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<|im_start|>충청북도 청원 출생인 이광호(1967~)는 서울대학교에서 서양화과를 졸업하고 동 대학원에서 서양화와 판화로 석사학위를 취득하였으며, 이화여대 서양화 교수로 재직 중이다. 사실주의 화가로 분류되는 그는 전통적 화풍을 구사하면서도 독자적인 방법론을 펼치기 위해 고군분투하며 작업을 이어오고 있다. 이광호가 2005년부터 약 4년 동안 진행한 'Inter-View' 연작은 어떠한 공통분모도 없는 120여 명의 사람들을 인터뷰한 이후 그린 초상화 작품으로, 인터뷰 과정을 기록한 영상과 인터뷰 대상자들과 관련 있는 사물을 함께 전시했다. 이후 2008년부터는 '선인장' 연작을 선보이기 시작하였으며, 손바닥만 한 작은 크기의 선인장을 수십 배에서 수백 배까지 크게 확대하여 표현했다. 화면 속 선인장의 확대는 일상적인 소재에서 느낄 수 있었던 친숙함의 감정이 낯설음으로 대치됨과 동시에 유화의 붓질을 가장 효과적으로 구현할 수 있는 소재로 탈바꿈시킨다. 극사실주의 기법으로 마치 증명사진과 같은 모습으로 재현되는 선인장은 붓을 애무의 도구로 사용하는 그의 애정 덕분이다. 이광호의 <Cactus No.9>(2007) 속에서 보이는 선인장이라는 소재가 그에게 특별한 이유는 자신만의 독창적인 화법으로 선인장이 재해석되고 있기 때문이다. 가지각색의 선인장 종류처럼 화면의 붓질 역시 달라지는데, 이는 이광호가 선인장을 살아있는 유기체로 인정하고 고유의 개성을 존중하는 태도에서부터 비롯된다.<|im_end|> | <|im_start|>4년<|im_end|> | <|im_start|>이광호가 'Inter-View' 연작을 진행한 기간은?<|im_end|> |
<|im_start|>충청북도 청원 출생인 이광호(1967~)는 서울대학교에서 서양화과를 졸업하고 동 대학원에서 서양화와 판화로 석사학위를 취득하였으며, 이화여대 서양화 교수로 재직 중이다. 사실주의 화가로 분류되는 그는 전통적 화풍을 구사하면서도 독자적인 방법론을 펼치기 위해 고군분투하며 작업을 이어오고 있다. 이광호가 2005년부터 약 4년 동안 진행한 'Inter-View' 연작은 어떠한 공통분모도 없는 120여 명의 사람들을 인터뷰한 이후 그린 초상화 작품으로, 인터뷰 과정을 기록한 영상과 인터뷰 대상자들과 관련 있는 사물을 함께 전시했다. 이후 2008년부터는 '선인장' 연작을 선보이기 시작하였으며, 손바닥만 한 작은 크기의 선인장을 수십 배에서 수백 배까지 크게 확대하여 표현했다. 화면 속 선인장의 확대는 일상적인 소재에서 느낄 수 있었던 친숙함의 감정이 낯설음으로 대치됨과 동시에 유화의 붓질을 가장 효과적으로 구현할 수 있는 소재로 탈바꿈시킨다. 극사실주의 기법으로 마치 증명사진과 같은 모습으로 재현되는 선인장은 붓을 애무의 도구로 사용하는 그의 애정 덕분이다. 이광호의 <Cactus No.9>(2007) 속에서 보이는 선인장이라는 소재가 그에게 특별한 이유는 자신만의 독창적인 화법으로 선인장이 재해석되고 있기 때문이다. 가지각색의 선인장 종류처럼 화면의 붓질 역시 달라지는데, 이는 이광호가 선인장을 살아있는 유기체로 인정하고 고유의 개성을 존중하는 태도에서부터 비롯된다.<|im_end|> | <|im_start|>Cactus No.9<|im_end|> | <|im_start|>이광호의 작품 제목은?<|im_end|> |
<|im_start|>충청북도 청원 출생인 이광호(1967~)는 서울대학교에서 서양화과를 졸업하고 동 대학원에서 서양화와 판화로 석사학위를 취득하였으며, 이화여대 서양화 교수로 재직 중이다. 사실주의 화가로 분류되는 그는 전통적 화풍을 구사하면서도 독자적인 방법론을 펼치기 위해 고군분투하며 작업을 이어오고 있다. 이광호가 2005년부터 약 4년 동안 진행한 'Inter-View' 연작은 어떠한 공통분모도 없는 120여 명의 사람들을 인터뷰한 이후 그린 초상화 작품으로, 인터뷰 과정을 기록한 영상과 인터뷰 대상자들과 관련 있는 사물을 함께 전시했다. 이후 2008년부터는 '선인장' 연작을 선보이기 시작하였으며, 손바닥만 한 작은 크기의 선인장을 수십 배에서 수백 배까지 크게 확대하여 표현했다. 화면 속 선인장의 확대는 일상적인 소재에서 느낄 수 있었던 친숙함의 감정이 낯설음으로 대치됨과 동시에 유화의 붓질을 가장 효과적으로 구현할 수 있는 소재로 탈바꿈시킨다. 극사실주의 기법으로 마치 증명사진과 같은 모습으로 재현되는 선인장은 붓을 애무의 도구로 사용하는 그의 애정 덕분이다. 이광호의 <Cactus No.9>(2007) 속에서 보이는 선인장이라는 소재가 그에게 특별한 이유는 자신만의 독창적인 화법으로 선인장이 재해석되고 있기 때문이다. 가지각색의 선인장 종류처럼 화면의 붓질 역시 달라지는데, 이는 이광호가 선인장을 살아있는 유기체로 인정하고 고유의 개성을 존중하는 태도에서부터 비롯된다.<|im_end|> | <|im_start|>이화여대<|im_end|> | <|im_start|>이광호가 서양화 교수로 재직 중인 학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>충청북도 청원 출생인 이광호(1967~)는 서울대학교에서 서양화과를 졸업하고 동 대학원에서 서양화와 판화로 석사학위를 취득하였으며, 이화여대 서양화 교수로 재직 중이다. 사실주의 화가로 분류되는 그는 전통적 화풍을 구사하면서도 독자적인 방법론을 펼치기 위해 고군분투하며 작업을 이어오고 있다. 이광호가 2005년부터 약 4년 동안 진행한 'Inter-View' 연작은 어떠한 공통분모도 없는 120여 명의 사람들을 인터뷰한 이후 그린 초상화 작품으로, 인터뷰 과정을 기록한 영상과 인터뷰 대상자들과 관련 있는 사물을 함께 전시했다. 이후 2008년부터는 '선인장' 연작을 선보이기 시작하였으며, 손바닥만 한 작은 크기의 선인장을 수십 배에서 수백 배까지 크게 확대하여 표현했다. 화면 속 선인장의 확대는 일상적인 소재에서 느낄 수 있었던 친숙함의 감정이 낯설음으로 대치됨과 동시에 유화의 붓질을 가장 효과적으로 구현할 수 있는 소재로 탈바꿈시킨다. 극사실주의 기법으로 마치 증명사진과 같은 모습으로 재현되는 선인장은 붓을 애무의 도구로 사용하는 그의 애정 덕분이다. 이광호의 <Cactus No.9>(2007) 속에서 보이는 선인장이라는 소재가 그에게 특별한 이유는 자신만의 독창적인 화법으로 선인장이 재해석되고 있기 때문이다. 가지각색의 선인장 종류처럼 화면의 붓질 역시 달라지는데, 이는 이광호가 선인장을 살아있는 유기체로 인정하고 고유의 개성을 존중하는 태도에서부터 비롯된다.<|im_end|> | <|im_start|>이광호<|im_end|> | <|im_start|>이화여대 서양화 교수로 재직중인 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>충청북도 청원 출생인 이광호(1967~)는 서울대학교에서 서양화과를 졸업하고 동 대학원에서 서양화와 판화로 석사학위를 취득하였으며, 이화여대 서양화 교수로 재직 중이다. 사실주의 화가로 분류되는 그는 전통적 화풍을 구사하면서도 독자적인 방법론을 펼치기 위해 고군분투하며 작업을 이어오고 있다. 이광호가 2005년부터 약 4년 동안 진행한 'Inter-View' 연작은 어떠한 공통분모도 없는 120여 명의 사람들을 인터뷰한 이후 그린 초상화 작품으로, 인터뷰 과정을 기록한 영상과 인터뷰 대상자들과 관련 있는 사물을 함께 전시했다. 이후 2008년부터는 '선인장' 연작을 선보이기 시작하였으며, 손바닥만 한 작은 크기의 선인장을 수십 배에서 수백 배까지 크게 확대하여 표현했다. 화면 속 선인장의 확대는 일상적인 소재에서 느낄 수 있었던 친숙함의 감정이 낯설음으로 대치됨과 동시에 유화의 붓질을 가장 효과적으로 구현할 수 있는 소재로 탈바꿈시킨다. 극사실주의 기법으로 마치 증명사진과 같은 모습으로 재현되는 선인장은 붓을 애무의 도구로 사용하는 그의 애정 덕분이다. 이광호의 <Cactus No.9>(2007) 속에서 보이는 선인장이라는 소재가 그에게 특별한 이유는 자신만의 독창적인 화법으로 선인장이 재해석되고 있기 때문이다. 가지각색의 선인장 종류처럼 화면의 붓질 역시 달라지는데, 이는 이광호가 선인장을 살아있는 유기체로 인정하고 고유의 개성을 존중하는 태도에서부터 비롯된다.<|im_end|> | <|im_start|>2008년<|im_end|> | <|im_start|>이광호가 '선인장' 연작을 선보이기 시작한 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>충청북도 청원 출생인 이광호(1967~)는 서울대학교에서 서양화과를 졸업하고 동 대학원에서 서양화와 판화로 석사학위를 취득하였으며, 이화여대 서양화 교수로 재직 중이다. 사실주의 화가로 분류되는 그는 전통적 화풍을 구사하면서도 독자적인 방법론을 펼치기 위해 고군분투하며 작업을 이어오고 있다. 이광호가 2005년부터 약 4년 동안 진행한 'Inter-View' 연작은 어떠한 공통분모도 없는 120여 명의 사람들을 인터뷰한 이후 그린 초상화 작품으로, 인터뷰 과정을 기록한 영상과 인터뷰 대상자들과 관련 있는 사물을 함께 전시했다. 이후 2008년부터는 '선인장' 연작을 선보이기 시작하였으며, 손바닥만 한 작은 크기의 선인장을 수십 배에서 수백 배까지 크게 확대하여 표현했다. 화면 속 선인장의 확대는 일상적인 소재에서 느낄 수 있었던 친숙함의 감정이 낯설음으로 대치됨과 동시에 유화의 붓질을 가장 효과적으로 구현할 수 있는 소재로 탈바꿈시킨다. 극사실주의 기법으로 마치 증명사진과 같은 모습으로 재현되는 선인장은 붓을 애무의 도구로 사용하는 그의 애정 덕분이다. 이광호의 <Cactus No.9>(2007) 속에서 보이는 선인장이라는 소재가 그에게 특별한 이유는 자신만의 독창적인 화법으로 선인장이 재해석되고 있기 때문이다. 가지각색의 선인장 종류처럼 화면의 붓질 역시 달라지는데, 이는 이광호가 선인장을 살아있는 유기체로 인정하고 고유의 개성을 존중하는 태도에서부터 비롯된다.<|im_end|> | <|im_start|>120여 명<|im_end|> | <|im_start|>'Inter-View' 연작에서 인터뷰한 인물의 수는?<|im_end|> |
<|im_start|>대한민국의 민주화 과정에서 잊을 수 없는 해인 1987년은 1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기였다. <우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는 작가가 살았던 전라북도 전주시 대성동으로 임옥상은 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 달라지는 네 점의 풍경화 시리즈를 그렸다. "거리는 단순한 통로나 중성적 삶의 공간이 아니다. 거리는 살아있는 정치적·문화적 삶의 현장이다."라는 작가의 말처럼 거리의 소시민들과 자연이 보여주는 사계절 풍경은 1987년 대한민국의 소박하고 평범한 모습을 담고 있다. <우리 동네 1987년 4월>(1987)에서 4월은 완연한 봄임에도 불구하고 뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인, 고개를 숙이고 걸어가는 남자, 경운기를 몰고 가는 농부, 칙칙한 건물의 모습 등 어디에서도 활기찬 봄의 기운을 느낄 수 없다. 그러나 전면에 놓인 식당과 슈퍼마켓이 있는 단층 건물 뒤편으로 보이는 산세와 벚꽃나무들의 색상이 풍기는 봄의 정취는 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하는 듯하다.<|im_end|> | <|im_start|>1987년<|im_end|> | <|im_start|>1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기는?<|im_end|> |
<|im_start|>대한민국의 민주화 과정에서 잊을 수 없는 해인 1987년은 1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기였다. <우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는 작가가 살았던 전라북도 전주시 대성동으로 임옥상은 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 달라지는 네 점의 풍경화 시리즈를 그렸다. "거리는 단순한 통로나 중성적 삶의 공간이 아니다. 거리는 살아있는 정치적·문화적 삶의 현장이다."라는 작가의 말처럼 거리의 소시민들과 자연이 보여주는 사계절 풍경은 1987년 대한민국의 소박하고 평범한 모습을 담고 있다. <우리 동네 1987년 4월>(1987)에서 4월은 완연한 봄임에도 불구하고 뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인, 고개를 숙이고 걸어가는 남자, 경운기를 몰고 가는 농부, 칙칙한 건물의 모습 등 어디에서도 활기찬 봄의 기운을 느낄 수 없다. 그러나 전면에 놓인 식당과 슈퍼마켓이 있는 단층 건물 뒤편으로 보이는 산세와 벚꽃나무들의 색상이 풍기는 봄의 정취는 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하는 듯하다.<|im_end|> | <|im_start|>전라북도 전주시 대성동<|im_end|> | <|im_start|><우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는?<|im_end|> |
<|im_start|>대한민국의 민주화 과정에서 잊을 수 없는 해인 1987년은 1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기였다. <우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는 작가가 살았던 전라북도 전주시 대성동으로 임옥상은 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 달라지는 네 점의 풍경화 시리즈를 그렸다. "거리는 단순한 통로나 중성적 삶의 공간이 아니다. 거리는 살아있는 정치적·문화적 삶의 현장이다."라는 작가의 말처럼 거리의 소시민들과 자연이 보여주는 사계절 풍경은 1987년 대한민국의 소박하고 평범한 모습을 담고 있다. <우리 동네 1987년 4월>(1987)에서 4월은 완연한 봄임에도 불구하고 뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인, 고개를 숙이고 걸어가는 남자, 경운기를 몰고 가는 농부, 칙칙한 건물의 모습 등 어디에서도 활기찬 봄의 기운을 느낄 수 없다. 그러나 전면에 놓인 식당과 슈퍼마켓이 있는 단층 건물 뒤편으로 보이는 산세와 벚꽃나무들의 색상이 풍기는 봄의 정취는 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하는 듯하다.<|im_end|> | <|im_start|>임옥상<|im_end|> | <|im_start|><우리 동네 1987년>의 작가는?<|im_end|> |
<|im_start|>대한민국의 민주화 과정에서 잊을 수 없는 해인 1987년은 1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기였다. <우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는 작가가 살았던 전라북도 전주시 대성동으로 임옥상은 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 달라지는 네 점의 풍경화 시리즈를 그렸다. "거리는 단순한 통로나 중성적 삶의 공간이 아니다. 거리는 살아있는 정치적·문화적 삶의 현장이다."라는 작가의 말처럼 거리의 소시민들과 자연이 보여주는 사계절 풍경은 1987년 대한민국의 소박하고 평범한 모습을 담고 있다. <우리 동네 1987년 4월>(1987)에서 4월은 완연한 봄임에도 불구하고 뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인, 고개를 숙이고 걸어가는 남자, 경운기를 몰고 가는 농부, 칙칙한 건물의 모습 등 어디에서도 활기찬 봄의 기운을 느낄 수 없다. 그러나 전면에 놓인 식당과 슈퍼마켓이 있는 단층 건물 뒤편으로 보이는 산세와 벚꽃나무들의 색상이 풍기는 봄의 정취는 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하는 듯하다.<|im_end|> | <|im_start|>뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인<|im_end|> | <|im_start|><우리 동네 1987년 4월>에 등장하는 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>대한민국의 민주화 과정에서 잊을 수 없는 해인 1987년은 1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기였다. <우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는 작가가 살았던 전라북도 전주시 대성동으로 임옥상은 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 달라지는 네 점의 풍경화 시리즈를 그렸다. "거리는 단순한 통로나 중성적 삶의 공간이 아니다. 거리는 살아있는 정치적·문화적 삶의 현장이다."라는 작가의 말처럼 거리의 소시민들과 자연이 보여주는 사계절 풍경은 1987년 대한민국의 소박하고 평범한 모습을 담고 있다. <우리 동네 1987년 4월>(1987)에서 4월은 완연한 봄임에도 불구하고 뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인, 고개를 숙이고 걸어가는 남자, 경운기를 몰고 가는 농부, 칙칙한 건물의 모습 등 어디에서도 활기찬 봄의 기운을 느낄 수 없다. 그러나 전면에 놓인 식당과 슈퍼마켓이 있는 단층 건물 뒤편으로 보이는 산세와 벚꽃나무들의 색상이 풍기는 봄의 정취는 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하는 듯하다.<|im_end|> | <|im_start|>산세와 벚꽃나무들의 색상<|im_end|> | <|im_start|><우리 동네 1987년 4월>에서 봄의 정취를 통해 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하기 위해 사용한 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>대한민국의 민주화 과정에서 잊을 수 없는 해인 1987년은 1980년대에 전개된 민주화운동이 정점에 다다른 시기였다. <우리 동네 1987년> 시리즈에 묘사된 거리는 작가가 살았던 전라북도 전주시 대성동으로 임옥상은 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 달라지는 네 점의 풍경화 시리즈를 그렸다. "거리는 단순한 통로나 중성적 삶의 공간이 아니다. 거리는 살아있는 정치적·문화적 삶의 현장이다."라는 작가의 말처럼 거리의 소시민들과 자연이 보여주는 사계절 풍경은 1987년 대한민국의 소박하고 평범한 모습을 담고 있다. <우리 동네 1987년 4월>(1987)에서 4월은 완연한 봄임에도 불구하고 뒷짐을 지고 느리게 걸어가는 여인, 고개를 숙이고 걸어가는 남자, 경운기를 몰고 가는 농부, 칙칙한 건물의 모습 등 어디에서도 활기찬 봄의 기운을 느낄 수 없다. 그러나 전면에 놓인 식당과 슈퍼마켓이 있는 단층 건물 뒤편으로 보이는 산세와 벚꽃나무들의 색상이 풍기는 봄의 정취는 머지않아 전해질 세상의 변화를 암시하는 듯하다.<|im_end|> | <|im_start|>네 점의 풍경화 시리즈<|im_end|> | <|im_start|>임옥상이 동일한 위치에서 사계절의 변화에 따라 그렸던 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>우병출은 목원대학교 회화과를 졸업하고, 미국의 사실주의 화가 윈슬로 호머(Winslow Homer, 1836-1910)의 작품에 영감을 받아 야외 스케치를 다니면서 작업을 강구했다. 그는 미술의 조형요소 중 하나인 '선'으로 작업 세계를 구축하여 지속적으로 활동하면서 '선의 화가'로 불린다. 화폭의 수많은 선들은 기계적인 반듯한 직선이 아닌 손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함이라는 특징을 가지고 있다. 가는 세필에 유화를 묻혀 캔버스 위에 선을 그려나가는 우병출의 작업에서는 노동의 공력과 경이로움이 느껴진다. 작업 초기에는 자연 풍경을 그렸으나, 이후 대다수의 작업은 세계의 주요 도시 풍경을 주 소재로 하고 있다. 하늘 높이 치솟아 있는 멋진 스카이라인이 형성되어 있는 뉴욕, 에펠탑의 위용을 느낄 수 있는 파리 등 외국의 도시 풍경을 주로 그렸으나, 최근에는 서울과 부산 등 국내 도시의 풍경도 다루고 있다. 우병출은 여행을 다니며 바라본 수많은 도시가 가지고 있는 선의 느낌이 모두 제각각이라, 다른 도시를 작업으로 구현할 때마다 그 다름을 풀어내기 위해 노력한다. 우병출의 <Seeing>(2010)이라는 작품은 'Seeing' 연작 작품 중 하나로, 이 명제에는 작품에 등장하는 공간에 대한 의미와 정보 보다는 자신만의 시각으로 바라본다는 의미를 담고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>선의 화가<|im_end|> | <|im_start|>우병출이 '선'으로 작업 세계를 구축하며 불리는 말은?<|im_end|> |
<|im_start|>우병출은 목원대학교 회화과를 졸업하고, 미국의 사실주의 화가 윈슬로 호머(Winslow Homer, 1836-1910)의 작품에 영감을 받아 야외 스케치를 다니면서 작업을 강구했다. 그는 미술의 조형요소 중 하나인 '선'으로 작업 세계를 구축하여 지속적으로 활동하면서 '선의 화가'로 불린다. 화폭의 수많은 선들은 기계적인 반듯한 직선이 아닌 손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함이라는 특징을 가지고 있다. 가는 세필에 유화를 묻혀 캔버스 위에 선을 그려나가는 우병출의 작업에서는 노동의 공력과 경이로움이 느껴진다. 작업 초기에는 자연 풍경을 그렸으나, 이후 대다수의 작업은 세계의 주요 도시 풍경을 주 소재로 하고 있다. 하늘 높이 치솟아 있는 멋진 스카이라인이 형성되어 있는 뉴욕, 에펠탑의 위용을 느낄 수 있는 파리 등 외국의 도시 풍경을 주로 그렸으나, 최근에는 서울과 부산 등 국내 도시의 풍경도 다루고 있다. 우병출은 여행을 다니며 바라본 수많은 도시가 가지고 있는 선의 느낌이 모두 제각각이라, 다른 도시를 작업으로 구현할 때마다 그 다름을 풀어내기 위해 노력한다. 우병출의 <Seeing>(2010)이라는 작품은 'Seeing' 연작 작품 중 하나로, 이 명제에는 작품에 등장하는 공간에 대한 의미와 정보 보다는 자신만의 시각으로 바라본다는 의미를 담고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>서울과 부산<|im_end|> | <|im_start|>우병출이 최근에 다루는 국내의 도시는?<|im_end|> |
<|im_start|>우병출은 목원대학교 회화과를 졸업하고, 미국의 사실주의 화가 윈슬로 호머(Winslow Homer, 1836-1910)의 작품에 영감을 받아 야외 스케치를 다니면서 작업을 강구했다. 그는 미술의 조형요소 중 하나인 '선'으로 작업 세계를 구축하여 지속적으로 활동하면서 '선의 화가'로 불린다. 화폭의 수많은 선들은 기계적인 반듯한 직선이 아닌 손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함이라는 특징을 가지고 있다. 가는 세필에 유화를 묻혀 캔버스 위에 선을 그려나가는 우병출의 작업에서는 노동의 공력과 경이로움이 느껴진다. 작업 초기에는 자연 풍경을 그렸으나, 이후 대다수의 작업은 세계의 주요 도시 풍경을 주 소재로 하고 있다. 하늘 높이 치솟아 있는 멋진 스카이라인이 형성되어 있는 뉴욕, 에펠탑의 위용을 느낄 수 있는 파리 등 외국의 도시 풍경을 주로 그렸으나, 최근에는 서울과 부산 등 국내 도시의 풍경도 다루고 있다. 우병출은 여행을 다니며 바라본 수많은 도시가 가지고 있는 선의 느낌이 모두 제각각이라, 다른 도시를 작업으로 구현할 때마다 그 다름을 풀어내기 위해 노력한다. 우병출의 <Seeing>(2010)이라는 작품은 'Seeing' 연작 작품 중 하나로, 이 명제에는 작품에 등장하는 공간에 대한 의미와 정보 보다는 자신만의 시각으로 바라본다는 의미를 담고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함<|im_end|> | <|im_start|>화폭의 수많은 선들이 가진 특징은?<|im_end|> |
<|im_start|>우병출은 목원대학교 회화과를 졸업하고, 미국의 사실주의 화가 윈슬로 호머(Winslow Homer, 1836-1910)의 작품에 영감을 받아 야외 스케치를 다니면서 작업을 강구했다. 그는 미술의 조형요소 중 하나인 '선'으로 작업 세계를 구축하여 지속적으로 활동하면서 '선의 화가'로 불린다. 화폭의 수많은 선들은 기계적인 반듯한 직선이 아닌 손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함이라는 특징을 가지고 있다. 가는 세필에 유화를 묻혀 캔버스 위에 선을 그려나가는 우병출의 작업에서는 노동의 공력과 경이로움이 느껴진다. 작업 초기에는 자연 풍경을 그렸으나, 이후 대다수의 작업은 세계의 주요 도시 풍경을 주 소재로 하고 있다. 하늘 높이 치솟아 있는 멋진 스카이라인이 형성되어 있는 뉴욕, 에펠탑의 위용을 느낄 수 있는 파리 등 외국의 도시 풍경을 주로 그렸으나, 최근에는 서울과 부산 등 국내 도시의 풍경도 다루고 있다. 우병출은 여행을 다니며 바라본 수많은 도시가 가지고 있는 선의 느낌이 모두 제각각이라, 다른 도시를 작업으로 구현할 때마다 그 다름을 풀어내기 위해 노력한다. 우병출의 <Seeing>(2010)이라는 작품은 'Seeing' 연작 작품 중 하나로, 이 명제에는 작품에 등장하는 공간에 대한 의미와 정보 보다는 자신만의 시각으로 바라본다는 의미를 담고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2010<|im_end|> | <|im_start|>우병출의 <Seeing> 제작 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|>우병출은 목원대학교 회화과를 졸업하고, 미국의 사실주의 화가 윈슬로 호머(Winslow Homer, 1836-1910)의 작품에 영감을 받아 야외 스케치를 다니면서 작업을 강구했다. 그는 미술의 조형요소 중 하나인 '선'으로 작업 세계를 구축하여 지속적으로 활동하면서 '선의 화가'로 불린다. 화폭의 수많은 선들은 기계적인 반듯한 직선이 아닌 손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함이라는 특징을 가지고 있다. 가는 세필에 유화를 묻혀 캔버스 위에 선을 그려나가는 우병출의 작업에서는 노동의 공력과 경이로움이 느껴진다. 작업 초기에는 자연 풍경을 그렸으나, 이후 대다수의 작업은 세계의 주요 도시 풍경을 주 소재로 하고 있다. 하늘 높이 치솟아 있는 멋진 스카이라인이 형성되어 있는 뉴욕, 에펠탑의 위용을 느낄 수 있는 파리 등 외국의 도시 풍경을 주로 그렸으나, 최근에는 서울과 부산 등 국내 도시의 풍경도 다루고 있다. 우병출은 여행을 다니며 바라본 수많은 도시가 가지고 있는 선의 느낌이 모두 제각각이라, 다른 도시를 작업으로 구현할 때마다 그 다름을 풀어내기 위해 노력한다. 우병출의 <Seeing>(2010)이라는 작품은 'Seeing' 연작 작품 중 하나로, 이 명제에는 작품에 등장하는 공간에 대한 의미와 정보 보다는 자신만의 시각으로 바라본다는 의미를 담고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>목원대학교<|im_end|> | <|im_start|>우병출이 졸업한 대학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>우병출은 목원대학교 회화과를 졸업하고, 미국의 사실주의 화가 윈슬로 호머(Winslow Homer, 1836-1910)의 작품에 영감을 받아 야외 스케치를 다니면서 작업을 강구했다. 그는 미술의 조형요소 중 하나인 '선'으로 작업 세계를 구축하여 지속적으로 활동하면서 '선의 화가'로 불린다. 화폭의 수많은 선들은 기계적인 반듯한 직선이 아닌 손의 떨림이 그대로 전달되는 불규칙함이라는 특징을 가지고 있다. 가는 세필에 유화를 묻혀 캔버스 위에 선을 그려나가는 우병출의 작업에서는 노동의 공력과 경이로움이 느껴진다. 작업 초기에는 자연 풍경을 그렸으나, 이후 대다수의 작업은 세계의 주요 도시 풍경을 주 소재로 하고 있다. 하늘 높이 치솟아 있는 멋진 스카이라인이 형성되어 있는 뉴욕, 에펠탑의 위용을 느낄 수 있는 파리 등 외국의 도시 풍경을 주로 그렸으나, 최근에는 서울과 부산 등 국내 도시의 풍경도 다루고 있다. 우병출은 여행을 다니며 바라본 수많은 도시가 가지고 있는 선의 느낌이 모두 제각각이라, 다른 도시를 작업으로 구현할 때마다 그 다름을 풀어내기 위해 노력한다. 우병출의 <Seeing>(2010)이라는 작품은 'Seeing' 연작 작품 중 하나로, 이 명제에는 작품에 등장하는 공간에 대한 의미와 정보 보다는 자신만의 시각으로 바라본다는 의미를 담고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>야외 스케치<|im_end|> | <|im_start|>윈슬로 호머의 작품에 영감을 받아 우병출이 작업을 하던 방법은?<|im_end|> |
<|im_start|><국토-고추모종>(1990)은 한국 농촌의 현실을 독자적인 방식으로 묘사한 작품으로 캔버스 대신 채택한 양곡부대로 인해 생생한 현장감이 주어지고 있다. 1988년은 고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기였다. 흉흉한 농촌 분위기에 정부는 농민을 구제하기 위한 정책으로 농협을 통한 전량 수매를 내걸었으나 그 조차도 일부 농가만이 혜택을 보았고 이로 인해 '고추 농성'까지 벌어지게 된다. 이처럼 1980년대 한국은 국가적으로는 절대빈곤이 사라진 시기였지만 척박한 땅을 일구며 사는 농민들의 삶은 여전히 녹록지 않았다. 이 작품에서 농민들은 허리를 수그리고 묵묵히 땅을 갈고 고추를 심고 있는 모습으로 묘사된다. 괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위로 거대한 크기의 포크레인이 금방이라도 밭까지 밀고 들어올 기세로 땅을 뒤엎고 있다. 이는 농가로 흘러 들어오는 거대 자본과 물질문명을 상징적으로 표현한 것이자 이를 이유로 터전에서 밀려나야만 하는 농민 현실에 대한 작가의 호소이다. 이렇게 이종구는 스스로 호명한 '낙후된 삶과 현실의 기록자'라는 임무를 작품을 통해 실천한다.<|im_end|> | <|im_start|>양곡부대<|im_end|> | <|im_start|>작가가 캔버스 대신 채택한 것은?<|im_end|> |
<|im_start|><국토-고추모종>(1990)은 한국 농촌의 현실을 독자적인 방식으로 묘사한 작품으로 캔버스 대신 채택한 양곡부대로 인해 생생한 현장감이 주어지고 있다. 1988년은 고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기였다. 흉흉한 농촌 분위기에 정부는 농민을 구제하기 위한 정책으로 농협을 통한 전량 수매를 내걸었으나 그 조차도 일부 농가만이 혜택을 보았고 이로 인해 '고추 농성'까지 벌어지게 된다. 이처럼 1980년대 한국은 국가적으로는 절대빈곤이 사라진 시기였지만 척박한 땅을 일구며 사는 농민들의 삶은 여전히 녹록지 않았다. 이 작품에서 농민들은 허리를 수그리고 묵묵히 땅을 갈고 고추를 심고 있는 모습으로 묘사된다. 괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위로 거대한 크기의 포크레인이 금방이라도 밭까지 밀고 들어올 기세로 땅을 뒤엎고 있다. 이는 농가로 흘러 들어오는 거대 자본과 물질문명을 상징적으로 표현한 것이자 이를 이유로 터전에서 밀려나야만 하는 농민 현실에 대한 작가의 호소이다. 이렇게 이종구는 스스로 호명한 '낙후된 삶과 현실의 기록자'라는 임무를 작품을 통해 실천한다.<|im_end|> | <|im_start|>한국 농촌<|im_end|> | <|im_start|><국토-고추모종>이 묘사한 곳은?<|im_end|> |
<|im_start|><국토-고추모종>(1990)은 한국 농촌의 현실을 독자적인 방식으로 묘사한 작품으로 캔버스 대신 채택한 양곡부대로 인해 생생한 현장감이 주어지고 있다. 1988년은 고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기였다. 흉흉한 농촌 분위기에 정부는 농민을 구제하기 위한 정책으로 농협을 통한 전량 수매를 내걸었으나 그 조차도 일부 농가만이 혜택을 보았고 이로 인해 '고추 농성'까지 벌어지게 된다. 이처럼 1980년대 한국은 국가적으로는 절대빈곤이 사라진 시기였지만 척박한 땅을 일구며 사는 농민들의 삶은 여전히 녹록지 않았다. 이 작품에서 농민들은 허리를 수그리고 묵묵히 땅을 갈고 고추를 심고 있는 모습으로 묘사된다. 괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위로 거대한 크기의 포크레인이 금방이라도 밭까지 밀고 들어올 기세로 땅을 뒤엎고 있다. 이는 농가로 흘러 들어오는 거대 자본과 물질문명을 상징적으로 표현한 것이자 이를 이유로 터전에서 밀려나야만 하는 농민 현실에 대한 작가의 호소이다. 이렇게 이종구는 스스로 호명한 '낙후된 삶과 현실의 기록자'라는 임무를 작품을 통해 실천한다.<|im_end|> | <|im_start|>1988년<|im_end|> | <|im_start|>고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기는?<|im_end|> |
<|im_start|><국토-고추모종>(1990)은 한국 농촌의 현실을 독자적인 방식으로 묘사한 작품으로 캔버스 대신 채택한 양곡부대로 인해 생생한 현장감이 주어지고 있다. 1988년은 고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기였다. 흉흉한 농촌 분위기에 정부는 농민을 구제하기 위한 정책으로 농협을 통한 전량 수매를 내걸었으나 그 조차도 일부 농가만이 혜택을 보았고 이로 인해 '고추 농성'까지 벌어지게 된다. 이처럼 1980년대 한국은 국가적으로는 절대빈곤이 사라진 시기였지만 척박한 땅을 일구며 사는 농민들의 삶은 여전히 녹록지 않았다. 이 작품에서 농민들은 허리를 수그리고 묵묵히 땅을 갈고 고추를 심고 있는 모습으로 묘사된다. 괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위로 거대한 크기의 포크레인이 금방이라도 밭까지 밀고 들어올 기세로 땅을 뒤엎고 있다. 이는 농가로 흘러 들어오는 거대 자본과 물질문명을 상징적으로 표현한 것이자 이를 이유로 터전에서 밀려나야만 하는 농민 현실에 대한 작가의 호소이다. 이렇게 이종구는 스스로 호명한 '낙후된 삶과 현실의 기록자'라는 임무를 작품을 통해 실천한다.<|im_end|> | <|im_start|>농협<|im_end|> | <|im_start|>정부가 농민을 구제하기 위해 함께했던 회사는?<|im_end|> |
<|im_start|><국토-고추모종>(1990)은 한국 농촌의 현실을 독자적인 방식으로 묘사한 작품으로 캔버스 대신 채택한 양곡부대로 인해 생생한 현장감이 주어지고 있다. 1988년은 고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기였다. 흉흉한 농촌 분위기에 정부는 농민을 구제하기 위한 정책으로 농협을 통한 전량 수매를 내걸었으나 그 조차도 일부 농가만이 혜택을 보았고 이로 인해 '고추 농성'까지 벌어지게 된다. 이처럼 1980년대 한국은 국가적으로는 절대빈곤이 사라진 시기였지만 척박한 땅을 일구며 사는 농민들의 삶은 여전히 녹록지 않았다. 이 작품에서 농민들은 허리를 수그리고 묵묵히 땅을 갈고 고추를 심고 있는 모습으로 묘사된다. 괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위로 거대한 크기의 포크레인이 금방이라도 밭까지 밀고 들어올 기세로 땅을 뒤엎고 있다. 이는 농가로 흘러 들어오는 거대 자본과 물질문명을 상징적으로 표현한 것이자 이를 이유로 터전에서 밀려나야만 하는 농민 현실에 대한 작가의 호소이다. 이렇게 이종구는 스스로 호명한 '낙후된 삶과 현실의 기록자'라는 임무를 작품을 통해 실천한다.<|im_end|> | <|im_start|>척박한 땅을 일구며 사는 농민<|im_end|> | <|im_start|>1980년대에 국가적으로는 절대빈곤이 사라졌지만 여전히 삶이 녹록지 않았던 이들은?<|im_end|> |
<|im_start|><국토-고추모종>(1990)은 한국 농촌의 현실을 독자적인 방식으로 묘사한 작품으로 캔버스 대신 채택한 양곡부대로 인해 생생한 현장감이 주어지고 있다. 1988년은 고추 가격 파동으로 농가에 큰 피해가 일던 시기였다. 흉흉한 농촌 분위기에 정부는 농민을 구제하기 위한 정책으로 농협을 통한 전량 수매를 내걸었으나 그 조차도 일부 농가만이 혜택을 보았고 이로 인해 '고추 농성'까지 벌어지게 된다. 이처럼 1980년대 한국은 국가적으로는 절대빈곤이 사라진 시기였지만 척박한 땅을 일구며 사는 농민들의 삶은 여전히 녹록지 않았다. 이 작품에서 농민들은 허리를 수그리고 묵묵히 땅을 갈고 고추를 심고 있는 모습으로 묘사된다. 괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위로 거대한 크기의 포크레인이 금방이라도 밭까지 밀고 들어올 기세로 땅을 뒤엎고 있다. 이는 농가로 흘러 들어오는 거대 자본과 물질문명을 상징적으로 표현한 것이자 이를 이유로 터전에서 밀려나야만 하는 농민 현실에 대한 작가의 호소이다. 이렇게 이종구는 스스로 호명한 '낙후된 삶과 현실의 기록자'라는 임무를 작품을 통해 실천한다.<|im_end|> | <|im_start|>거대한 크기의 포크레인<|im_end|> | <|im_start|>괭이를 든 손으로 바쁘게 밭을 일구는 농민들 머리 위에 그려진 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>김명곤은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고, 2008년 이후 사람들의 탈 것, 예를 들어 자동차나 자전거, 그리고 오토바이와 요트 등에 식물을 가득 실어 나르는 풍경의 작업을 이어오고 있다. 이러한 작업은 그가 작업실에서 키우던 화초들을 자동차 위에 올려 물을 주는 행동 과정에서 무생물이던 자동차에 생명이 부여된 것처럼 느끼게 되면서부터 시작되었다. 김명곤의 작품에는 항상 달리는 무언가가 등장하고, 그 위로는 활짝 핀 꽃이나 초록의 풀잎이 쑥 올라와 있다. 캔버스에 무생물과 생물의 만남을 통해 생명력을 불어넣고 화려한 색채를 더해 생동감을 한껏 끌어올리는 그의 작업에서는 초현실적인 공간을 맛볼 수 있다. 그러나 그의 화풍에서는 신인상주의의 창시자로 불리는 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859-1891)의 영향을 엿볼 수 있는데, 무질서하게 분산되어 있는 색점이 가득한 김명곤의 작업은 신인상주의 작품과 마찬가지로 가까이에서 보단 멀리서 떨어져서 감상했을 때 이미지가 더욱 명확하게 다가온다. 김명곤의 <꿈을 싣고 가는 자동차>(2010)는 그의 작업적 특성이 분명히 드러나며 명제에서 알 수 있듯 그는 예술과 삶을 바라보는 태도에 있어 긍정적이다. 그의 작업에서는 그가 문명에 대한 비관주의에 동조하지 않으며 추상을 통해 초월적인 세계나 내면의 문제에 안착하는 것에 대해 거부한다는 점을 알 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>식물<|im_end|> | <|im_start|>작품 속 풍경에서 사람들이 탈 것에 가득 실어 나르던 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>김명곤은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고, 2008년 이후 사람들의 탈 것, 예를 들어 자동차나 자전거, 그리고 오토바이와 요트 등에 식물을 가득 실어 나르는 풍경의 작업을 이어오고 있다. 이러한 작업은 그가 작업실에서 키우던 화초들을 자동차 위에 올려 물을 주는 행동 과정에서 무생물이던 자동차에 생명이 부여된 것처럼 느끼게 되면서부터 시작되었다. 김명곤의 작품에는 항상 달리는 무언가가 등장하고, 그 위로는 활짝 핀 꽃이나 초록의 풀잎이 쑥 올라와 있다. 캔버스에 무생물과 생물의 만남을 통해 생명력을 불어넣고 화려한 색채를 더해 생동감을 한껏 끌어올리는 그의 작업에서는 초현실적인 공간을 맛볼 수 있다. 그러나 그의 화풍에서는 신인상주의의 창시자로 불리는 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859-1891)의 영향을 엿볼 수 있는데, 무질서하게 분산되어 있는 색점이 가득한 김명곤의 작업은 신인상주의 작품과 마찬가지로 가까이에서 보단 멀리서 떨어져서 감상했을 때 이미지가 더욱 명확하게 다가온다. 김명곤의 <꿈을 싣고 가는 자동차>(2010)는 그의 작업적 특성이 분명히 드러나며 명제에서 알 수 있듯 그는 예술과 삶을 바라보는 태도에 있어 긍정적이다. 그의 작업에서는 그가 문명에 대한 비관주의에 동조하지 않으며 추상을 통해 초월적인 세계나 내면의 문제에 안착하는 것에 대해 거부한다는 점을 알 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>김명곤<|im_end|> | <|im_start|>항상 달리는 무언가를 작품에 등장시키는 작가는?<|im_end|> |
<|im_start|>김명곤은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고, 2008년 이후 사람들의 탈 것, 예를 들어 자동차나 자전거, 그리고 오토바이와 요트 등에 식물을 가득 실어 나르는 풍경의 작업을 이어오고 있다. 이러한 작업은 그가 작업실에서 키우던 화초들을 자동차 위에 올려 물을 주는 행동 과정에서 무생물이던 자동차에 생명이 부여된 것처럼 느끼게 되면서부터 시작되었다. 김명곤의 작품에는 항상 달리는 무언가가 등장하고, 그 위로는 활짝 핀 꽃이나 초록의 풀잎이 쑥 올라와 있다. 캔버스에 무생물과 생물의 만남을 통해 생명력을 불어넣고 화려한 색채를 더해 생동감을 한껏 끌어올리는 그의 작업에서는 초현실적인 공간을 맛볼 수 있다. 그러나 그의 화풍에서는 신인상주의의 창시자로 불리는 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859-1891)의 영향을 엿볼 수 있는데, 무질서하게 분산되어 있는 색점이 가득한 김명곤의 작업은 신인상주의 작품과 마찬가지로 가까이에서 보단 멀리서 떨어져서 감상했을 때 이미지가 더욱 명확하게 다가온다. 김명곤의 <꿈을 싣고 가는 자동차>(2010)는 그의 작업적 특성이 분명히 드러나며 명제에서 알 수 있듯 그는 예술과 삶을 바라보는 태도에 있어 긍정적이다. 그의 작업에서는 그가 문명에 대한 비관주의에 동조하지 않으며 추상을 통해 초월적인 세계나 내면의 문제에 안착하는 것에 대해 거부한다는 점을 알 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>조르주 피에르 쇠라<|im_end|> | <|im_start|>김명곤의 화풍에 영향을 준 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>김명곤은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고, 2008년 이후 사람들의 탈 것, 예를 들어 자동차나 자전거, 그리고 오토바이와 요트 등에 식물을 가득 실어 나르는 풍경의 작업을 이어오고 있다. 이러한 작업은 그가 작업실에서 키우던 화초들을 자동차 위에 올려 물을 주는 행동 과정에서 무생물이던 자동차에 생명이 부여된 것처럼 느끼게 되면서부터 시작되었다. 김명곤의 작품에는 항상 달리는 무언가가 등장하고, 그 위로는 활짝 핀 꽃이나 초록의 풀잎이 쑥 올라와 있다. 캔버스에 무생물과 생물의 만남을 통해 생명력을 불어넣고 화려한 색채를 더해 생동감을 한껏 끌어올리는 그의 작업에서는 초현실적인 공간을 맛볼 수 있다. 그러나 그의 화풍에서는 신인상주의의 창시자로 불리는 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859-1891)의 영향을 엿볼 수 있는데, 무질서하게 분산되어 있는 색점이 가득한 김명곤의 작업은 신인상주의 작품과 마찬가지로 가까이에서 보단 멀리서 떨어져서 감상했을 때 이미지가 더욱 명확하게 다가온다. 김명곤의 <꿈을 싣고 가는 자동차>(2010)는 그의 작업적 특성이 분명히 드러나며 명제에서 알 수 있듯 그는 예술과 삶을 바라보는 태도에 있어 긍정적이다. 그의 작업에서는 그가 문명에 대한 비관주의에 동조하지 않으며 추상을 통해 초월적인 세계나 내면의 문제에 안착하는 것에 대해 거부한다는 점을 알 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>꿈을 싣고 가는 자동차<|im_end|> | <|im_start|>김명곤의 작업적 특성이 분명히 드러나는 작품의 제목은?<|im_end|> |
<|im_start|>김명곤은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고, 2008년 이후 사람들의 탈 것, 예를 들어 자동차나 자전거, 그리고 오토바이와 요트 등에 식물을 가득 실어 나르는 풍경의 작업을 이어오고 있다. 이러한 작업은 그가 작업실에서 키우던 화초들을 자동차 위에 올려 물을 주는 행동 과정에서 무생물이던 자동차에 생명이 부여된 것처럼 느끼게 되면서부터 시작되었다. 김명곤의 작품에는 항상 달리는 무언가가 등장하고, 그 위로는 활짝 핀 꽃이나 초록의 풀잎이 쑥 올라와 있다. 캔버스에 무생물과 생물의 만남을 통해 생명력을 불어넣고 화려한 색채를 더해 생동감을 한껏 끌어올리는 그의 작업에서는 초현실적인 공간을 맛볼 수 있다. 그러나 그의 화풍에서는 신인상주의의 창시자로 불리는 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859-1891)의 영향을 엿볼 수 있는데, 무질서하게 분산되어 있는 색점이 가득한 김명곤의 작업은 신인상주의 작품과 마찬가지로 가까이에서 보단 멀리서 떨어져서 감상했을 때 이미지가 더욱 명확하게 다가온다. 김명곤의 <꿈을 싣고 가는 자동차>(2010)는 그의 작업적 특성이 분명히 드러나며 명제에서 알 수 있듯 그는 예술과 삶을 바라보는 태도에 있어 긍정적이다. 그의 작업에서는 그가 문명에 대한 비관주의에 동조하지 않으며 추상을 통해 초월적인 세계나 내면의 문제에 안착하는 것에 대해 거부한다는 점을 알 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2010<|im_end|> | <|im_start|><꿈을 싣고 가는 자동차>가 제작된 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>김명곤은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고, 2008년 이후 사람들의 탈 것, 예를 들어 자동차나 자전거, 그리고 오토바이와 요트 등에 식물을 가득 실어 나르는 풍경의 작업을 이어오고 있다. 이러한 작업은 그가 작업실에서 키우던 화초들을 자동차 위에 올려 물을 주는 행동 과정에서 무생물이던 자동차에 생명이 부여된 것처럼 느끼게 되면서부터 시작되었다. 김명곤의 작품에는 항상 달리는 무언가가 등장하고, 그 위로는 활짝 핀 꽃이나 초록의 풀잎이 쑥 올라와 있다. 캔버스에 무생물과 생물의 만남을 통해 생명력을 불어넣고 화려한 색채를 더해 생동감을 한껏 끌어올리는 그의 작업에서는 초현실적인 공간을 맛볼 수 있다. 그러나 그의 화풍에서는 신인상주의의 창시자로 불리는 조르주 피에르 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859-1891)의 영향을 엿볼 수 있는데, 무질서하게 분산되어 있는 색점이 가득한 김명곤의 작업은 신인상주의 작품과 마찬가지로 가까이에서 보단 멀리서 떨어져서 감상했을 때 이미지가 더욱 명확하게 다가온다. 김명곤의 <꿈을 싣고 가는 자동차>(2010)는 그의 작업적 특성이 분명히 드러나며 명제에서 알 수 있듯 그는 예술과 삶을 바라보는 태도에 있어 긍정적이다. 그의 작업에서는 그가 문명에 대한 비관주의에 동조하지 않으며 추상을 통해 초월적인 세계나 내면의 문제에 안착하는 것에 대해 거부한다는 점을 알 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>작업실<|im_end|> | <|im_start|>김명곤이 화초들을 키우던 곳은?<|im_end|> |
<|im_start|>김만근(1957~)은 동양화와 판화, 조각에 이르기까지 다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구하며, 표현재료에 있어서도 특별히 신경 쓴다. 그는 돌과 흙을 직접 채취한 다음 빻고 갈아서 만든 석채 재료로 독특한 질감을 만들어내는 작업을 한다. 작업 초기에는 주로 동물, 나무, 새 등의 이미지가 화면 속에 등장하였으나, 2000년대에 들어서는 그 형상들이 사라지고 형태가 극단적으로 단순화되고 생략되는 방식으로 변화했다. 또한 다양한 색채를 뒤로하고 색 사용에도 제한을 두면서 모노크롬 회화를 연상시키는 단일한 톤과 회색 화면이 등장한다. 화려한 색채가 선사하는 강렬한 시각적 이끌림은 없지만, 은은하고 자연스럽게 배어 나오는 색감에서 순수하고도 서정적인 느낌을 받아볼 수 있는 것이 김만근 작업의 특징이다. 김만근의 <마음으로부터>(2009)는 형태와 색이 매우 절제됨으로써 발하는 화면의 조형성을 화인할 수 있으며, 석채의 사용으로 인한 두터운 마티에르의 흔적이 고스란히 드러난다. 미술평론가 오세원은 "그의 작품을 보고 있노라면 회색의 태토 위에 백토로 표면을 분장한 분청사기의 단면이 떠오른다."라고 말한 바 있다. 이처럼 그의 작업은 투박함 속에서도 세련미를 담아내는 한국적인 아름다움을 지니고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2000년대<|im_end|> | <|im_start|>김만근이 작업 초기와 달리 형태를 극단적이고 단순화했던 때는?<|im_end|> |
<|im_start|>김만근(1957~)은 동양화와 판화, 조각에 이르기까지 다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구하며, 표현재료에 있어서도 특별히 신경 쓴다. 그는 돌과 흙을 직접 채취한 다음 빻고 갈아서 만든 석채 재료로 독특한 질감을 만들어내는 작업을 한다. 작업 초기에는 주로 동물, 나무, 새 등의 이미지가 화면 속에 등장하였으나, 2000년대에 들어서는 그 형상들이 사라지고 형태가 극단적으로 단순화되고 생략되는 방식으로 변화했다. 또한 다양한 색채를 뒤로하고 색 사용에도 제한을 두면서 모노크롬 회화를 연상시키는 단일한 톤과 회색 화면이 등장한다. 화려한 색채가 선사하는 강렬한 시각적 이끌림은 없지만, 은은하고 자연스럽게 배어 나오는 색감에서 순수하고도 서정적인 느낌을 받아볼 수 있는 것이 김만근 작업의 특징이다. 김만근의 <마음으로부터>(2009)는 형태와 색이 매우 절제됨으로써 발하는 화면의 조형성을 화인할 수 있으며, 석채의 사용으로 인한 두터운 마티에르의 흔적이 고스란히 드러난다. 미술평론가 오세원은 "그의 작품을 보고 있노라면 회색의 태토 위에 백토로 표면을 분장한 분청사기의 단면이 떠오른다."라고 말한 바 있다. 이처럼 그의 작업은 투박함 속에서도 세련미를 담아내는 한국적인 아름다움을 지니고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>김만근<|im_end|> | <|im_start|>다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구한 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>김만근(1957~)은 동양화와 판화, 조각에 이르기까지 다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구하며, 표현재료에 있어서도 특별히 신경 쓴다. 그는 돌과 흙을 직접 채취한 다음 빻고 갈아서 만든 석채 재료로 독특한 질감을 만들어내는 작업을 한다. 작업 초기에는 주로 동물, 나무, 새 등의 이미지가 화면 속에 등장하였으나, 2000년대에 들어서는 그 형상들이 사라지고 형태가 극단적으로 단순화되고 생략되는 방식으로 변화했다. 또한 다양한 색채를 뒤로하고 색 사용에도 제한을 두면서 모노크롬 회화를 연상시키는 단일한 톤과 회색 화면이 등장한다. 화려한 색채가 선사하는 강렬한 시각적 이끌림은 없지만, 은은하고 자연스럽게 배어 나오는 색감에서 순수하고도 서정적인 느낌을 받아볼 수 있는 것이 김만근 작업의 특징이다. 김만근의 <마음으로부터>(2009)는 형태와 색이 매우 절제됨으로써 발하는 화면의 조형성을 화인할 수 있으며, 석채의 사용으로 인한 두터운 마티에르의 흔적이 고스란히 드러난다. 미술평론가 오세원은 "그의 작품을 보고 있노라면 회색의 태토 위에 백토로 표면을 분장한 분청사기의 단면이 떠오른다."라고 말한 바 있다. 이처럼 그의 작업은 투박함 속에서도 세련미를 담아내는 한국적인 아름다움을 지니고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>마음으로부터<|im_end|> | <|im_start|>2009년에 제작한 김만근의 작품 제목은?<|im_end|> |
<|im_start|>김만근(1957~)은 동양화와 판화, 조각에 이르기까지 다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구하며, 표현재료에 있어서도 특별히 신경 쓴다. 그는 돌과 흙을 직접 채취한 다음 빻고 갈아서 만든 석채 재료로 독특한 질감을 만들어내는 작업을 한다. 작업 초기에는 주로 동물, 나무, 새 등의 이미지가 화면 속에 등장하였으나, 2000년대에 들어서는 그 형상들이 사라지고 형태가 극단적으로 단순화되고 생략되는 방식으로 변화했다. 또한 다양한 색채를 뒤로하고 색 사용에도 제한을 두면서 모노크롬 회화를 연상시키는 단일한 톤과 회색 화면이 등장한다. 화려한 색채가 선사하는 강렬한 시각적 이끌림은 없지만, 은은하고 자연스럽게 배어 나오는 색감에서 순수하고도 서정적인 느낌을 받아볼 수 있는 것이 김만근 작업의 특징이다. 김만근의 <마음으로부터>(2009)는 형태와 색이 매우 절제됨으로써 발하는 화면의 조형성을 화인할 수 있으며, 석채의 사용으로 인한 두터운 마티에르의 흔적이 고스란히 드러난다. 미술평론가 오세원은 "그의 작품을 보고 있노라면 회색의 태토 위에 백토로 표면을 분장한 분청사기의 단면이 떠오른다."라고 말한 바 있다. 이처럼 그의 작업은 투박함 속에서도 세련미를 담아내는 한국적인 아름다움을 지니고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>오세원<|im_end|> | <|im_start|>김만근의 작품을 보고 평론한 이는?<|im_end|> |
<|im_start|>김만근(1957~)은 동양화와 판화, 조각에 이르기까지 다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구하며, 표현재료에 있어서도 특별히 신경 쓴다. 그는 돌과 흙을 직접 채취한 다음 빻고 갈아서 만든 석채 재료로 독특한 질감을 만들어내는 작업을 한다. 작업 초기에는 주로 동물, 나무, 새 등의 이미지가 화면 속에 등장하였으나, 2000년대에 들어서는 그 형상들이 사라지고 형태가 극단적으로 단순화되고 생략되는 방식으로 변화했다. 또한 다양한 색채를 뒤로하고 색 사용에도 제한을 두면서 모노크롬 회화를 연상시키는 단일한 톤과 회색 화면이 등장한다. 화려한 색채가 선사하는 강렬한 시각적 이끌림은 없지만, 은은하고 자연스럽게 배어 나오는 색감에서 순수하고도 서정적인 느낌을 받아볼 수 있는 것이 김만근 작업의 특징이다. 김만근의 <마음으로부터>(2009)는 형태와 색이 매우 절제됨으로써 발하는 화면의 조형성을 화인할 수 있으며, 석채의 사용으로 인한 두터운 마티에르의 흔적이 고스란히 드러난다. 미술평론가 오세원은 "그의 작품을 보고 있노라면 회색의 태토 위에 백토로 표면을 분장한 분청사기의 단면이 떠오른다."라고 말한 바 있다. 이처럼 그의 작업은 투박함 속에서도 세련미를 담아내는 한국적인 아름다움을 지니고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>한국적인 아름다움<|im_end|> | <|im_start|>김만근의 작품이 담아내는 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>김만근(1957~)은 동양화와 판화, 조각에 이르기까지 다양한 매체를 섭렵하여 작품 기법의 다양화를 추구하며, 표현재료에 있어서도 특별히 신경 쓴다. 그는 돌과 흙을 직접 채취한 다음 빻고 갈아서 만든 석채 재료로 독특한 질감을 만들어내는 작업을 한다. 작업 초기에는 주로 동물, 나무, 새 등의 이미지가 화면 속에 등장하였으나, 2000년대에 들어서는 그 형상들이 사라지고 형태가 극단적으로 단순화되고 생략되는 방식으로 변화했다. 또한 다양한 색채를 뒤로하고 색 사용에도 제한을 두면서 모노크롬 회화를 연상시키는 단일한 톤과 회색 화면이 등장한다. 화려한 색채가 선사하는 강렬한 시각적 이끌림은 없지만, 은은하고 자연스럽게 배어 나오는 색감에서 순수하고도 서정적인 느낌을 받아볼 수 있는 것이 김만근 작업의 특징이다. 김만근의 <마음으로부터>(2009)는 형태와 색이 매우 절제됨으로써 발하는 화면의 조형성을 화인할 수 있으며, 석채의 사용으로 인한 두터운 마티에르의 흔적이 고스란히 드러난다. 미술평론가 오세원은 "그의 작품을 보고 있노라면 회색의 태토 위에 백토로 표면을 분장한 분청사기의 단면이 떠오른다."라고 말한 바 있다. 이처럼 그의 작업은 투박함 속에서도 세련미를 담아내는 한국적인 아름다움을 지니고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>극단적으로 단순화되고 생략되는 방식<|im_end|> | <|im_start|>작업 초기와 달라진 그의 작품 방식은?<|im_end|> |
<|im_start|><정안수>(1983)는 '정화수'의 전라도 사투리로 같은 시기에 동일한 종이부조 기법으로 제작한 '밥상' 시리즈의 '음식'들을 우리 선조들이 소원을 빌 때 사용한 '정화수'로 치환한 작품이다. 당시 작가는 정치적인 이유로 정부에 강제로 작품을 압수당한 채 불안한 나날을 보냈는데 이 작품은 이러한 상황에 대한 일종의 대비책으로서 제작한 것이다. "엄마가 나를 생각하고 정안수를 놓고 빌듯이 나는 내 자신에 대해 빌었다"(작가의 말)는 내용을 담은 정화수는 아래에서 위를 바라보는 원근법의 일종인 '앙시법(仰視法)'을 사용함으로써 작품 속에 소원을 비는 행위자와 관람자의 시각을 일치시킨다. 이처럼 우리 조상들이 사랑하는 가족 나라와 민족의 안녕을 기원하며 떠 놓은 정화수의 메시지는 관람자에게로 전해져 각자의 바람을 기원하게 한다.<|im_end|> | <|im_start|>전라도<|im_end|> | <|im_start|>'정화수'를 '정안수'라고 부르는 지역은?<|im_end|> |
<|im_start|><정안수>(1983)는 '정화수'의 전라도 사투리로 같은 시기에 동일한 종이부조 기법으로 제작한 '밥상' 시리즈의 '음식'들을 우리 선조들이 소원을 빌 때 사용한 '정화수'로 치환한 작품이다. 당시 작가는 정치적인 이유로 정부에 강제로 작품을 압수당한 채 불안한 나날을 보냈는데 이 작품은 이러한 상황에 대한 일종의 대비책으로서 제작한 것이다. "엄마가 나를 생각하고 정안수를 놓고 빌듯이 나는 내 자신에 대해 빌었다"(작가의 말)는 내용을 담은 정화수는 아래에서 위를 바라보는 원근법의 일종인 '앙시법(仰視法)'을 사용함으로써 작품 속에 소원을 비는 행위자와 관람자의 시각을 일치시킨다. 이처럼 우리 조상들이 사랑하는 가족 나라와 민족의 안녕을 기원하며 떠 놓은 정화수의 메시지는 관람자에게로 전해져 각자의 바람을 기원하게 한다.<|im_end|> | <|im_start|>앙시법<|im_end|> | <|im_start|>작품에 사용된 원근법의 일종인 기법은?<|im_end|> |
<|im_start|><정안수>(1983)는 '정화수'의 전라도 사투리로 같은 시기에 동일한 종이부조 기법으로 제작한 '밥상' 시리즈의 '음식'들을 우리 선조들이 소원을 빌 때 사용한 '정화수'로 치환한 작품이다. 당시 작가는 정치적인 이유로 정부에 강제로 작품을 압수당한 채 불안한 나날을 보냈는데 이 작품은 이러한 상황에 대한 일종의 대비책으로서 제작한 것이다. "엄마가 나를 생각하고 정안수를 놓고 빌듯이 나는 내 자신에 대해 빌었다"(작가의 말)는 내용을 담은 정화수는 아래에서 위를 바라보는 원근법의 일종인 '앙시법(仰視法)'을 사용함으로써 작품 속에 소원을 비는 행위자와 관람자의 시각을 일치시킨다. 이처럼 우리 조상들이 사랑하는 가족 나라와 민족의 안녕을 기원하며 떠 놓은 정화수의 메시지는 관람자에게로 전해져 각자의 바람을 기원하게 한다.<|im_end|> | <|im_start|>엄마<|im_end|> | <|im_start|>작가를 위해 정안수를 놓고 빌었던 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|><정안수>(1983)는 '정화수'의 전라도 사투리로 같은 시기에 동일한 종이부조 기법으로 제작한 '밥상' 시리즈의 '음식'들을 우리 선조들이 소원을 빌 때 사용한 '정화수'로 치환한 작품이다. 당시 작가는 정치적인 이유로 정부에 강제로 작품을 압수당한 채 불안한 나날을 보냈는데 이 작품은 이러한 상황에 대한 일종의 대비책으로서 제작한 것이다. "엄마가 나를 생각하고 정안수를 놓고 빌듯이 나는 내 자신에 대해 빌었다"(작가의 말)는 내용을 담은 정화수는 아래에서 위를 바라보는 원근법의 일종인 '앙시법(仰視法)'을 사용함으로써 작품 속에 소원을 비는 행위자와 관람자의 시각을 일치시킨다. 이처럼 우리 조상들이 사랑하는 가족 나라와 민족의 안녕을 기원하며 떠 놓은 정화수의 메시지는 관람자에게로 전해져 각자의 바람을 기원하게 한다.<|im_end|> | <|im_start|>1983<|im_end|> | <|im_start|><정안수>의 제작 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|><정안수>(1983)는 '정화수'의 전라도 사투리로 같은 시기에 동일한 종이부조 기법으로 제작한 '밥상' 시리즈의 '음식'들을 우리 선조들이 소원을 빌 때 사용한 '정화수'로 치환한 작품이다. 당시 작가는 정치적인 이유로 정부에 강제로 작품을 압수당한 채 불안한 나날을 보냈는데 이 작품은 이러한 상황에 대한 일종의 대비책으로서 제작한 것이다. "엄마가 나를 생각하고 정안수를 놓고 빌듯이 나는 내 자신에 대해 빌었다"(작가의 말)는 내용을 담은 정화수는 아래에서 위를 바라보는 원근법의 일종인 '앙시법(仰視法)'을 사용함으로써 작품 속에 소원을 비는 행위자와 관람자의 시각을 일치시킨다. 이처럼 우리 조상들이 사랑하는 가족 나라와 민족의 안녕을 기원하며 떠 놓은 정화수의 메시지는 관람자에게로 전해져 각자의 바람을 기원하게 한다.<|im_end|> | <|im_start|>정치적인 이유<|im_end|> | <|im_start|>당시 작가의 작품이 정부에 강제로 압수당한 이유는?<|im_end|> |
<|im_start|><정안수>(1983)는 '정화수'의 전라도 사투리로 같은 시기에 동일한 종이부조 기법으로 제작한 '밥상' 시리즈의 '음식'들을 우리 선조들이 소원을 빌 때 사용한 '정화수'로 치환한 작품이다. 당시 작가는 정치적인 이유로 정부에 강제로 작품을 압수당한 채 불안한 나날을 보냈는데 이 작품은 이러한 상황에 대한 일종의 대비책으로서 제작한 것이다. "엄마가 나를 생각하고 정안수를 놓고 빌듯이 나는 내 자신에 대해 빌었다"(작가의 말)는 내용을 담은 정화수는 아래에서 위를 바라보는 원근법의 일종인 '앙시법(仰視法)'을 사용함으로써 작품 속에 소원을 비는 행위자와 관람자의 시각을 일치시킨다. 이처럼 우리 조상들이 사랑하는 가족 나라와 민족의 안녕을 기원하며 떠 놓은 정화수의 메시지는 관람자에게로 전해져 각자의 바람을 기원하게 한다.<|im_end|> | <|im_start|>작품 속에 소원을 비는 행위자<|im_end|> | <|im_start|>관람자와 시각을 일치키킨 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 청송 출생인 남관(1911-1990)은 14세 때 일본으로 건너갔으며 동경의 다이헤이요 미술학교를 졸업하고, 1955년 프랑스 파리로 건너가 아카데미 드 라 그랑 쇼미에르 학교에서 수학했다. 그가 일본에 머물던 시기의 작업들은 서정적인 색감과 표현적 화풍의 인물화 혹은 풍경화 위주였으나, 파리에서의 유학은 남관의 작업에 지대한 변화를 가져다주었다. 당시 파리는 추상미술이 휩쓸고 있었으며, 여기에 매료된 그는 이전의 작품에서 보여주었던 재현적인 요소를 배제하고 심상주의를 기반으로 한 추상적 표현을 선보이기 시작한다. 1960년대 중반부터는 추상적인 화풍에 동양의 문자를 콜라주 형식으로 집어넣거나 번짐과 같은 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된다. 또한 석기시대의 유물 혹은 사람의 해골과 관련된 '마스크' 연작을 통해 그가 겪었던 한국 전쟁의 아픔을 이야기한다. 남관은 한국전쟁의 비극을 다루면서 동양적인 멋을 서양화의 표현방식으로 드러낸 한국 1세대 추상화가로 평가받는다. 한국인으로는 처음 프랑스 살롱 드메(Salon de Mai)(1958)에 참가하였고, 망통(Menton) 국제비엔날레(1966)에서 대상을 수상하기도 했다. 남관의 <잃어버린 흔적>(1989)은 그가 1968년 귀국하고 1990년 작고할 때까지 서울시대로 분류되는 시기에 그려진 작품이다. 이 시기의 작품은 청색 중심의 화사한 색조가 눈에 띄며 기호를 매체로 한 우주의 새로운 질서를 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>남관<|im_end|> | <|im_start|>한국 1세대 추상화가로 평가받는 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 청송 출생인 남관(1911-1990)은 14세 때 일본으로 건너갔으며 동경의 다이헤이요 미술학교를 졸업하고, 1955년 프랑스 파리로 건너가 아카데미 드 라 그랑 쇼미에르 학교에서 수학했다. 그가 일본에 머물던 시기의 작업들은 서정적인 색감과 표현적 화풍의 인물화 혹은 풍경화 위주였으나, 파리에서의 유학은 남관의 작업에 지대한 변화를 가져다주었다. 당시 파리는 추상미술이 휩쓸고 있었으며, 여기에 매료된 그는 이전의 작품에서 보여주었던 재현적인 요소를 배제하고 심상주의를 기반으로 한 추상적 표현을 선보이기 시작한다. 1960년대 중반부터는 추상적인 화풍에 동양의 문자를 콜라주 형식으로 집어넣거나 번짐과 같은 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된다. 또한 석기시대의 유물 혹은 사람의 해골과 관련된 '마스크' 연작을 통해 그가 겪었던 한국 전쟁의 아픔을 이야기한다. 남관은 한국전쟁의 비극을 다루면서 동양적인 멋을 서양화의 표현방식으로 드러낸 한국 1세대 추상화가로 평가받는다. 한국인으로는 처음 프랑스 살롱 드메(Salon de Mai)(1958)에 참가하였고, 망통(Menton) 국제비엔날레(1966)에서 대상을 수상하기도 했다. 남관의 <잃어버린 흔적>(1989)은 그가 1968년 귀국하고 1990년 작고할 때까지 서울시대로 분류되는 시기에 그려진 작품이다. 이 시기의 작품은 청색 중심의 화사한 색조가 눈에 띄며 기호를 매체로 한 우주의 새로운 질서를 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>1966<|im_end|> | <|im_start|>망통 국제비엔날레에서 남관이 대상을 수상한 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 청송 출생인 남관(1911-1990)은 14세 때 일본으로 건너갔으며 동경의 다이헤이요 미술학교를 졸업하고, 1955년 프랑스 파리로 건너가 아카데미 드 라 그랑 쇼미에르 학교에서 수학했다. 그가 일본에 머물던 시기의 작업들은 서정적인 색감과 표현적 화풍의 인물화 혹은 풍경화 위주였으나, 파리에서의 유학은 남관의 작업에 지대한 변화를 가져다주었다. 당시 파리는 추상미술이 휩쓸고 있었으며, 여기에 매료된 그는 이전의 작품에서 보여주었던 재현적인 요소를 배제하고 심상주의를 기반으로 한 추상적 표현을 선보이기 시작한다. 1960년대 중반부터는 추상적인 화풍에 동양의 문자를 콜라주 형식으로 집어넣거나 번짐과 같은 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된다. 또한 석기시대의 유물 혹은 사람의 해골과 관련된 '마스크' 연작을 통해 그가 겪었던 한국 전쟁의 아픔을 이야기한다. 남관은 한국전쟁의 비극을 다루면서 동양적인 멋을 서양화의 표현방식으로 드러낸 한국 1세대 추상화가로 평가받는다. 한국인으로는 처음 프랑스 살롱 드메(Salon de Mai)(1958)에 참가하였고, 망통(Menton) 국제비엔날레(1966)에서 대상을 수상하기도 했다. 남관의 <잃어버린 흔적>(1989)은 그가 1968년 귀국하고 1990년 작고할 때까지 서울시대로 분류되는 시기에 그려진 작품이다. 이 시기의 작품은 청색 중심의 화사한 색조가 눈에 띄며 기호를 매체로 한 우주의 새로운 질서를 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>다이헤이요 미술학교<|im_end|> | <|im_start|>남관이 일본에서 졸업한 학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 청송 출생인 남관(1911-1990)은 14세 때 일본으로 건너갔으며 동경의 다이헤이요 미술학교를 졸업하고, 1955년 프랑스 파리로 건너가 아카데미 드 라 그랑 쇼미에르 학교에서 수학했다. 그가 일본에 머물던 시기의 작업들은 서정적인 색감과 표현적 화풍의 인물화 혹은 풍경화 위주였으나, 파리에서의 유학은 남관의 작업에 지대한 변화를 가져다주었다. 당시 파리는 추상미술이 휩쓸고 있었으며, 여기에 매료된 그는 이전의 작품에서 보여주었던 재현적인 요소를 배제하고 심상주의를 기반으로 한 추상적 표현을 선보이기 시작한다. 1960년대 중반부터는 추상적인 화풍에 동양의 문자를 콜라주 형식으로 집어넣거나 번짐과 같은 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된다. 또한 석기시대의 유물 혹은 사람의 해골과 관련된 '마스크' 연작을 통해 그가 겪었던 한국 전쟁의 아픔을 이야기한다. 남관은 한국전쟁의 비극을 다루면서 동양적인 멋을 서양화의 표현방식으로 드러낸 한국 1세대 추상화가로 평가받는다. 한국인으로는 처음 프랑스 살롱 드메(Salon de Mai)(1958)에 참가하였고, 망통(Menton) 국제비엔날레(1966)에서 대상을 수상하기도 했다. 남관의 <잃어버린 흔적>(1989)은 그가 1968년 귀국하고 1990년 작고할 때까지 서울시대로 분류되는 시기에 그려진 작품이다. 이 시기의 작품은 청색 중심의 화사한 색조가 눈에 띄며 기호를 매체로 한 우주의 새로운 질서를 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>잃어버린 흔적<|im_end|> | <|im_start|>남관이 1989년에 그린 작품은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 청송 출생인 남관(1911-1990)은 14세 때 일본으로 건너갔으며 동경의 다이헤이요 미술학교를 졸업하고, 1955년 프랑스 파리로 건너가 아카데미 드 라 그랑 쇼미에르 학교에서 수학했다. 그가 일본에 머물던 시기의 작업들은 서정적인 색감과 표현적 화풍의 인물화 혹은 풍경화 위주였으나, 파리에서의 유학은 남관의 작업에 지대한 변화를 가져다주었다. 당시 파리는 추상미술이 휩쓸고 있었으며, 여기에 매료된 그는 이전의 작품에서 보여주었던 재현적인 요소를 배제하고 심상주의를 기반으로 한 추상적 표현을 선보이기 시작한다. 1960년대 중반부터는 추상적인 화풍에 동양의 문자를 콜라주 형식으로 집어넣거나 번짐과 같은 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된다. 또한 석기시대의 유물 혹은 사람의 해골과 관련된 '마스크' 연작을 통해 그가 겪었던 한국 전쟁의 아픔을 이야기한다. 남관은 한국전쟁의 비극을 다루면서 동양적인 멋을 서양화의 표현방식으로 드러낸 한국 1세대 추상화가로 평가받는다. 한국인으로는 처음 프랑스 살롱 드메(Salon de Mai)(1958)에 참가하였고, 망통(Menton) 국제비엔날레(1966)에서 대상을 수상하기도 했다. 남관의 <잃어버린 흔적>(1989)은 그가 1968년 귀국하고 1990년 작고할 때까지 서울시대로 분류되는 시기에 그려진 작품이다. 이 시기의 작품은 청색 중심의 화사한 색조가 눈에 띄며 기호를 매체로 한 우주의 새로운 질서를 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>한국 전쟁의 아픔<|im_end|> | <|im_start|>'마스크' 연작을 통해 남관이 이야기하는 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 청송 출생인 남관(1911-1990)은 14세 때 일본으로 건너갔으며 동경의 다이헤이요 미술학교를 졸업하고, 1955년 프랑스 파리로 건너가 아카데미 드 라 그랑 쇼미에르 학교에서 수학했다. 그가 일본에 머물던 시기의 작업들은 서정적인 색감과 표현적 화풍의 인물화 혹은 풍경화 위주였으나, 파리에서의 유학은 남관의 작업에 지대한 변화를 가져다주었다. 당시 파리는 추상미술이 휩쓸고 있었으며, 여기에 매료된 그는 이전의 작품에서 보여주었던 재현적인 요소를 배제하고 심상주의를 기반으로 한 추상적 표현을 선보이기 시작한다. 1960년대 중반부터는 추상적인 화풍에 동양의 문자를 콜라주 형식으로 집어넣거나 번짐과 같은 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된다. 또한 석기시대의 유물 혹은 사람의 해골과 관련된 '마스크' 연작을 통해 그가 겪었던 한국 전쟁의 아픔을 이야기한다. 남관은 한국전쟁의 비극을 다루면서 동양적인 멋을 서양화의 표현방식으로 드러낸 한국 1세대 추상화가로 평가받는다. 한국인으로는 처음 프랑스 살롱 드메(Salon de Mai)(1958)에 참가하였고, 망통(Menton) 국제비엔날레(1966)에서 대상을 수상하기도 했다. 남관의 <잃어버린 흔적>(1989)은 그가 1968년 귀국하고 1990년 작고할 때까지 서울시대로 분류되는 시기에 그려진 작품이다. 이 시기의 작품은 청색 중심의 화사한 색조가 눈에 띄며 기호를 매체로 한 우주의 새로운 질서를 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>1960년대 중반<|im_end|> | <|im_start|>남관이 동양적 기법 및 주제에 관심을 가지고 작업에 임하게 된 때는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 보령 대천 출생인 김기라(1974~)는 경원대학교 회화과를 졸업하고 런던 골드스미스 비주얼에서 파인아트로 석사학위를 취득했다. 그는 회화, 조각, 영상, 설치 등 다양한 장르를 활용하며 예술과 예술가의 사회적 역할에 적극적인 자세를 취하는 작업에 임한다. 정치적·역사적으로 무거운 사회적 주제들을 과감히 대면하지만, 유머러스하게 그리고 은유화된 방식을 통해 그 현상의 근본적인 이유를 전달한다. 특히 김기라는 사회가 급속도로 자본화되면서 파생되는 다양한 문제에 천착하여 자본주의 사회 작동의 메커니즘을 고발한다. 한국의 자본주의를 소비와 착취 그리고 열광과 냉소의 무한궤도로 파악하는 작가의 작업은 현대사회의 일상을 고스란히 드러내고 있는 것이다. 우리가 미처 생각하지 못했던 부분들과 놓칠 수 있는 사건들을 다시금 환기시킴으로써 예술과 사회의 관계를 조망한다. 김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>(2009) 역시 소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품으로, 17세기 네덜란드에서 유행했던 바로크 양식의 정물화 형식을 차용하고 있다. 원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리는 다국적 기업의 산물인 맥도날드, 스타벅스, 코카콜라 등의 패스트푸드와 그 식품 회사의 로고로 대체되어 있다.<|im_end|> | <|im_start|>김기라<|im_end|> | <|im_start|>경원대학교 회화과를 졸업한 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 보령 대천 출생인 김기라(1974~)는 경원대학교 회화과를 졸업하고 런던 골드스미스 비주얼에서 파인아트로 석사학위를 취득했다. 그는 회화, 조각, 영상, 설치 등 다양한 장르를 활용하며 예술과 예술가의 사회적 역할에 적극적인 자세를 취하는 작업에 임한다. 정치적·역사적으로 무거운 사회적 주제들을 과감히 대면하지만, 유머러스하게 그리고 은유화된 방식을 통해 그 현상의 근본적인 이유를 전달한다. 특히 김기라는 사회가 급속도로 자본화되면서 파생되는 다양한 문제에 천착하여 자본주의 사회 작동의 메커니즘을 고발한다. 한국의 자본주의를 소비와 착취 그리고 열광과 냉소의 무한궤도로 파악하는 작가의 작업은 현대사회의 일상을 고스란히 드러내고 있는 것이다. 우리가 미처 생각하지 못했던 부분들과 놓칠 수 있는 사건들을 다시금 환기시킴으로써 예술과 사회의 관계를 조망한다. 김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>(2009) 역시 소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품으로, 17세기 네덜란드에서 유행했던 바로크 양식의 정물화 형식을 차용하고 있다. 원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리는 다국적 기업의 산물인 맥도날드, 스타벅스, 코카콜라 등의 패스트푸드와 그 식품 회사의 로고로 대체되어 있다.<|im_end|> | <|im_start|>맥도날드, 스타벅스, 코카콜라<|im_end|> | <|im_start|>원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리를 대체한 회사들은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 보령 대천 출생인 김기라(1974~)는 경원대학교 회화과를 졸업하고 런던 골드스미스 비주얼에서 파인아트로 석사학위를 취득했다. 그는 회화, 조각, 영상, 설치 등 다양한 장르를 활용하며 예술과 예술가의 사회적 역할에 적극적인 자세를 취하는 작업에 임한다. 정치적·역사적으로 무거운 사회적 주제들을 과감히 대면하지만, 유머러스하게 그리고 은유화된 방식을 통해 그 현상의 근본적인 이유를 전달한다. 특히 김기라는 사회가 급속도로 자본화되면서 파생되는 다양한 문제에 천착하여 자본주의 사회 작동의 메커니즘을 고발한다. 한국의 자본주의를 소비와 착취 그리고 열광과 냉소의 무한궤도로 파악하는 작가의 작업은 현대사회의 일상을 고스란히 드러내고 있는 것이다. 우리가 미처 생각하지 못했던 부분들과 놓칠 수 있는 사건들을 다시금 환기시킴으로써 예술과 사회의 관계를 조망한다. 김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>(2009) 역시 소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품으로, 17세기 네덜란드에서 유행했던 바로크 양식의 정물화 형식을 차용하고 있다. 원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리는 다국적 기업의 산물인 맥도날드, 스타벅스, 코카콜라 등의 패스트푸드와 그 식품 회사의 로고로 대체되어 있다.<|im_end|> | <|im_start|>소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품<|im_end|> | <|im_start|>김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>의 특징은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 보령 대천 출생인 김기라(1974~)는 경원대학교 회화과를 졸업하고 런던 골드스미스 비주얼에서 파인아트로 석사학위를 취득했다. 그는 회화, 조각, 영상, 설치 등 다양한 장르를 활용하며 예술과 예술가의 사회적 역할에 적극적인 자세를 취하는 작업에 임한다. 정치적·역사적으로 무거운 사회적 주제들을 과감히 대면하지만, 유머러스하게 그리고 은유화된 방식을 통해 그 현상의 근본적인 이유를 전달한다. 특히 김기라는 사회가 급속도로 자본화되면서 파생되는 다양한 문제에 천착하여 자본주의 사회 작동의 메커니즘을 고발한다. 한국의 자본주의를 소비와 착취 그리고 열광과 냉소의 무한궤도로 파악하는 작가의 작업은 현대사회의 일상을 고스란히 드러내고 있는 것이다. 우리가 미처 생각하지 못했던 부분들과 놓칠 수 있는 사건들을 다시금 환기시킴으로써 예술과 사회의 관계를 조망한다. 김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>(2009) 역시 소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품으로, 17세기 네덜란드에서 유행했던 바로크 양식의 정물화 형식을 차용하고 있다. 원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리는 다국적 기업의 산물인 맥도날드, 스타벅스, 코카콜라 등의 패스트푸드와 그 식품 회사의 로고로 대체되어 있다.<|im_end|> | <|im_start|>회화, 조각, 영상, 설치<|im_end|> | <|im_start|>김기라가 활용하는 장르는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 보령 대천 출생인 김기라(1974~)는 경원대학교 회화과를 졸업하고 런던 골드스미스 비주얼에서 파인아트로 석사학위를 취득했다. 그는 회화, 조각, 영상, 설치 등 다양한 장르를 활용하며 예술과 예술가의 사회적 역할에 적극적인 자세를 취하는 작업에 임한다. 정치적·역사적으로 무거운 사회적 주제들을 과감히 대면하지만, 유머러스하게 그리고 은유화된 방식을 통해 그 현상의 근본적인 이유를 전달한다. 특히 김기라는 사회가 급속도로 자본화되면서 파생되는 다양한 문제에 천착하여 자본주의 사회 작동의 메커니즘을 고발한다. 한국의 자본주의를 소비와 착취 그리고 열광과 냉소의 무한궤도로 파악하는 작가의 작업은 현대사회의 일상을 고스란히 드러내고 있는 것이다. 우리가 미처 생각하지 못했던 부분들과 놓칠 수 있는 사건들을 다시금 환기시킴으로써 예술과 사회의 관계를 조망한다. 김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>(2009) 역시 소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품으로, 17세기 네덜란드에서 유행했던 바로크 양식의 정물화 형식을 차용하고 있다. 원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리는 다국적 기업의 산물인 맥도날드, 스타벅스, 코카콜라 등의 패스트푸드와 그 식품 회사의 로고로 대체되어 있다.<|im_end|> | <|im_start|>런던 골드스미스 비주얼<|im_end|> | <|im_start|>김기라가 파인아트로 석사학위를 취득한 학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 보령 대천 출생인 김기라(1974~)는 경원대학교 회화과를 졸업하고 런던 골드스미스 비주얼에서 파인아트로 석사학위를 취득했다. 그는 회화, 조각, 영상, 설치 등 다양한 장르를 활용하며 예술과 예술가의 사회적 역할에 적극적인 자세를 취하는 작업에 임한다. 정치적·역사적으로 무거운 사회적 주제들을 과감히 대면하지만, 유머러스하게 그리고 은유화된 방식을 통해 그 현상의 근본적인 이유를 전달한다. 특히 김기라는 사회가 급속도로 자본화되면서 파생되는 다양한 문제에 천착하여 자본주의 사회 작동의 메커니즘을 고발한다. 한국의 자본주의를 소비와 착취 그리고 열광과 냉소의 무한궤도로 파악하는 작가의 작업은 현대사회의 일상을 고스란히 드러내고 있는 것이다. 우리가 미처 생각하지 못했던 부분들과 놓칠 수 있는 사건들을 다시금 환기시킴으로써 예술과 사회의 관계를 조망한다. 김기라의 <20C Contemporary Still Life with Candies>(2009) 역시 소비 자본주의의 현실을 꼬집는 작품으로, 17세기 네덜란드에서 유행했던 바로크 양식의 정물화 형식을 차용하고 있다. 원작에서 꽃과 과일이 그려져 있던 자리는 다국적 기업의 산물인 맥도날드, 스타벅스, 코카콜라 등의 패스트푸드와 그 식품 회사의 로고로 대체되어 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2009<|im_end|> | <|im_start|><20C Contemporary Still Life with Candies>의 제작 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|>서울 출생인 한만영(韓萬榮, 1946~)은 홍익대학교 서양화를 졸업하고 건국대학교 대학원에서 미술교육으로 석사학위를 수여받았다. 그는 1970년대에 유행했던 미니멀아트가 아닌 동서양을 아울러 과거 거장들의 명화나 유물의 이미지를 부분적으로 차용하고 오브제를 덧붙임으로써 원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 그만의 새로운 조형언어를 창조했다. 한 화면에 드러나는 부분적으로 차용된 과거의 산물인 이미지와 새롭게 도입된 현재의 산물인 오브제의 엄청난 시공간적 차이는 작품 속에서 하나의 시공간으로 통합된다. 이러한 작업은 1980년대에 들어서 '시간의 복제'라는 연작으로 이어지게 되며, 오브제와 이미지의 공존 혹은 소외와 같은 길항의 관계를 묻는 작업 전략을 취한다. 예술과 일상, 페인팅과 오브제라는 이중적인 코드는 전통과 혁신의 상관관계 속에서 예술관을 펼쳐나가는 한만영의 태도를 엿볼 수 있는 요소이다. 또한 무엇을 그리느냐보다도 어떻게 그리느냐라는 문제에 천착하며 작업을 이어가고 있는 그의 모습을 알 수 있다. 한만영의 <Reproduction of time>(2004)은 1980년대부터 지속해온 '시간의 복제' 연작 중 한 작품이며, 붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔한 것이 특징적이다.<|im_end|> | <|im_start|>1980년대<|im_end|> | <|im_start|>한만영이 '시간의 복제' 연작을 작업했던 때는?<|im_end|> |
<|im_start|>서울 출생인 한만영(韓萬榮, 1946~)은 홍익대학교 서양화를 졸업하고 건국대학교 대학원에서 미술교육으로 석사학위를 수여받았다. 그는 1970년대에 유행했던 미니멀아트가 아닌 동서양을 아울러 과거 거장들의 명화나 유물의 이미지를 부분적으로 차용하고 오브제를 덧붙임으로써 원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 그만의 새로운 조형언어를 창조했다. 한 화면에 드러나는 부분적으로 차용된 과거의 산물인 이미지와 새롭게 도입된 현재의 산물인 오브제의 엄청난 시공간적 차이는 작품 속에서 하나의 시공간으로 통합된다. 이러한 작업은 1980년대에 들어서 '시간의 복제'라는 연작으로 이어지게 되며, 오브제와 이미지의 공존 혹은 소외와 같은 길항의 관계를 묻는 작업 전략을 취한다. 예술과 일상, 페인팅과 오브제라는 이중적인 코드는 전통과 혁신의 상관관계 속에서 예술관을 펼쳐나가는 한만영의 태도를 엿볼 수 있는 요소이다. 또한 무엇을 그리느냐보다도 어떻게 그리느냐라는 문제에 천착하며 작업을 이어가고 있는 그의 모습을 알 수 있다. 한만영의 <Reproduction of time>(2004)은 1980년대부터 지속해온 '시간의 복제' 연작 중 한 작품이며, 붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔한 것이 특징적이다.<|im_end|> | <|im_start|>2004<|im_end|> | <|im_start|>'시간의 복제' 연작 중 한 작품인 <Reproduction of time>이 제작된 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>서울 출생인 한만영(韓萬榮, 1946~)은 홍익대학교 서양화를 졸업하고 건국대학교 대학원에서 미술교육으로 석사학위를 수여받았다. 그는 1970년대에 유행했던 미니멀아트가 아닌 동서양을 아울러 과거 거장들의 명화나 유물의 이미지를 부분적으로 차용하고 오브제를 덧붙임으로써 원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 그만의 새로운 조형언어를 창조했다. 한 화면에 드러나는 부분적으로 차용된 과거의 산물인 이미지와 새롭게 도입된 현재의 산물인 오브제의 엄청난 시공간적 차이는 작품 속에서 하나의 시공간으로 통합된다. 이러한 작업은 1980년대에 들어서 '시간의 복제'라는 연작으로 이어지게 되며, 오브제와 이미지의 공존 혹은 소외와 같은 길항의 관계를 묻는 작업 전략을 취한다. 예술과 일상, 페인팅과 오브제라는 이중적인 코드는 전통과 혁신의 상관관계 속에서 예술관을 펼쳐나가는 한만영의 태도를 엿볼 수 있는 요소이다. 또한 무엇을 그리느냐보다도 어떻게 그리느냐라는 문제에 천착하며 작업을 이어가고 있는 그의 모습을 알 수 있다. 한만영의 <Reproduction of time>(2004)은 1980년대부터 지속해온 '시간의 복제' 연작 중 한 작품이며, 붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔한 것이 특징적이다.<|im_end|> | <|im_start|>한만영<|im_end|> | <|im_start|>원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 자신만의 조형언어를 창조했던 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>서울 출생인 한만영(韓萬榮, 1946~)은 홍익대학교 서양화를 졸업하고 건국대학교 대학원에서 미술교육으로 석사학위를 수여받았다. 그는 1970년대에 유행했던 미니멀아트가 아닌 동서양을 아울러 과거 거장들의 명화나 유물의 이미지를 부분적으로 차용하고 오브제를 덧붙임으로써 원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 그만의 새로운 조형언어를 창조했다. 한 화면에 드러나는 부분적으로 차용된 과거의 산물인 이미지와 새롭게 도입된 현재의 산물인 오브제의 엄청난 시공간적 차이는 작품 속에서 하나의 시공간으로 통합된다. 이러한 작업은 1980년대에 들어서 '시간의 복제'라는 연작으로 이어지게 되며, 오브제와 이미지의 공존 혹은 소외와 같은 길항의 관계를 묻는 작업 전략을 취한다. 예술과 일상, 페인팅과 오브제라는 이중적인 코드는 전통과 혁신의 상관관계 속에서 예술관을 펼쳐나가는 한만영의 태도를 엿볼 수 있는 요소이다. 또한 무엇을 그리느냐보다도 어떻게 그리느냐라는 문제에 천착하며 작업을 이어가고 있는 그의 모습을 알 수 있다. 한만영의 <Reproduction of time>(2004)은 1980년대부터 지속해온 '시간의 복제' 연작 중 한 작품이며, 붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔한 것이 특징적이다.<|im_end|> | <|im_start|>Reproduction of time<|im_end|> | <|im_start|>한만영의 작품 제목은?<|im_end|> |
<|im_start|>서울 출생인 한만영(韓萬榮, 1946~)은 홍익대학교 서양화를 졸업하고 건국대학교 대학원에서 미술교육으로 석사학위를 수여받았다. 그는 1970년대에 유행했던 미니멀아트가 아닌 동서양을 아울러 과거 거장들의 명화나 유물의 이미지를 부분적으로 차용하고 오브제를 덧붙임으로써 원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 그만의 새로운 조형언어를 창조했다. 한 화면에 드러나는 부분적으로 차용된 과거의 산물인 이미지와 새롭게 도입된 현재의 산물인 오브제의 엄청난 시공간적 차이는 작품 속에서 하나의 시공간으로 통합된다. 이러한 작업은 1980년대에 들어서 '시간의 복제'라는 연작으로 이어지게 되며, 오브제와 이미지의 공존 혹은 소외와 같은 길항의 관계를 묻는 작업 전략을 취한다. 예술과 일상, 페인팅과 오브제라는 이중적인 코드는 전통과 혁신의 상관관계 속에서 예술관을 펼쳐나가는 한만영의 태도를 엿볼 수 있는 요소이다. 또한 무엇을 그리느냐보다도 어떻게 그리느냐라는 문제에 천착하며 작업을 이어가고 있는 그의 모습을 알 수 있다. 한만영의 <Reproduction of time>(2004)은 1980년대부터 지속해온 '시간의 복제' 연작 중 한 작품이며, 붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔한 것이 특징적이다.<|im_end|> | <|im_start|>붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔<|im_end|> | <|im_start|><Reproduction of time>의 특징은?<|im_end|> |
<|im_start|>서울 출생인 한만영(韓萬榮, 1946~)은 홍익대학교 서양화를 졸업하고 건국대학교 대학원에서 미술교육으로 석사학위를 수여받았다. 그는 1970년대에 유행했던 미니멀아트가 아닌 동서양을 아울러 과거 거장들의 명화나 유물의 이미지를 부분적으로 차용하고 오브제를 덧붙임으로써 원작의 아우라를 제거하고 새로운 의미를 부여하는 그만의 새로운 조형언어를 창조했다. 한 화면에 드러나는 부분적으로 차용된 과거의 산물인 이미지와 새롭게 도입된 현재의 산물인 오브제의 엄청난 시공간적 차이는 작품 속에서 하나의 시공간으로 통합된다. 이러한 작업은 1980년대에 들어서 '시간의 복제'라는 연작으로 이어지게 되며, 오브제와 이미지의 공존 혹은 소외와 같은 길항의 관계를 묻는 작업 전략을 취한다. 예술과 일상, 페인팅과 오브제라는 이중적인 코드는 전통과 혁신의 상관관계 속에서 예술관을 펼쳐나가는 한만영의 태도를 엿볼 수 있는 요소이다. 또한 무엇을 그리느냐보다도 어떻게 그리느냐라는 문제에 천착하며 작업을 이어가고 있는 그의 모습을 알 수 있다. 한만영의 <Reproduction of time>(2004)은 1980년대부터 지속해온 '시간의 복제' 연작 중 한 작품이며, 붓 자국 하나 없이 매끈하고 깔끔한 것이 특징적이다.<|im_end|> | <|im_start|>홍익대학교<|im_end|> | <|im_start|>한만영이 졸업한 대학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>부산에서 태어난 마리 킴(1977~)은 멜버른 RMIT대학에서 멀티미디어를 졸업하고 동 대학원에서 크리에이티브 미디어로 석사학위를 수여받았다. 2007년 한국으로 돌아와 현재 그녀를 유명인으로 만들어준 '아이돌' 연작을 꾸준히 시도하였으나, 한국 정서와 맞지 않는다는 제도권의 이야기를 듣고는 스스로 온라인 홍보에 나섰다. 어느새 네이버 블로그의 메인 상단에 마리 킴의 블로그가 노출되기 시작하였고 그 이후 그녀는 수많은 개인전과 그룹전을 시전하면서 미술 시장에서도 가장 인기 있는 작가로 자리매김하게 된다. 왕눈이 소녀 캐릭터를 담고 있는 '아이돌' 연작은 귀여운 얼굴을 하고 있지만 결코 가볍게 치부할 수만은 없는 작품이다. 예를 들어 마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀들은 태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부라던가 명품 로고가 그려진 혈액 주스를 마시는 철부지 소녀로 표현되는 등 괴기한 모습을 취하고 있다. 현재 그녀는 미술계의 시장에서 화두가 되고 있는 NFT 아트로도 작업을 선보이며 미술계의 흐름에 발맞추고 있다. 마리 킴의 <Alien Transformer>(2010)은 제목에서도 시사하듯이 왕눈이 소녀 캐릭터를 이용하여 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>멜버른 RMIT대학<|im_end|> | <|im_start|>마리 킴이 졸업한 대학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>부산에서 태어난 마리 킴(1977~)은 멜버른 RMIT대학에서 멀티미디어를 졸업하고 동 대학원에서 크리에이티브 미디어로 석사학위를 수여받았다. 2007년 한국으로 돌아와 현재 그녀를 유명인으로 만들어준 '아이돌' 연작을 꾸준히 시도하였으나, 한국 정서와 맞지 않는다는 제도권의 이야기를 듣고는 스스로 온라인 홍보에 나섰다. 어느새 네이버 블로그의 메인 상단에 마리 킴의 블로그가 노출되기 시작하였고 그 이후 그녀는 수많은 개인전과 그룹전을 시전하면서 미술 시장에서도 가장 인기 있는 작가로 자리매김하게 된다. 왕눈이 소녀 캐릭터를 담고 있는 '아이돌' 연작은 귀여운 얼굴을 하고 있지만 결코 가볍게 치부할 수만은 없는 작품이다. 예를 들어 마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀들은 태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부라던가 명품 로고가 그려진 혈액 주스를 마시는 철부지 소녀로 표현되는 등 괴기한 모습을 취하고 있다. 현재 그녀는 미술계의 시장에서 화두가 되고 있는 NFT 아트로도 작업을 선보이며 미술계의 흐름에 발맞추고 있다. 마리 킴의 <Alien Transformer>(2010)은 제목에서도 시사하듯이 왕눈이 소녀 캐릭터를 이용하여 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>왕눈이 소녀<|im_end|> | <|im_start|>'아이돌' 연작에 담긴 캐릭터는?<|im_end|> |
<|im_start|>부산에서 태어난 마리 킴(1977~)은 멜버른 RMIT대학에서 멀티미디어를 졸업하고 동 대학원에서 크리에이티브 미디어로 석사학위를 수여받았다. 2007년 한국으로 돌아와 현재 그녀를 유명인으로 만들어준 '아이돌' 연작을 꾸준히 시도하였으나, 한국 정서와 맞지 않는다는 제도권의 이야기를 듣고는 스스로 온라인 홍보에 나섰다. 어느새 네이버 블로그의 메인 상단에 마리 킴의 블로그가 노출되기 시작하였고 그 이후 그녀는 수많은 개인전과 그룹전을 시전하면서 미술 시장에서도 가장 인기 있는 작가로 자리매김하게 된다. 왕눈이 소녀 캐릭터를 담고 있는 '아이돌' 연작은 귀여운 얼굴을 하고 있지만 결코 가볍게 치부할 수만은 없는 작품이다. 예를 들어 마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀들은 태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부라던가 명품 로고가 그려진 혈액 주스를 마시는 철부지 소녀로 표현되는 등 괴기한 모습을 취하고 있다. 현재 그녀는 미술계의 시장에서 화두가 되고 있는 NFT 아트로도 작업을 선보이며 미술계의 흐름에 발맞추고 있다. 마리 킴의 <Alien Transformer>(2010)은 제목에서도 시사하듯이 왕눈이 소녀 캐릭터를 이용하여 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부<|im_end|> | <|im_start|>마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀가 표현되는 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>부산에서 태어난 마리 킴(1977~)은 멜버른 RMIT대학에서 멀티미디어를 졸업하고 동 대학원에서 크리에이티브 미디어로 석사학위를 수여받았다. 2007년 한국으로 돌아와 현재 그녀를 유명인으로 만들어준 '아이돌' 연작을 꾸준히 시도하였으나, 한국 정서와 맞지 않는다는 제도권의 이야기를 듣고는 스스로 온라인 홍보에 나섰다. 어느새 네이버 블로그의 메인 상단에 마리 킴의 블로그가 노출되기 시작하였고 그 이후 그녀는 수많은 개인전과 그룹전을 시전하면서 미술 시장에서도 가장 인기 있는 작가로 자리매김하게 된다. 왕눈이 소녀 캐릭터를 담고 있는 '아이돌' 연작은 귀여운 얼굴을 하고 있지만 결코 가볍게 치부할 수만은 없는 작품이다. 예를 들어 마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀들은 태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부라던가 명품 로고가 그려진 혈액 주스를 마시는 철부지 소녀로 표현되는 등 괴기한 모습을 취하고 있다. 현재 그녀는 미술계의 시장에서 화두가 되고 있는 NFT 아트로도 작업을 선보이며 미술계의 흐름에 발맞추고 있다. 마리 킴의 <Alien Transformer>(2010)은 제목에서도 시사하듯이 왕눈이 소녀 캐릭터를 이용하여 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>Alien Transformer<|im_end|> | <|im_start|>왕눈이 소녀 캐릭터를 이용해 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현한 작품은?<|im_end|> |
<|im_start|>부산에서 태어난 마리 킴(1977~)은 멜버른 RMIT대학에서 멀티미디어를 졸업하고 동 대학원에서 크리에이티브 미디어로 석사학위를 수여받았다. 2007년 한국으로 돌아와 현재 그녀를 유명인으로 만들어준 '아이돌' 연작을 꾸준히 시도하였으나, 한국 정서와 맞지 않는다는 제도권의 이야기를 듣고는 스스로 온라인 홍보에 나섰다. 어느새 네이버 블로그의 메인 상단에 마리 킴의 블로그가 노출되기 시작하였고 그 이후 그녀는 수많은 개인전과 그룹전을 시전하면서 미술 시장에서도 가장 인기 있는 작가로 자리매김하게 된다. 왕눈이 소녀 캐릭터를 담고 있는 '아이돌' 연작은 귀여운 얼굴을 하고 있지만 결코 가볍게 치부할 수만은 없는 작품이다. 예를 들어 마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀들은 태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부라던가 명품 로고가 그려진 혈액 주스를 마시는 철부지 소녀로 표현되는 등 괴기한 모습을 취하고 있다. 현재 그녀는 미술계의 시장에서 화두가 되고 있는 NFT 아트로도 작업을 선보이며 미술계의 흐름에 발맞추고 있다. 마리 킴의 <Alien Transformer>(2010)은 제목에서도 시사하듯이 왕눈이 소녀 캐릭터를 이용하여 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2007년<|im_end|> | <|im_start|>마리 킴이 한국으로 돌아온 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>부산에서 태어난 마리 킴(1977~)은 멜버른 RMIT대학에서 멀티미디어를 졸업하고 동 대학원에서 크리에이티브 미디어로 석사학위를 수여받았다. 2007년 한국으로 돌아와 현재 그녀를 유명인으로 만들어준 '아이돌' 연작을 꾸준히 시도하였으나, 한국 정서와 맞지 않는다는 제도권의 이야기를 듣고는 스스로 온라인 홍보에 나섰다. 어느새 네이버 블로그의 메인 상단에 마리 킴의 블로그가 노출되기 시작하였고 그 이후 그녀는 수많은 개인전과 그룹전을 시전하면서 미술 시장에서도 가장 인기 있는 작가로 자리매김하게 된다. 왕눈이 소녀 캐릭터를 담고 있는 '아이돌' 연작은 귀여운 얼굴을 하고 있지만 결코 가볍게 치부할 수만은 없는 작품이다. 예를 들어 마리 킴의 작품 속 왕눈이 소녀들은 태아를 쓰다듬는 사이보그 임산부라던가 명품 로고가 그려진 혈액 주스를 마시는 철부지 소녀로 표현되는 등 괴기한 모습을 취하고 있다. 현재 그녀는 미술계의 시장에서 화두가 되고 있는 NFT 아트로도 작업을 선보이며 미술계의 흐름에 발맞추고 있다. 마리 킴의 <Alien Transformer>(2010)은 제목에서도 시사하듯이 왕눈이 소녀 캐릭터를 이용하여 외계인의 외형을 그녀만의 방식으로 표현하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>스스로 온라인 홍보<|im_end|> | <|im_start|>작품이 한국 정서와 맞지 않는다는 이야기를 듣고 마리 킴이 했던 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>하태임(1973~)은 프랑스의 디종 국립미술학교와 파리 국립미술학교를 졸업하고 홍익대학교에서 회화를 전공하여 박사학위를 받았다. 컬러밴드 작가로 불리는 하태임은 한국의 1세대 추상화가인 하인두를 아버지로, 동양화가 류민자를 어머니로 둔 예술가 집안으로 유명하다. 그녀의 주요한 작업 소재로 등장하는 색띠는 유학시절 소통의 문제로 힘들었던 시기에 얻은 깨달음에서 비롯되었다. 초기에는 소통의 개념을 형상화하기 위해 문자와 부호를 그렸으나 진정한 소통은 지식을 전달하는 언어나 문자가 아니라는 것을 깨닫고 난 이후 색띠 형상들이 캔버스에 자리 잡게 된다. 순수한 시각요소로 소통이 가능하다는 개인적인 체험이 담긴 작품 속 수많은 색띠들은 서로 중첩되지만 맑고 화사한 것이 특징이다. 투명한 색채의 물감으로 하나의 색띠를 완성하고 다 마른 이후 또 다른 색띠를 올리는 과정을 반복하며 리듬감 넘치는 조형언어를 펼치고 있다. 하태임의 <통로>(2007)는 그녀가 색띠 작업을 본격적으로 발전시켜나간 시기의 작품 중 하나이다. 2007년 당시 한국에서는 하이퍼리얼리즘이 주름잡았으나 하태임은 화단의 흐름과는 상관없이 색띠에 지속적으로 집중하며 추상 작업을 꾸준히 발전시켜나갔다.<|im_end|> | <|im_start|>하인두<|im_end|> | <|im_start|>한국의 1세대 추상화가이자 하태임의 아버지는?<|im_end|> |
<|im_start|>하태임(1973~)은 프랑스의 디종 국립미술학교와 파리 국립미술학교를 졸업하고 홍익대학교에서 회화를 전공하여 박사학위를 받았다. 컬러밴드 작가로 불리는 하태임은 한국의 1세대 추상화가인 하인두를 아버지로, 동양화가 류민자를 어머니로 둔 예술가 집안으로 유명하다. 그녀의 주요한 작업 소재로 등장하는 색띠는 유학시절 소통의 문제로 힘들었던 시기에 얻은 깨달음에서 비롯되었다. 초기에는 소통의 개념을 형상화하기 위해 문자와 부호를 그렸으나 진정한 소통은 지식을 전달하는 언어나 문자가 아니라는 것을 깨닫고 난 이후 색띠 형상들이 캔버스에 자리 잡게 된다. 순수한 시각요소로 소통이 가능하다는 개인적인 체험이 담긴 작품 속 수많은 색띠들은 서로 중첩되지만 맑고 화사한 것이 특징이다. 투명한 색채의 물감으로 하나의 색띠를 완성하고 다 마른 이후 또 다른 색띠를 올리는 과정을 반복하며 리듬감 넘치는 조형언어를 펼치고 있다. 하태임의 <통로>(2007)는 그녀가 색띠 작업을 본격적으로 발전시켜나간 시기의 작품 중 하나이다. 2007년 당시 한국에서는 하이퍼리얼리즘이 주름잡았으나 하태임은 화단의 흐름과는 상관없이 색띠에 지속적으로 집중하며 추상 작업을 꾸준히 발전시켜나갔다.<|im_end|> | <|im_start|>색띠<|im_end|> | <|im_start|>하태임의 작업 소재는?<|im_end|> |
<|im_start|>하태임(1973~)은 프랑스의 디종 국립미술학교와 파리 국립미술학교를 졸업하고 홍익대학교에서 회화를 전공하여 박사학위를 받았다. 컬러밴드 작가로 불리는 하태임은 한국의 1세대 추상화가인 하인두를 아버지로, 동양화가 류민자를 어머니로 둔 예술가 집안으로 유명하다. 그녀의 주요한 작업 소재로 등장하는 색띠는 유학시절 소통의 문제로 힘들었던 시기에 얻은 깨달음에서 비롯되었다. 초기에는 소통의 개념을 형상화하기 위해 문자와 부호를 그렸으나 진정한 소통은 지식을 전달하는 언어나 문자가 아니라는 것을 깨닫고 난 이후 색띠 형상들이 캔버스에 자리 잡게 된다. 순수한 시각요소로 소통이 가능하다는 개인적인 체험이 담긴 작품 속 수많은 색띠들은 서로 중첩되지만 맑고 화사한 것이 특징이다. 투명한 색채의 물감으로 하나의 색띠를 완성하고 다 마른 이후 또 다른 색띠를 올리는 과정을 반복하며 리듬감 넘치는 조형언어를 펼치고 있다. 하태임의 <통로>(2007)는 그녀가 색띠 작업을 본격적으로 발전시켜나간 시기의 작품 중 하나이다. 2007년 당시 한국에서는 하이퍼리얼리즘이 주름잡았으나 하태임은 화단의 흐름과는 상관없이 색띠에 지속적으로 집중하며 추상 작업을 꾸준히 발전시켜나갔다.<|im_end|> | <|im_start|>홍익대학교<|im_end|> | <|im_start|>하태임이 박사학위를 받은 학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>하태임(1973~)은 프랑스의 디종 국립미술학교와 파리 국립미술학교를 졸업하고 홍익대학교에서 회화를 전공하여 박사학위를 받았다. 컬러밴드 작가로 불리는 하태임은 한국의 1세대 추상화가인 하인두를 아버지로, 동양화가 류민자를 어머니로 둔 예술가 집안으로 유명하다. 그녀의 주요한 작업 소재로 등장하는 색띠는 유학시절 소통의 문제로 힘들었던 시기에 얻은 깨달음에서 비롯되었다. 초기에는 소통의 개념을 형상화하기 위해 문자와 부호를 그렸으나 진정한 소통은 지식을 전달하는 언어나 문자가 아니라는 것을 깨닫고 난 이후 색띠 형상들이 캔버스에 자리 잡게 된다. 순수한 시각요소로 소통이 가능하다는 개인적인 체험이 담긴 작품 속 수많은 색띠들은 서로 중첩되지만 맑고 화사한 것이 특징이다. 투명한 색채의 물감으로 하나의 색띠를 완성하고 다 마른 이후 또 다른 색띠를 올리는 과정을 반복하며 리듬감 넘치는 조형언어를 펼치고 있다. 하태임의 <통로>(2007)는 그녀가 색띠 작업을 본격적으로 발전시켜나간 시기의 작품 중 하나이다. 2007년 당시 한국에서는 하이퍼리얼리즘이 주름잡았으나 하태임은 화단의 흐름과는 상관없이 색띠에 지속적으로 집중하며 추상 작업을 꾸준히 발전시켜나갔다.<|im_end|> | <|im_start|>2007<|im_end|> | <|im_start|>하태임의 <통로> 제작 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|>하태임(1973~)은 프랑스의 디종 국립미술학교와 파리 국립미술학교를 졸업하고 홍익대학교에서 회화를 전공하여 박사학위를 받았다. 컬러밴드 작가로 불리는 하태임은 한국의 1세대 추상화가인 하인두를 아버지로, 동양화가 류민자를 어머니로 둔 예술가 집안으로 유명하다. 그녀의 주요한 작업 소재로 등장하는 색띠는 유학시절 소통의 문제로 힘들었던 시기에 얻은 깨달음에서 비롯되었다. 초기에는 소통의 개념을 형상화하기 위해 문자와 부호를 그렸으나 진정한 소통은 지식을 전달하는 언어나 문자가 아니라는 것을 깨닫고 난 이후 색띠 형상들이 캔버스에 자리 잡게 된다. 순수한 시각요소로 소통이 가능하다는 개인적인 체험이 담긴 작품 속 수많은 색띠들은 서로 중첩되지만 맑고 화사한 것이 특징이다. 투명한 색채의 물감으로 하나의 색띠를 완성하고 다 마른 이후 또 다른 색띠를 올리는 과정을 반복하며 리듬감 넘치는 조형언어를 펼치고 있다. 하태임의 <통로>(2007)는 그녀가 색띠 작업을 본격적으로 발전시켜나간 시기의 작품 중 하나이다. 2007년 당시 한국에서는 하이퍼리얼리즘이 주름잡았으나 하태임은 화단의 흐름과는 상관없이 색띠에 지속적으로 집중하며 추상 작업을 꾸준히 발전시켜나갔다.<|im_end|> | <|im_start|>하이퍼리얼리즘<|im_end|> | <|im_start|>2007년 당시 한국을 주름잡던 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>하태임(1973~)은 프랑스의 디종 국립미술학교와 파리 국립미술학교를 졸업하고 홍익대학교에서 회화를 전공하여 박사학위를 받았다. 컬러밴드 작가로 불리는 하태임은 한국의 1세대 추상화가인 하인두를 아버지로, 동양화가 류민자를 어머니로 둔 예술가 집안으로 유명하다. 그녀의 주요한 작업 소재로 등장하는 색띠는 유학시절 소통의 문제로 힘들었던 시기에 얻은 깨달음에서 비롯되었다. 초기에는 소통의 개념을 형상화하기 위해 문자와 부호를 그렸으나 진정한 소통은 지식을 전달하는 언어나 문자가 아니라는 것을 깨닫고 난 이후 색띠 형상들이 캔버스에 자리 잡게 된다. 순수한 시각요소로 소통이 가능하다는 개인적인 체험이 담긴 작품 속 수많은 색띠들은 서로 중첩되지만 맑고 화사한 것이 특징이다. 투명한 색채의 물감으로 하나의 색띠를 완성하고 다 마른 이후 또 다른 색띠를 올리는 과정을 반복하며 리듬감 넘치는 조형언어를 펼치고 있다. 하태임의 <통로>(2007)는 그녀가 색띠 작업을 본격적으로 발전시켜나간 시기의 작품 중 하나이다. 2007년 당시 한국에서는 하이퍼리얼리즘이 주름잡았으나 하태임은 화단의 흐름과는 상관없이 색띠에 지속적으로 집중하며 추상 작업을 꾸준히 발전시켜나갔다.<|im_end|> | <|im_start|>하태임<|im_end|> | <|im_start|>컬러밴드 작가로 불리는 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 이상원(李尙遠, 1978~)은 홍익대학교 회화과 석사를 졸업했다. 중학교 시절 서울로 상경한 그의 눈에 가장 먼저 들어온 것은 시골에서는 볼 수 없었던 도시의 북적거리는 수많은 인파였다. 특히 대학시절 근처에 있던 한강시민공원을 성산대교에서 내려다볼 때면 야외수영장에서 물놀이를 하는 인파들이 넘쳐났다. 수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘은 작가에게 작업의 모티프가 되었고, 광활한 풍경을 그리기 위해 200호 이상이 되는 커다란 캔버스를 선택하는가 하면, 조감도법 혹은 파노라마 시점으로 작업을 하였다. 작업 초기에는 수많은 인파 속의 개개인의 특성에 대한 묘사를 놓치지 않았다. 가족, 연인, 친구들과 행복한 시간을 담고자 하는 개인들이 여가 자소에 모여 군중을 이루지만, 군중이 형성되는 장소가 획일화되면서 결국 특별한 장소가 다시 일상적인 장소로 변해버린다는 이야기를 함께 담고 있다. 이상원의 <The Red>(2012)는 이전에 사람들이 모여 휴식을 즐기는 공간을 그린 작업들과는 달리, 패턴화 되버린 모습들을 색으로 부각시켜 더이상 공간이 확연히 드러나지도 않으며 개개인의 모습도 구분하기 힘들다. 자유와 독립을 부르짖으면서도 집단의 일원으로서의 위치가 가져다주는 소속감에서 안정감을 느끼는 이중적인 인간의 심리를 묘사하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>한강시민공원<|im_end|> | <|im_start|>대학시절 이상원이 성산대교에서 내려다본 곳은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 이상원(李尙遠, 1978~)은 홍익대학교 회화과 석사를 졸업했다. 중학교 시절 서울로 상경한 그의 눈에 가장 먼저 들어온 것은 시골에서는 볼 수 없었던 도시의 북적거리는 수많은 인파였다. 특히 대학시절 근처에 있던 한강시민공원을 성산대교에서 내려다볼 때면 야외수영장에서 물놀이를 하는 인파들이 넘쳐났다. 수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘은 작가에게 작업의 모티프가 되었고, 광활한 풍경을 그리기 위해 200호 이상이 되는 커다란 캔버스를 선택하는가 하면, 조감도법 혹은 파노라마 시점으로 작업을 하였다. 작업 초기에는 수많은 인파 속의 개개인의 특성에 대한 묘사를 놓치지 않았다. 가족, 연인, 친구들과 행복한 시간을 담고자 하는 개인들이 여가 자소에 모여 군중을 이루지만, 군중이 형성되는 장소가 획일화되면서 결국 특별한 장소가 다시 일상적인 장소로 변해버린다는 이야기를 함께 담고 있다. 이상원의 <The Red>(2012)는 이전에 사람들이 모여 휴식을 즐기는 공간을 그린 작업들과는 달리, 패턴화 되버린 모습들을 색으로 부각시켜 더이상 공간이 확연히 드러나지도 않으며 개개인의 모습도 구분하기 힘들다. 자유와 독립을 부르짖으면서도 집단의 일원으로서의 위치가 가져다주는 소속감에서 안정감을 느끼는 이중적인 인간의 심리를 묘사하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>충남 청양<|im_end|> | <|im_start|>이상원의 출생지는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 이상원(李尙遠, 1978~)은 홍익대학교 회화과 석사를 졸업했다. 중학교 시절 서울로 상경한 그의 눈에 가장 먼저 들어온 것은 시골에서는 볼 수 없었던 도시의 북적거리는 수많은 인파였다. 특히 대학시절 근처에 있던 한강시민공원을 성산대교에서 내려다볼 때면 야외수영장에서 물놀이를 하는 인파들이 넘쳐났다. 수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘은 작가에게 작업의 모티프가 되었고, 광활한 풍경을 그리기 위해 200호 이상이 되는 커다란 캔버스를 선택하는가 하면, 조감도법 혹은 파노라마 시점으로 작업을 하였다. 작업 초기에는 수많은 인파 속의 개개인의 특성에 대한 묘사를 놓치지 않았다. 가족, 연인, 친구들과 행복한 시간을 담고자 하는 개인들이 여가 자소에 모여 군중을 이루지만, 군중이 형성되는 장소가 획일화되면서 결국 특별한 장소가 다시 일상적인 장소로 변해버린다는 이야기를 함께 담고 있다. 이상원의 <The Red>(2012)는 이전에 사람들이 모여 휴식을 즐기는 공간을 그린 작업들과는 달리, 패턴화 되버린 모습들을 색으로 부각시켜 더이상 공간이 확연히 드러나지도 않으며 개개인의 모습도 구분하기 힘들다. 자유와 독립을 부르짖으면서도 집단의 일원으로서의 위치가 가져다주는 소속감에서 안정감을 느끼는 이중적인 인간의 심리를 묘사하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>200호 이상이 되는 커다란 캔버스<|im_end|> | <|im_start|>광활한 풍경을 그리기 위해 작가가 선택한 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 이상원(李尙遠, 1978~)은 홍익대학교 회화과 석사를 졸업했다. 중학교 시절 서울로 상경한 그의 눈에 가장 먼저 들어온 것은 시골에서는 볼 수 없었던 도시의 북적거리는 수많은 인파였다. 특히 대학시절 근처에 있던 한강시민공원을 성산대교에서 내려다볼 때면 야외수영장에서 물놀이를 하는 인파들이 넘쳐났다. 수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘은 작가에게 작업의 모티프가 되었고, 광활한 풍경을 그리기 위해 200호 이상이 되는 커다란 캔버스를 선택하는가 하면, 조감도법 혹은 파노라마 시점으로 작업을 하였다. 작업 초기에는 수많은 인파 속의 개개인의 특성에 대한 묘사를 놓치지 않았다. 가족, 연인, 친구들과 행복한 시간을 담고자 하는 개인들이 여가 자소에 모여 군중을 이루지만, 군중이 형성되는 장소가 획일화되면서 결국 특별한 장소가 다시 일상적인 장소로 변해버린다는 이야기를 함께 담고 있다. 이상원의 <The Red>(2012)는 이전에 사람들이 모여 휴식을 즐기는 공간을 그린 작업들과는 달리, 패턴화 되버린 모습들을 색으로 부각시켜 더이상 공간이 확연히 드러나지도 않으며 개개인의 모습도 구분하기 힘들다. 자유와 독립을 부르짖으면서도 집단의 일원으로서의 위치가 가져다주는 소속감에서 안정감을 느끼는 이중적인 인간의 심리를 묘사하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2012<|im_end|> | <|im_start|>이상원의 <The Red> 제작 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 이상원(李尙遠, 1978~)은 홍익대학교 회화과 석사를 졸업했다. 중학교 시절 서울로 상경한 그의 눈에 가장 먼저 들어온 것은 시골에서는 볼 수 없었던 도시의 북적거리는 수많은 인파였다. 특히 대학시절 근처에 있던 한강시민공원을 성산대교에서 내려다볼 때면 야외수영장에서 물놀이를 하는 인파들이 넘쳐났다. 수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘은 작가에게 작업의 모티프가 되었고, 광활한 풍경을 그리기 위해 200호 이상이 되는 커다란 캔버스를 선택하는가 하면, 조감도법 혹은 파노라마 시점으로 작업을 하였다. 작업 초기에는 수많은 인파 속의 개개인의 특성에 대한 묘사를 놓치지 않았다. 가족, 연인, 친구들과 행복한 시간을 담고자 하는 개인들이 여가 자소에 모여 군중을 이루지만, 군중이 형성되는 장소가 획일화되면서 결국 특별한 장소가 다시 일상적인 장소로 변해버린다는 이야기를 함께 담고 있다. 이상원의 <The Red>(2012)는 이전에 사람들이 모여 휴식을 즐기는 공간을 그린 작업들과는 달리, 패턴화 되버린 모습들을 색으로 부각시켜 더이상 공간이 확연히 드러나지도 않으며 개개인의 모습도 구분하기 힘들다. 자유와 독립을 부르짖으면서도 집단의 일원으로서의 위치가 가져다주는 소속감에서 안정감을 느끼는 이중적인 인간의 심리를 묘사하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>이상원<|im_end|> | <|im_start|>수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘이 작업의 모티프가 되었다는 작가는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 이상원(李尙遠, 1978~)은 홍익대학교 회화과 석사를 졸업했다. 중학교 시절 서울로 상경한 그의 눈에 가장 먼저 들어온 것은 시골에서는 볼 수 없었던 도시의 북적거리는 수많은 인파였다. 특히 대학시절 근처에 있던 한강시민공원을 성산대교에서 내려다볼 때면 야외수영장에서 물놀이를 하는 인파들이 넘쳐났다. 수많은 인파가 몰린 그 자체에서 느껴지는 힘은 작가에게 작업의 모티프가 되었고, 광활한 풍경을 그리기 위해 200호 이상이 되는 커다란 캔버스를 선택하는가 하면, 조감도법 혹은 파노라마 시점으로 작업을 하였다. 작업 초기에는 수많은 인파 속의 개개인의 특성에 대한 묘사를 놓치지 않았다. 가족, 연인, 친구들과 행복한 시간을 담고자 하는 개인들이 여가 자소에 모여 군중을 이루지만, 군중이 형성되는 장소가 획일화되면서 결국 특별한 장소가 다시 일상적인 장소로 변해버린다는 이야기를 함께 담고 있다. 이상원의 <The Red>(2012)는 이전에 사람들이 모여 휴식을 즐기는 공간을 그린 작업들과는 달리, 패턴화 되버린 모습들을 색으로 부각시켜 더이상 공간이 확연히 드러나지도 않으며 개개인의 모습도 구분하기 힘들다. 자유와 독립을 부르짖으면서도 집단의 일원으로서의 위치가 가져다주는 소속감에서 안정감을 느끼는 이중적인 인간의 심리를 묘사하고 있다.<|im_end|> | <|im_start|>이중적인 인간의 심리<|im_end|> | <|im_start|>작품을 통해 작가가 묘사하고 있는 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>광주 출생인 신문용(愼文鏞, 1948~)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 그는 자연 중에서도 바다를 소재로 젊은 시절부터 줄곧 작업을 이어왔다. 그가 한 화면 안에 만들어내는 바다는 단색조로 이루어지는 것이 특징인데, 미국의 럭거스대학에 교환교수를 다녀오면서 여러 색을 섞어 쓰지 않아도 주제를 명확하게 드러낼 수 있는 표현 방식을 찾으면서 일어난 변화였다. 전통적인 소재와 단색으로 인해 자칫 단조로워 보일 수도 있는 화면을 색면과 구도의 독창적인 해석을 통해 현대적인 미감으로 창조해냈다. 신문용은 사실적이지 않지만 누가 보아도 바다임을 알 수 있도록 화면을 만들어내는데, 이는 자연을 그리지만 현상적인 묘사가 아닌 자연의 의상에 중점을 두고 있기 때문에 가능한 일이다. 신문용의 바다는 자연의 흔적은 남아있지만 실제 자연과는 다른, 하나의 표면으로서 회화적 실제로 자리하게 되는 것이다. 그래서 그의 회화는 구상적이면서도 추상적인, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있다. 신문용의 <무제-2010>(2010)은 평생 동안 바다를 연구해온 그의 작업 결과물로, 선명한 원색의 단색조가 눈에 띈다. 그에게 바다는 단순히 자연 그 자체라기보다는 세계를 이해하는 통로이자, 우리 마음속에 품고 있을 만한 희망에 대한 메시지이다.<|im_end|> | <|im_start|>럭거스대학<|im_end|> | <|im_start|>신문용이 교환교수를 다녀온 학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>광주 출생인 신문용(愼文鏞, 1948~)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 그는 자연 중에서도 바다를 소재로 젊은 시절부터 줄곧 작업을 이어왔다. 그가 한 화면 안에 만들어내는 바다는 단색조로 이루어지는 것이 특징인데, 미국의 럭거스대학에 교환교수를 다녀오면서 여러 색을 섞어 쓰지 않아도 주제를 명확하게 드러낼 수 있는 표현 방식을 찾으면서 일어난 변화였다. 전통적인 소재와 단색으로 인해 자칫 단조로워 보일 수도 있는 화면을 색면과 구도의 독창적인 해석을 통해 현대적인 미감으로 창조해냈다. 신문용은 사실적이지 않지만 누가 보아도 바다임을 알 수 있도록 화면을 만들어내는데, 이는 자연을 그리지만 현상적인 묘사가 아닌 자연의 의상에 중점을 두고 있기 때문에 가능한 일이다. 신문용의 바다는 자연의 흔적은 남아있지만 실제 자연과는 다른, 하나의 표면으로서 회화적 실제로 자리하게 되는 것이다. 그래서 그의 회화는 구상적이면서도 추상적인, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있다. 신문용의 <무제-2010>(2010)은 평생 동안 바다를 연구해온 그의 작업 결과물로, 선명한 원색의 단색조가 눈에 띈다. 그에게 바다는 단순히 자연 그 자체라기보다는 세계를 이해하는 통로이자, 우리 마음속에 품고 있을 만한 희망에 대한 메시지이다.<|im_end|> | <|im_start|>무제-2010<|im_end|> | <|im_start|>평생 동안 바다를 연구해온 신문용의 작업 결과물은?<|im_end|> |
<|im_start|>광주 출생인 신문용(愼文鏞, 1948~)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 그는 자연 중에서도 바다를 소재로 젊은 시절부터 줄곧 작업을 이어왔다. 그가 한 화면 안에 만들어내는 바다는 단색조로 이루어지는 것이 특징인데, 미국의 럭거스대학에 교환교수를 다녀오면서 여러 색을 섞어 쓰지 않아도 주제를 명확하게 드러낼 수 있는 표현 방식을 찾으면서 일어난 변화였다. 전통적인 소재와 단색으로 인해 자칫 단조로워 보일 수도 있는 화면을 색면과 구도의 독창적인 해석을 통해 현대적인 미감으로 창조해냈다. 신문용은 사실적이지 않지만 누가 보아도 바다임을 알 수 있도록 화면을 만들어내는데, 이는 자연을 그리지만 현상적인 묘사가 아닌 자연의 의상에 중점을 두고 있기 때문에 가능한 일이다. 신문용의 바다는 자연의 흔적은 남아있지만 실제 자연과는 다른, 하나의 표면으로서 회화적 실제로 자리하게 되는 것이다. 그래서 그의 회화는 구상적이면서도 추상적인, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있다. 신문용의 <무제-2010>(2010)은 평생 동안 바다를 연구해온 그의 작업 결과물로, 선명한 원색의 단색조가 눈에 띈다. 그에게 바다는 단순히 자연 그 자체라기보다는 세계를 이해하는 통로이자, 우리 마음속에 품고 있을 만한 희망에 대한 메시지이다.<|im_end|> | <|im_start|>신문용<|im_end|> | <|im_start|>구상적이면서도 추상적인 회화를 보여주고, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있는 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>광주 출생인 신문용(愼文鏞, 1948~)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 그는 자연 중에서도 바다를 소재로 젊은 시절부터 줄곧 작업을 이어왔다. 그가 한 화면 안에 만들어내는 바다는 단색조로 이루어지는 것이 특징인데, 미국의 럭거스대학에 교환교수를 다녀오면서 여러 색을 섞어 쓰지 않아도 주제를 명확하게 드러낼 수 있는 표현 방식을 찾으면서 일어난 변화였다. 전통적인 소재와 단색으로 인해 자칫 단조로워 보일 수도 있는 화면을 색면과 구도의 독창적인 해석을 통해 현대적인 미감으로 창조해냈다. 신문용은 사실적이지 않지만 누가 보아도 바다임을 알 수 있도록 화면을 만들어내는데, 이는 자연을 그리지만 현상적인 묘사가 아닌 자연의 의상에 중점을 두고 있기 때문에 가능한 일이다. 신문용의 바다는 자연의 흔적은 남아있지만 실제 자연과는 다른, 하나의 표면으로서 회화적 실제로 자리하게 되는 것이다. 그래서 그의 회화는 구상적이면서도 추상적인, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있다. 신문용의 <무제-2010>(2010)은 평생 동안 바다를 연구해온 그의 작업 결과물로, 선명한 원색의 단색조가 눈에 띈다. 그에게 바다는 단순히 자연 그 자체라기보다는 세계를 이해하는 통로이자, 우리 마음속에 품고 있을 만한 희망에 대한 메시지이다.<|im_end|> | <|im_start|>광주<|im_end|> | <|im_start|>신문용의 출생지는?<|im_end|> |
<|im_start|>광주 출생인 신문용(愼文鏞, 1948~)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 그는 자연 중에서도 바다를 소재로 젊은 시절부터 줄곧 작업을 이어왔다. 그가 한 화면 안에 만들어내는 바다는 단색조로 이루어지는 것이 특징인데, 미국의 럭거스대학에 교환교수를 다녀오면서 여러 색을 섞어 쓰지 않아도 주제를 명확하게 드러낼 수 있는 표현 방식을 찾으면서 일어난 변화였다. 전통적인 소재와 단색으로 인해 자칫 단조로워 보일 수도 있는 화면을 색면과 구도의 독창적인 해석을 통해 현대적인 미감으로 창조해냈다. 신문용은 사실적이지 않지만 누가 보아도 바다임을 알 수 있도록 화면을 만들어내는데, 이는 자연을 그리지만 현상적인 묘사가 아닌 자연의 의상에 중점을 두고 있기 때문에 가능한 일이다. 신문용의 바다는 자연의 흔적은 남아있지만 실제 자연과는 다른, 하나의 표면으로서 회화적 실제로 자리하게 되는 것이다. 그래서 그의 회화는 구상적이면서도 추상적인, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있다. 신문용의 <무제-2010>(2010)은 평생 동안 바다를 연구해온 그의 작업 결과물로, 선명한 원색의 단색조가 눈에 띈다. 그에게 바다는 단순히 자연 그 자체라기보다는 세계를 이해하는 통로이자, 우리 마음속에 품고 있을 만한 희망에 대한 메시지이다.<|im_end|> | <|im_start|>2010<|im_end|> | <|im_start|>신문용의 <무제-2010>이 제작된 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|>광주 출생인 신문용(愼文鏞, 1948~)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업했다. 그는 자연 중에서도 바다를 소재로 젊은 시절부터 줄곧 작업을 이어왔다. 그가 한 화면 안에 만들어내는 바다는 단색조로 이루어지는 것이 특징인데, 미국의 럭거스대학에 교환교수를 다녀오면서 여러 색을 섞어 쓰지 않아도 주제를 명확하게 드러낼 수 있는 표현 방식을 찾으면서 일어난 변화였다. 전통적인 소재와 단색으로 인해 자칫 단조로워 보일 수도 있는 화면을 색면과 구도의 독창적인 해석을 통해 현대적인 미감으로 창조해냈다. 신문용은 사실적이지 않지만 누가 보아도 바다임을 알 수 있도록 화면을 만들어내는데, 이는 자연을 그리지만 현상적인 묘사가 아닌 자연의 의상에 중점을 두고 있기 때문에 가능한 일이다. 신문용의 바다는 자연의 흔적은 남아있지만 실제 자연과는 다른, 하나의 표면으로서 회화적 실제로 자리하게 되는 것이다. 그래서 그의 회화는 구상적이면서도 추상적인, 미술계에서 특이한 위치를 점하고 있다. 신문용의 <무제-2010>(2010)은 평생 동안 바다를 연구해온 그의 작업 결과물로, 선명한 원색의 단색조가 눈에 띈다. 그에게 바다는 단순히 자연 그 자체라기보다는 세계를 이해하는 통로이자, 우리 마음속에 품고 있을 만한 희망에 대한 메시지이다.<|im_end|> | <|im_start|>단색조로 이루어지는 것이 특징<|im_end|> | <|im_start|>신문용의 작품 속 바다의 특징은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 영주 출생인 이두식(1947~2013)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고 일본 교토조형예술대학에서 명예박사 학위를 수여받았다. 그는 1960년대 말 미술계에 본격적으로 가담하여 40년간 작업 활동을 지속하면서 한국 추상미술의 거장으로 거듭났다. 이두식의 작업은 표현 방식의 변화에 따라 크게 제1기, 제2기, 제3기로 나눌 수 있으며, 화려한 오방색의 붓질로 원초적인 에너지와 본능을 표출하는데 중점을 둔다. 제2기에서는 '생의 기원' 연작으로, 제3기에서는 '축제', '잔칫날' 연작을 선보이며, 기운생동과 생성이라는 주제를 지속적으로 표출하였다. 그가 가진 주제 의식은 동양사상의 영향으로, '뜻'이 필력을 통해 '형'으로 생성된다고 보는 문인화의 전통에 기인한다. 이두식은 난해할 수 있는 추상 미술에 오방색이라는 동양적인 색채와 주제의식으로 풀어가며 독창적인 조형세계를 확립했다는 평가를 받고 있다. 이두식의 <잔칫날>(2008)은 후기에 그가 즐겨 그렸던 주제로, 잔칫날이 되면 이웃과 함께 흥겨움을 나누는 모습을 밝은 원색의 긍정적이 에너지로 표현하였다. 동일한 기운생동이라는 주제의식을 가지고 있는 '축제' 연작이 즉흥적인 표현성을 지닌 반면, '잔칫날' 연작에서는 안정적인 구조를 확인할 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>40년<|im_end|> | <|im_start|>1960년대 말 이두식이 미술계에 본격적으로 가담하면서부터 작업을 지속해온 기간은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 영주 출생인 이두식(1947~2013)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고 일본 교토조형예술대학에서 명예박사 학위를 수여받았다. 그는 1960년대 말 미술계에 본격적으로 가담하여 40년간 작업 활동을 지속하면서 한국 추상미술의 거장으로 거듭났다. 이두식의 작업은 표현 방식의 변화에 따라 크게 제1기, 제2기, 제3기로 나눌 수 있으며, 화려한 오방색의 붓질로 원초적인 에너지와 본능을 표출하는데 중점을 둔다. 제2기에서는 '생의 기원' 연작으로, 제3기에서는 '축제', '잔칫날' 연작을 선보이며, 기운생동과 생성이라는 주제를 지속적으로 표출하였다. 그가 가진 주제 의식은 동양사상의 영향으로, '뜻'이 필력을 통해 '형'으로 생성된다고 보는 문인화의 전통에 기인한다. 이두식은 난해할 수 있는 추상 미술에 오방색이라는 동양적인 색채와 주제의식으로 풀어가며 독창적인 조형세계를 확립했다는 평가를 받고 있다. 이두식의 <잔칫날>(2008)은 후기에 그가 즐겨 그렸던 주제로, 잔칫날이 되면 이웃과 함께 흥겨움을 나누는 모습을 밝은 원색의 긍정적이 에너지로 표현하였다. 동일한 기운생동이라는 주제의식을 가지고 있는 '축제' 연작이 즉흥적인 표현성을 지닌 반면, '잔칫날' 연작에서는 안정적인 구조를 확인할 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>일본 교토조형예술대학<|im_end|> | <|im_start|>이두식이 명예박사 학위를 받은 학교는?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 영주 출생인 이두식(1947~2013)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고 일본 교토조형예술대학에서 명예박사 학위를 수여받았다. 그는 1960년대 말 미술계에 본격적으로 가담하여 40년간 작업 활동을 지속하면서 한국 추상미술의 거장으로 거듭났다. 이두식의 작업은 표현 방식의 변화에 따라 크게 제1기, 제2기, 제3기로 나눌 수 있으며, 화려한 오방색의 붓질로 원초적인 에너지와 본능을 표출하는데 중점을 둔다. 제2기에서는 '생의 기원' 연작으로, 제3기에서는 '축제', '잔칫날' 연작을 선보이며, 기운생동과 생성이라는 주제를 지속적으로 표출하였다. 그가 가진 주제 의식은 동양사상의 영향으로, '뜻'이 필력을 통해 '형'으로 생성된다고 보는 문인화의 전통에 기인한다. 이두식은 난해할 수 있는 추상 미술에 오방색이라는 동양적인 색채와 주제의식으로 풀어가며 독창적인 조형세계를 확립했다는 평가를 받고 있다. 이두식의 <잔칫날>(2008)은 후기에 그가 즐겨 그렸던 주제로, 잔칫날이 되면 이웃과 함께 흥겨움을 나누는 모습을 밝은 원색의 긍정적이 에너지로 표현하였다. 동일한 기운생동이라는 주제의식을 가지고 있는 '축제' 연작이 즉흥적인 표현성을 지닌 반면, '잔칫날' 연작에서는 안정적인 구조를 확인할 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>이두식<|im_end|> | <|im_start|>한국 추상미술의 거장인 인물은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 영주 출생인 이두식(1947~2013)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고 일본 교토조형예술대학에서 명예박사 학위를 수여받았다. 그는 1960년대 말 미술계에 본격적으로 가담하여 40년간 작업 활동을 지속하면서 한국 추상미술의 거장으로 거듭났다. 이두식의 작업은 표현 방식의 변화에 따라 크게 제1기, 제2기, 제3기로 나눌 수 있으며, 화려한 오방색의 붓질로 원초적인 에너지와 본능을 표출하는데 중점을 둔다. 제2기에서는 '생의 기원' 연작으로, 제3기에서는 '축제', '잔칫날' 연작을 선보이며, 기운생동과 생성이라는 주제를 지속적으로 표출하였다. 그가 가진 주제 의식은 동양사상의 영향으로, '뜻'이 필력을 통해 '형'으로 생성된다고 보는 문인화의 전통에 기인한다. 이두식은 난해할 수 있는 추상 미술에 오방색이라는 동양적인 색채와 주제의식으로 풀어가며 독창적인 조형세계를 확립했다는 평가를 받고 있다. 이두식의 <잔칫날>(2008)은 후기에 그가 즐겨 그렸던 주제로, 잔칫날이 되면 이웃과 함께 흥겨움을 나누는 모습을 밝은 원색의 긍정적이 에너지로 표현하였다. 동일한 기운생동이라는 주제의식을 가지고 있는 '축제' 연작이 즉흥적인 표현성을 지닌 반면, '잔칫날' 연작에서는 안정적인 구조를 확인할 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>2008<|im_end|> | <|im_start|>이두식이 <잔칫날>을 제작한 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 영주 출생인 이두식(1947~2013)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고 일본 교토조형예술대학에서 명예박사 학위를 수여받았다. 그는 1960년대 말 미술계에 본격적으로 가담하여 40년간 작업 활동을 지속하면서 한국 추상미술의 거장으로 거듭났다. 이두식의 작업은 표현 방식의 변화에 따라 크게 제1기, 제2기, 제3기로 나눌 수 있으며, 화려한 오방색의 붓질로 원초적인 에너지와 본능을 표출하는데 중점을 둔다. 제2기에서는 '생의 기원' 연작으로, 제3기에서는 '축제', '잔칫날' 연작을 선보이며, 기운생동과 생성이라는 주제를 지속적으로 표출하였다. 그가 가진 주제 의식은 동양사상의 영향으로, '뜻'이 필력을 통해 '형'으로 생성된다고 보는 문인화의 전통에 기인한다. 이두식은 난해할 수 있는 추상 미술에 오방색이라는 동양적인 색채와 주제의식으로 풀어가며 독창적인 조형세계를 확립했다는 평가를 받고 있다. 이두식의 <잔칫날>(2008)은 후기에 그가 즐겨 그렸던 주제로, 잔칫날이 되면 이웃과 함께 흥겨움을 나누는 모습을 밝은 원색의 긍정적이 에너지로 표현하였다. 동일한 기운생동이라는 주제의식을 가지고 있는 '축제' 연작이 즉흥적인 표현성을 지닌 반면, '잔칫날' 연작에서는 안정적인 구조를 확인할 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>'축제', '잔칫날'<|im_end|> | <|im_start|>제3기에서 이두식이 선보인 연작은?<|im_end|> |
<|im_start|>경북 영주 출생인 이두식(1947~2013)은 홍익대학교와 동 대학원에서 회화과를 졸업하고 일본 교토조형예술대학에서 명예박사 학위를 수여받았다. 그는 1960년대 말 미술계에 본격적으로 가담하여 40년간 작업 활동을 지속하면서 한국 추상미술의 거장으로 거듭났다. 이두식의 작업은 표현 방식의 변화에 따라 크게 제1기, 제2기, 제3기로 나눌 수 있으며, 화려한 오방색의 붓질로 원초적인 에너지와 본능을 표출하는데 중점을 둔다. 제2기에서는 '생의 기원' 연작으로, 제3기에서는 '축제', '잔칫날' 연작을 선보이며, 기운생동과 생성이라는 주제를 지속적으로 표출하였다. 그가 가진 주제 의식은 동양사상의 영향으로, '뜻'이 필력을 통해 '형'으로 생성된다고 보는 문인화의 전통에 기인한다. 이두식은 난해할 수 있는 추상 미술에 오방색이라는 동양적인 색채와 주제의식으로 풀어가며 독창적인 조형세계를 확립했다는 평가를 받고 있다. 이두식의 <잔칫날>(2008)은 후기에 그가 즐겨 그렸던 주제로, 잔칫날이 되면 이웃과 함께 흥겨움을 나누는 모습을 밝은 원색의 긍정적이 에너지로 표현하였다. 동일한 기운생동이라는 주제의식을 가지고 있는 '축제' 연작이 즉흥적인 표현성을 지닌 반면, '잔칫날' 연작에서는 안정적인 구조를 확인할 수 있다.<|im_end|> | <|im_start|>표현 방식의 변화<|im_end|> | <|im_start|>이두식의 작업을 제1기, 제2기, 제3기로 나누는 기준은?<|im_end|> |
<|im_start|><땅 미륵>(1992)은 땅과 더불어 살아가는 농촌 여인을 '중생을 구제하는 미륵보살'에 비유하여 그린 것으로 제목이 암시하듯이 땅 미륵 여인은 서로 동일한 존재로서 그려지고 있다. 전작들에 등장한 농촌 여인이 마을의 오랜 전통과 역사를 상징하는 존재로 여겨졌다는 점을 감안할 때 이 작품에 등장하는 여인은 이상적인 존재로 그려져 그 의미가 확장되었음을 확인할 수 있다. 특히 김정헌은 '흙'을 순수한 생명이 만들어지는 원천으로 여기며 땅과 흙이 통합된 세계를 꿈꾸었는데, 질긴 생명력을 상징하는 질경이 옆에서 또 다른 생명을 심고 있는 여성은 강력한 '생명'의 메타포 그 자체로서 그의 이상적인 세계관을 실현시키는 도상으로 등장한다. 비록 땅은 인간이 소유하고 지배하는 과정에서 온갖 갈등과 반목의 씨앗이기도 했지만 그에게 있어서 여전히 땅은 민중을 지켜주는 존재이자 지켜나가야 할 대상이다. 이 작품은 1993년 《땅의 길 흙의 길》전(展)에 출품되었다.<|im_end|> | <|im_start|>땅 미륵<|im_end|> | <|im_start|>작품의 제목은?<|im_end|> |
<|im_start|><땅 미륵>(1992)은 땅과 더불어 살아가는 농촌 여인을 '중생을 구제하는 미륵보살'에 비유하여 그린 것으로 제목이 암시하듯이 땅 미륵 여인은 서로 동일한 존재로서 그려지고 있다. 전작들에 등장한 농촌 여인이 마을의 오랜 전통과 역사를 상징하는 존재로 여겨졌다는 점을 감안할 때 이 작품에 등장하는 여인은 이상적인 존재로 그려져 그 의미가 확장되었음을 확인할 수 있다. 특히 김정헌은 '흙'을 순수한 생명이 만들어지는 원천으로 여기며 땅과 흙이 통합된 세계를 꿈꾸었는데, 질긴 생명력을 상징하는 질경이 옆에서 또 다른 생명을 심고 있는 여성은 강력한 '생명'의 메타포 그 자체로서 그의 이상적인 세계관을 실현시키는 도상으로 등장한다. 비록 땅은 인간이 소유하고 지배하는 과정에서 온갖 갈등과 반목의 씨앗이기도 했지만 그에게 있어서 여전히 땅은 민중을 지켜주는 존재이자 지켜나가야 할 대상이다. 이 작품은 1993년 《땅의 길 흙의 길》전(展)에 출품되었다.<|im_end|> | <|im_start|>1993년<|im_end|> | <|im_start|><땅의 길 흙의 길>전이 열린 연도는?<|im_end|> |
<|im_start|><땅 미륵>(1992)은 땅과 더불어 살아가는 농촌 여인을 '중생을 구제하는 미륵보살'에 비유하여 그린 것으로 제목이 암시하듯이 땅 미륵 여인은 서로 동일한 존재로서 그려지고 있다. 전작들에 등장한 농촌 여인이 마을의 오랜 전통과 역사를 상징하는 존재로 여겨졌다는 점을 감안할 때 이 작품에 등장하는 여인은 이상적인 존재로 그려져 그 의미가 확장되었음을 확인할 수 있다. 특히 김정헌은 '흙'을 순수한 생명이 만들어지는 원천으로 여기며 땅과 흙이 통합된 세계를 꿈꾸었는데, 질긴 생명력을 상징하는 질경이 옆에서 또 다른 생명을 심고 있는 여성은 강력한 '생명'의 메타포 그 자체로서 그의 이상적인 세계관을 실현시키는 도상으로 등장한다. 비록 땅은 인간이 소유하고 지배하는 과정에서 온갖 갈등과 반목의 씨앗이기도 했지만 그에게 있어서 여전히 땅은 민중을 지켜주는 존재이자 지켜나가야 할 대상이다. 이 작품은 1993년 《땅의 길 흙의 길》전(展)에 출품되었다.<|im_end|> | <|im_start|>김정헌<|im_end|> | <|im_start|>작가는 이름은?<|im_end|> |
<|im_start|><땅 미륵>(1992)은 땅과 더불어 살아가는 농촌 여인을 '중생을 구제하는 미륵보살'에 비유하여 그린 것으로 제목이 암시하듯이 땅 미륵 여인은 서로 동일한 존재로서 그려지고 있다. 전작들에 등장한 농촌 여인이 마을의 오랜 전통과 역사를 상징하는 존재로 여겨졌다는 점을 감안할 때 이 작품에 등장하는 여인은 이상적인 존재로 그려져 그 의미가 확장되었음을 확인할 수 있다. 특히 김정헌은 '흙'을 순수한 생명이 만들어지는 원천으로 여기며 땅과 흙이 통합된 세계를 꿈꾸었는데, 질긴 생명력을 상징하는 질경이 옆에서 또 다른 생명을 심고 있는 여성은 강력한 '생명'의 메타포 그 자체로서 그의 이상적인 세계관을 실현시키는 도상으로 등장한다. 비록 땅은 인간이 소유하고 지배하는 과정에서 온갖 갈등과 반목의 씨앗이기도 했지만 그에게 있어서 여전히 땅은 민중을 지켜주는 존재이자 지켜나가야 할 대상이다. 이 작품은 1993년 《땅의 길 흙의 길》전(展)에 출품되었다.<|im_end|> | <|im_start|>땅의 길 흙의 길<|im_end|> | <|im_start|>작품이 출품된 전시회는?<|im_end|> |
<|im_start|><땅 미륵>(1992)은 땅과 더불어 살아가는 농촌 여인을 '중생을 구제하는 미륵보살'에 비유하여 그린 것으로 제목이 암시하듯이 땅 미륵 여인은 서로 동일한 존재로서 그려지고 있다. 전작들에 등장한 농촌 여인이 마을의 오랜 전통과 역사를 상징하는 존재로 여겨졌다는 점을 감안할 때 이 작품에 등장하는 여인은 이상적인 존재로 그려져 그 의미가 확장되었음을 확인할 수 있다. 특히 김정헌은 '흙'을 순수한 생명이 만들어지는 원천으로 여기며 땅과 흙이 통합된 세계를 꿈꾸었는데, 질긴 생명력을 상징하는 질경이 옆에서 또 다른 생명을 심고 있는 여성은 강력한 '생명'의 메타포 그 자체로서 그의 이상적인 세계관을 실현시키는 도상으로 등장한다. 비록 땅은 인간이 소유하고 지배하는 과정에서 온갖 갈등과 반목의 씨앗이기도 했지만 그에게 있어서 여전히 땅은 민중을 지켜주는 존재이자 지켜나가야 할 대상이다. 이 작품은 1993년 《땅의 길 흙의 길》전(展)에 출품되었다.<|im_end|> | <|im_start|>농촌 여인<|im_end|> | <|im_start|>중생을 구제하는 미륵보살을 비유한 대상은?<|im_end|> |
<|im_start|><땅 미륵>(1992)은 땅과 더불어 살아가는 농촌 여인을 '중생을 구제하는 미륵보살'에 비유하여 그린 것으로 제목이 암시하듯이 땅 미륵 여인은 서로 동일한 존재로서 그려지고 있다. 전작들에 등장한 농촌 여인이 마을의 오랜 전통과 역사를 상징하는 존재로 여겨졌다는 점을 감안할 때 이 작품에 등장하는 여인은 이상적인 존재로 그려져 그 의미가 확장되었음을 확인할 수 있다. 특히 김정헌은 '흙'을 순수한 생명이 만들어지는 원천으로 여기며 땅과 흙이 통합된 세계를 꿈꾸었는데, 질긴 생명력을 상징하는 질경이 옆에서 또 다른 생명을 심고 있는 여성은 강력한 '생명'의 메타포 그 자체로서 그의 이상적인 세계관을 실현시키는 도상으로 등장한다. 비록 땅은 인간이 소유하고 지배하는 과정에서 온갖 갈등과 반목의 씨앗이기도 했지만 그에게 있어서 여전히 땅은 민중을 지켜주는 존재이자 지켜나가야 할 대상이다. 이 작품은 1993년 《땅의 길 흙의 길》전(展)에 출품되었다.<|im_end|> | <|im_start|>마을의 오랜 전통과 역사<|im_end|> | <|im_start|>전작에서 주인공이 상징하는 것은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 노재순(盧載淳,1950~)은 홍익대학교에서 미술교육과를 졸업했다. 작업 초기에 그는 소리라는 감각이 더욱 직관적으로 전달될 수 있다는 생각에 시각적인 현상보다 청각적인 현상을 담아내려 했다. 이를 위해 노재순은 해변이나 강변의 풍경을 선택하여 자연의 소리에 주목했으며, 맑게 개인 날보다는 바람과 해무가 가득한 흐린 날을 선택했다. 파도가 치는 해변이나 비구름이 몰려드는 흐린 하늘을 소리로 표현하고자 했으며 고단한 일상에 지친 현대인들에게 단비와 같은 휴식처를 마련하고자 하는 마음을 화면에 담았다. 2010년 이후 노재순의 작업은 모든 면에서 많은 변화가 일어나는데, 입술을 소재로 선택하여 복잡다단한 현실을 보여주기 시작한다. 그가 선택한 입술은 성적인 욕망의 대변이 아닌 현대인에게서 찾아볼 수 있는 희망, 고독 등과 같은 모든 감정 상태를 전달하며, 불특정 개인들이 겪는 현실적인 문제와 사회적 현상에 대한 속내를 드러내는 소통의 공간의 이미지로 형상화하고자 했다. 노재순의 <소리>(2008)는 자연이라는 소재로 소리라는 청각을 시각화한 작품으로, 보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했다. 비록 색감은 단조롭지만 옅은 푸른색감은 서정적이면서도 은유적인 미감을 자아낸다.<|im_end|> | <|im_start|>소리<|im_end|> | <|im_start|>보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했던 노재순의 작품은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 노재순(盧載淳,1950~)은 홍익대학교에서 미술교육과를 졸업했다. 작업 초기에 그는 소리라는 감각이 더욱 직관적으로 전달될 수 있다는 생각에 시각적인 현상보다 청각적인 현상을 담아내려 했다. 이를 위해 노재순은 해변이나 강변의 풍경을 선택하여 자연의 소리에 주목했으며, 맑게 개인 날보다는 바람과 해무가 가득한 흐린 날을 선택했다. 파도가 치는 해변이나 비구름이 몰려드는 흐린 하늘을 소리로 표현하고자 했으며 고단한 일상에 지친 현대인들에게 단비와 같은 휴식처를 마련하고자 하는 마음을 화면에 담았다. 2010년 이후 노재순의 작업은 모든 면에서 많은 변화가 일어나는데, 입술을 소재로 선택하여 복잡다단한 현실을 보여주기 시작한다. 그가 선택한 입술은 성적인 욕망의 대변이 아닌 현대인에게서 찾아볼 수 있는 희망, 고독 등과 같은 모든 감정 상태를 전달하며, 불특정 개인들이 겪는 현실적인 문제와 사회적 현상에 대한 속내를 드러내는 소통의 공간의 이미지로 형상화하고자 했다. 노재순의 <소리>(2008)는 자연이라는 소재로 소리라는 청각을 시각화한 작품으로, 보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했다. 비록 색감은 단조롭지만 옅은 푸른색감은 서정적이면서도 은유적인 미감을 자아낸다.<|im_end|> | <|im_start|>해변이나 강변<|im_end|> | <|im_start|>노재순이 자연의 소리에 주목하기 위해 주로 선택한 곳은?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 노재순(盧載淳,1950~)은 홍익대학교에서 미술교육과를 졸업했다. 작업 초기에 그는 소리라는 감각이 더욱 직관적으로 전달될 수 있다는 생각에 시각적인 현상보다 청각적인 현상을 담아내려 했다. 이를 위해 노재순은 해변이나 강변의 풍경을 선택하여 자연의 소리에 주목했으며, 맑게 개인 날보다는 바람과 해무가 가득한 흐린 날을 선택했다. 파도가 치는 해변이나 비구름이 몰려드는 흐린 하늘을 소리로 표현하고자 했으며 고단한 일상에 지친 현대인들에게 단비와 같은 휴식처를 마련하고자 하는 마음을 화면에 담았다. 2010년 이후 노재순의 작업은 모든 면에서 많은 변화가 일어나는데, 입술을 소재로 선택하여 복잡다단한 현실을 보여주기 시작한다. 그가 선택한 입술은 성적인 욕망의 대변이 아닌 현대인에게서 찾아볼 수 있는 희망, 고독 등과 같은 모든 감정 상태를 전달하며, 불특정 개인들이 겪는 현실적인 문제와 사회적 현상에 대한 속내를 드러내는 소통의 공간의 이미지로 형상화하고자 했다. 노재순의 <소리>(2008)는 자연이라는 소재로 소리라는 청각을 시각화한 작품으로, 보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했다. 비록 색감은 단조롭지만 옅은 푸른색감은 서정적이면서도 은유적인 미감을 자아낸다.<|im_end|> | <|im_start|>2008<|im_end|> | <|im_start|>노재순이 <소리>를 제작한 해는?<|im_end|> |
<|im_start|>충남 청양에서 태어난 노재순(盧載淳,1950~)은 홍익대학교에서 미술교육과를 졸업했다. 작업 초기에 그는 소리라는 감각이 더욱 직관적으로 전달될 수 있다는 생각에 시각적인 현상보다 청각적인 현상을 담아내려 했다. 이를 위해 노재순은 해변이나 강변의 풍경을 선택하여 자연의 소리에 주목했으며, 맑게 개인 날보다는 바람과 해무가 가득한 흐린 날을 선택했다. 파도가 치는 해변이나 비구름이 몰려드는 흐린 하늘을 소리로 표현하고자 했으며 고단한 일상에 지친 현대인들에게 단비와 같은 휴식처를 마련하고자 하는 마음을 화면에 담았다. 2010년 이후 노재순의 작업은 모든 면에서 많은 변화가 일어나는데, 입술을 소재로 선택하여 복잡다단한 현실을 보여주기 시작한다. 그가 선택한 입술은 성적인 욕망의 대변이 아닌 현대인에게서 찾아볼 수 있는 희망, 고독 등과 같은 모든 감정 상태를 전달하며, 불특정 개인들이 겪는 현실적인 문제와 사회적 현상에 대한 속내를 드러내는 소통의 공간의 이미지로 형상화하고자 했다. 노재순의 <소리>(2008)는 자연이라는 소재로 소리라는 청각을 시각화한 작품으로, 보는 풍경이 아닌 듣는 풍경을 그리려 했다. 비록 색감은 단조롭지만 옅은 푸른색감은 서정적이면서도 은유적인 미감을 자아낸다.<|im_end|> | <|im_start|>충남 청양<|im_end|> | <|im_start|>노재순의 출생지는?<|im_end|> |
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