores: el primero, la estética de la guerra, de cómo se filma la guerra y cómo se colorea la guerra, que tiene una deuda ineludible, como imagino la tendrán en el futuro todas las películas bélicas, con la portentosa secuencia inicial de Salvar al soldado Ryan, de Steven Spielberg, productor de esta Banderas de nuestros padres y, parece, el director que iba a llevarla a buen puerto en primera instancia.

La trama cuenta los años y asesinatos que cometió el asesino en serie conocido como Zodiac, y como pudo mantener en jaque a la policía, FBI y CIA, ya que utilizaba criptogramas para reconocer la autoría de sus crímenes.

El Remake del mismo nombre protagonizado por NICOLAS CAGE es una tomadura de pelo, el director ROBIN HARDY volverá a contar con CHRISTOPHER LEE en el 2008 con COMBOYS FOR CHRIST.

Dirigida por Marta Fiennes e interpretada por un impresionante elenco, encabezado por su hermano Ralph Fiennes, Ben Chaplin y Kristin Scott Thomas, entre otros, llega a las pantallas de cine españolas Alta Sociedad.

El director tampoco dio mucha explicación sobre el significado de su creación.

De Jessica Biel tan sólo cabe decir que su interpretación no queda visiblemente por debajo de sus partenaires, y eso es mucho en una película donde el duelo Norton-Giamatti es antológico.

A todo ello, debemos añadirle una sutil y perfectamente acoplada banda sonora, que contribuye a fortalecer las sensaciones anteriormente citadas.

De la misma forma, los diálogos, punto fuerte del director, son en este caso más bien flojos exceptuando alguna frase brillante.

Atrás, muy atrás, queda la genialidad de Wes Craven ?director de La Última Casa a la Izquierda (basada en El Manantial de la Doncella de Bergman), premiado en Sitges, creador de Freddy Krueger- para dar paso a la orgía de Sangre y Arena que abre la puerta a todo tipo de excursiones al sector 16, Destino Final de los turistas incautos.

Este film no tuvo una muy buena aceptación del público, debido a que no era lo que uno podría esperar de una obra de este director.

El director no le ha dado ni un poco de margen a los habituales recursos cinematográficos y se ha ceñido a las investigaciones policiales y al libro de Robert Graysmith.

El guión es un tributo al cine negro, con unos buenos personajes que parecen sacados de cualquier clásico de los años cincuenta: un héroe, duro y solitario, al que un rotundo pero contenido George Clooney dota de gran incertidumbre, además de aportarle una gran variedad de emociones, y la femme fatale, papel que hace suyo una espléndida e inquietante Cate Blanchett, al más puro estilo Marlene Dietrich.

Está muy lograda toda la ambientación de la cinta (destaca su fotografía casi en blanco y negro), con un aroma a cine negro clásico que embriaga los sentidos de cualquier buen amante del séptimo arte que se precie.

Espero que de haber una tercera parte despachen de una patada al director este y al equipo guionista y se ocupe de la franquicia alguien que nos sepa dar una película más adulta y un espectáculo mejor que el visto hasta ahora, creo que Los 4 Fantásticos se lo merecen.

Como siempre, la fotografía es correcta, sin personalidad (de los múltiples planos, sólo destacaría el de Spider-man vestido de negro en lo alto de la ciudad trepando por los cristales de un edificio).

Lynch tiene esa capacidad innata en algunos directores de dejar en estado de shock al espectador tras sus películas.

Cabe destacar la importancia de la incomunicación entre padres e hijos, no por causa de ausencia de palabras y frases intercambiadas, sino por la incapacidad de los padres a la hora de interpretar el mundo adolescente y, sobre todo, de cambiar o traducir los códigos culturales heredados por la tradición con el fin de iluminar el conflicto y conocer el significado real que se esconde detrás de cada gesto.

Desde los ingeniosos títulos iniciales que dan paso a la película, hasta el último fotograma, nos aguardan 85 minutos (se agradece la corta duración) de un negrísimo humor a cargo del director Frank Oz, responsable de no demasiadas cosas buenas pero entre las que destacan In andamp; out y el remake de Las mujeres perfectas gracias a la presencia de Nicole Kidman.

Olimpia (¿Jolie mamá de Farrel?) nunca envejece, la música de Vangelis es insoportable por lo cursi y por remarcar escenas "graves", Val Kilmer parece un capricho del director (¿cuanto pesa?), el film pierde fuerza al final y llegamos a su gran, gran error: Alejandro es un personaje demasiado grande para los tres gestos de Colin Farrel.

Un final torpe (¡vaya un plagio a esa maravilla de Fincher!) hace que La extraña que hay en ti se desmonte y deje de ser lo que era en conjunto (más o menos como el personaje de Erica).La trama es sencilla, aunque el irlandés la envuelve de tal manera que parezca, más o menos, profunda, con reflexiones sobre la venganza y esa sensación tan común de culpa.

Como todas las películas de este cineasta tejano, Viaje a Darjeeling no dejará a nadie indiferente, no por tratarse de una película controvertida, ni mucho menos, sino por el propio estilo de su director; películas como Los Tenenbaums o The life aquatic han recibido ovaciones y despellejamientos por igual, y sin duda alguna lo mismo ocurrirá con ésta Viaje a Darjeeling.

Predominan los planos largos con la finalidad de enfatizar la pulsión introspectiva hacia el personaje central, pero la interpretación de Dustin Hoffman, tan encorsetada en el registro monocorde, más la reiteración en un misma serie de planos que fijan en exceso la narración, hacen que el mismo núcleo emocional que sostiene el filme se reduzca a un estereotipo, muy adecuado para la sensibilidad contracultural de finales de los sesenta, pero que ya poco puede aportar desde una perspectiva actual.

Más críptico que nunca, Kieslowski duda y hace dudar al obrero (Artur Barcis), otro de los protagonistas clave en la totalidad de la filmografía del director.

Atención a Terrence Howard, que interpreta al asistente de menores porque todo hace presagiar que va a ser su año cinematográficamente hablando.

Para que esto resplandezca, Scorsese no abusa de la banda sonora: se limita a ir dejando caer canciones sin que éstas se subordinen en exceso a las imágenes como había hecho en Casino o en la ya citada Uno de los nuestros o como hace magistralmente Tarantino.

Además resulta especialmente acertada la dura y áspera fotografía de Shai Goldman que nos obliga a profundizar en la dureza aparente de los personajes para descubrir su jardín interior.

Algunos han visto como un acto oportunista del director recrear una historia que nos recuerda demasiado a la desaparición en Portugal de la niña Madeleine.

Walter Burns ( Walter Matthau ) es el director de un periódico de tirada doble y plantilla abundante, pero escasa en talento porque, a lo visto, tendrá que recurrir a su periodista estrella Hildy Johnson ( Jack Lemmon ) para cubrir el ajusticiamiento de un asesino en el presidio local.

Haneke, el director, es un crítico más: uno que se ha arrobado la revelación pública de la corrección política bajo la que palpitan, enconadas, mentiras, desastres, miserias y barbaries de variado pelaje.

Ni sus coreografías ni sus contínuos planos a cámara lenta logran aproximarse al John Woo más decadente, su historia nos suena a déjà vu o, mejor dicho, a refrito, y Timothy Olyphant nos resulta todavía menos creíble que en su rol de villano en La jungla 4.0; exento de carisma, el asesino número 47 desfila por Rusia y Turquía con su inconfundible código de barras tatuado en la nuca sin ser visto -por citar tan sólo una de las incongruencias varias que podemos encontrar a lo largo de su trama-, acabando con agentes de la mafia, la Interpol, o la Inteligencia rusa, amén de otros Hitman, de manera tan pulcra como insulsa, ofreciéndonos tan sólo unos exagerados chorros de hemoglobina.

Es cómo si le hubiesen encargado un guión por co***, y con esa obligación, dibujar la infancia de Lecter de la primera forma que se le ha venido a la mente.

Antes de que la película empiece me comentan que es calcadita al libro, lo cual no me sorprende demasiado porque de otras fuentes me ha llegado que al libro sólo le faltan las acotaciones pertinentes para convertirlo en un guión cinematográfico.

Pero es que a pesar de tal libertad, ningún actor del reparto se salva de esa falta de naturalidad o credibilidad, ni tan siquiera la estrella Jordi Mollá.

Y aunque al principio el ritmo pueda ser algo lento, y de hecho, es posible que le sobre algo de metraje, la expectación aumenta gracias a unos buenos golpes de efecto por parte del director, del guión, la excelente ambientación y la calidad de las interpretaciones: Hugh Jackman y Christian Bale están a la altura, así como Michael Caine (como siempre), aunque bien es cierto que el papel de Scarlett Johansson no es tan importante como para su lucimiento (¿o precisamente sólo fue para lucirse?).The Prestige es una película que entretiene, y puesto que está concebida como tal, creo que no merece más juicio que el pretendido.

Al Antonio Banderas director le gusta asumir riesgos como demuestra en esta cinta en la que usa fórmulas narrativas diametralmente opuestas a las vistas en sus trabajos como intérprete.

En los últimos años, pocos directores han apuntado tantas maneras al poco de echar andar su carrera como Christopher Nolan.

De todas formas, aquel que vaya a ver "Los crímenes de Oxford" olvidándose de quién es el director, dispuesto tan solo a dejarse llevar por el juego, disfrutará un Cluedo de primera categoría, con giros sorprendentes y personajes deliciosos.

Evidentemente, estamos ante una cinta coral en la que, como es natural, las interpretaciones son básicas.

Nicholas Cage hace su mejor actuación desde Leaving Las Vegas, interpretando a Charlie Kaufman y a Donald Kaufman, su hermano, son dos personajes opuestos, y no debe ser nada fácil interpretar a dos personajes tan diferentes en la misma película, lástima que Cage se dedique a hacer películas nada interesantes como el motorista fantasma u otras películas de acción fácilmente olvidables.

Sparrow, el jocoso y bufonesco capitán, ha sido desdibujado y carece ya de ese perfil gamberro, histriónico y locuaz y hasta la damisela de alcurnia que deviene pirata que interpreta sosamente Keira Knightley está perdida, a pesar de su buen fajo de líneas, en una trama farragosa, en deuda excesiva con la historia que la fragua y reducida a un fracturado compendio de sketches solventes, pero inevitablemente aburridos.

En esta los rostros de los personajes, los ojos, transmiten emociones y a pesar de su diseño caricaturesco pueden llegar a parececernos seres reales, algo que nunca sucedía con la película interpretada por Tom Hanks.

Aunque la secundaria Laura Linney tampoco ha de desmerecerse, pues su interpretación es, como de costumbre, excelente.

Otros puntos altos son en primer término, la excelente fotografía de William C. Mellor, en un intenso blanco y negro y bello juego de contrastes, visible hasta en las fotos que acompañan el texto.

Los sustos baratos tampoco ayudan mucho, a decir verdad, y el giro final que coge la trama se ve venir a leguas.

Siempre creo que nuestro país es el de los ciegos en materia cinematográfica, no me termino de explicar el porque el director británico SHANE MEADOWS reconocido en medio mundo por su enorme talento, pues aquí ni se estrenan sus filmes.