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train · 6.02k rows

context stringclasses 984 values	answer stringlengths 24 42	question stringlengths 23 96
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>멀리서 볼 때<\|im_end\|>	<\|im_start\|>손의 이미지가 확연한 실루엣으로 드러나는 때는? <\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>손을 사용하는 것<\|im_end\|>	<\|im_start\|>직접적인 지각 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2007<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>철로 만든 프레임의 위아래<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품 제작 중 구멍을 뚫는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수백 개<\|im_end\|>	<\|im_start\|>탄성줄의 개수는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>여름 휴가철에 목격한 교통사고<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 모티브는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 비판하고자 한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 사고 당시의 긴박함을 표현한 방법은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1991<\|im_end\|>	<\|im_start\|>사고가 발생한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>젊은 남자<\|im_end\|>	<\|im_start\|>과속을 한 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>번호판<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 사고가 발생한 시기를 표기한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1986<\|im_end\|>	<\|im_start\|>정의지의 출생연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2011년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>정의지가 안동대학교를 졸업한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>중앙대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>정의지가 석사과정을 수료한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2019년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><안식처-황소>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기<\|im_end\|>	<\|im_start\|><안식처-황소>에서 쓴 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>양은 냄비<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 작품의 재료로 선택한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2000년대 중반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공공미술 작업의 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>야외<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 설치된 장소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품과 관람객<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 통해 알 수 있는 통상적인 관계는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>그림자<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 포함하는 햇빛으로 인해 만들어지는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2006<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>관람객<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품과 통상적인 관계를 이루는 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>산소용접으로 접합하는 방식<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 제작하는 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작은 동판 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 소재는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>젊은 시절<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 뛰어난 재능과 기교로 촉망받던 때는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동판 조각들 사이에는 작은 틈<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수공예적 접합 작업 시 생기는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동판 조각들 사이<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수공예적 접합 작업 시 작은 틈들이 생기는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>관람자들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 하는 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1990년대 후반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2001년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 조각 공원 프로젝트에 참여한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>중국 연변과학기술대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 조각 공원 프로젝트를 한 장소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>박사학위<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 최종 학위는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>콘크리트<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 도시의 상징으로 사용한 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>대구가톨릭대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 교수로 재직한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>신시네티(Cincinnati) 대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어가 처음 작품을 전시한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1964년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어가 처음 작품을 전시한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>고대 이집트나 불교 같은 종교 문화<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어가 작품 제작에 영향을 받은 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폭포<\|im_end\|>	<\|im_start\|><폭포>를 보고 떠올리게 되는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어<\|im_end\|>	<\|im_start\|>철학적이고 사유적인 작품을 제작하는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1994년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><폭포>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2000년대<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>숭고한 세포의 번식<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 서서히 확장되어가는 과정에서 느껴지는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이수경<\|im_end\|>	<\|im_start\|>다양한 매체로 새로운 시도를 선보이는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도공들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백자를 폐기하는 자는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도자기 공방<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도자기들이 폐기되는 장소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1990년대<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 다양한 매체로 새로운 시도를 선보이던 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>박상숙<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인체에 대해 꾸준히 관심을 가지고 있는 작가는? <\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>목재<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 소재는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조각의 윗부분<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 인간의 손이 붙어 있는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>추상과 구상, 곡선과 직선<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 보여지는 대비되는 요소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1994<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>박상숙<\|im_end\|>	<\|im_start\|>고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌 작품을 만드는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>마케도니아<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키의 활동지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스코페 미술대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키가 조소과를 졸업한 대학은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1995년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키가 석사학위를 수여받은 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>석조 모델링 작업<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 지금까지 하던 작업은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>자연재료<\|im_end\|>	<\|im_start\|><우리들의 둥지>에서 중점을 둔 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키<\|im_end\|>	<\|im_start\|><우리들의 둥지>를 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>선박 Ⅸ<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 2018년에 제작한 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>돌과 시멘트<\|im_end\|>	<\|im_start\|><선박 Ⅸ> 제작 시 사용한 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1962<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스의 출생 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>태즈메이니아 대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스가 가구 디자인을 수학한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스<\|im_end\|>	<\|im_start\|><선박 Ⅸ>를 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뉴질랜드<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스의 활동지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>울란바토르 미술대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 석사학위를 수여받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2009년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뮤목민의 문화와 생활방식을 작품으로 표현하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>몽골<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 활동지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도넛 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 형태는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|><땅의 소리><\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 2022년에 제작한 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아마르사이칸 남스라이야브<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 제작한 몽골의 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공간<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥이 주목하는 주제는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>돌과 거울을 조합한 작품<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 주로 제작한 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>성신여자대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥이 졸업한 대학은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2015년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥이 석사학위를 수여받은 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현재 작가 및 큐레이터로 활동하고 있는 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2019년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><흡수>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|><쉼 Rest><\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2014<\|im_end\|>	<\|im_start\|><쉼 Rest>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>시멘트 캐스팅<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 나무 등걸에 작업한 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>나이테와 나뭇결<\|im_end\|>	<\|im_start\|>버려진 나무에서 오랜 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오랜 세월 지켜봐온 숲 안<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 자기 자신을 내려놓은 채 자연을 오롯이 받아들이는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>자연<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 오랜 일상 속에서 경이로움을 체감한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|><계단 형태-연단 1><\|im_end\|>	<\|im_start\|><퍼블릭 블랭크(Public Blank)>의 연장선상에 있는 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2006-8<\|im_end\|>	<\|im_start\|><퍼블릭 블랭크(Public Blank)>프로젝트의 기간은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>길거리나 공공장소<\|im_end\|>	<\|im_start\|>종이박스를 발견할 수 있는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공공성, 공공미술, 공공기념물<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동시대 미술에서 주목하는 주제는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>종이박스를 브론즈로 캐스팅<\|im_end\|>	<\|im_start\|>종이박스 가공 방법은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2011<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>파트릭 데마제우<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숨쉬는 숲>을 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1972년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>파트릭 데마제우의 대학교 졸업 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>초현실적인 설치물<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 제작하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>산소를 공급하는 지구<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 상징화한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카샹 공과대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>파트릭 데마제우가 석사학위를 수여받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숨쉬는 숲>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접<\|im_end\|>	<\|im_start\|>송운창이 소나무의 형상을 만들기 위해 하는 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인하대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>송운창이 졸업한 대학교는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><I'm fine-230>이 제작된 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스테인리스 스틸로 이루어진 소나무<\|im_end\|>	<\|im_start\|>실제 소나무 옆에 나란히 배치한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>유기체적 생명력<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품 속에서 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각이 얻게 되는 것은?<\|im_end\|>

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<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>멀리서 볼 때<\|im_end\|>	<\|im_start\|>손의 이미지가 확연한 실루엣으로 드러나는 때는? <\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>손을 사용하는 것<\|im_end\|>	<\|im_start\|>직접적인 지각 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2007<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>철로 만든 프레임의 위아래<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품 제작 중 구멍을 뚫는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><string mirror_open me_0229 0272>(2007)는 'String Mirror' 연작 중 하나로 철로 만든 프레임의 위아래에 구멍을 뚫고 그 사이에 가느다란 탄성줄 수백 개를 연결한 후 손과 팔을 찍은 사진 이미지를 줄 하나하나에 전사하여 엮은 것이다. 수많은 픽셀들이 모여 전체 이미지를 구성하는 사진과 유사한 원리인데, 이 작품에서는 그 대상이 손이라는 점이 중요하다. 인간의 오감 중 촉각, 즉 손을 사용하는 것은 매우 직접적인 지각 방식이지만 그의 작품에 나타나는 손은 만질 수 없고 눈으로만 보아야 하는 존재로서 소통의 부재를 의미한다. 또한 작품 속 손의 이미지는 멀리서 볼 때는 확연한 실루엣으로 드러나지만 가까이 다가가서 볼수록 여러 겹의 레이어들이 중첩되면서 형체를 분간할 수 없게 되는데, 이는 자아의 분열 및 분열된 자아들 사이에 나타나는 소통의 문제를 의미하기도 한다. 이와 같은 착시 현상은 실체를 분명하게 파악하지 못하게 방해하는 것으로 "'나'라는 실체의 의미는 그 자체로 닫혀질 수 없으며 끊임없이 지연되고 연기될 뿐 궁극적인 실체와 의미는 끝내 붙잡을 수 없을 것이다"라는 작가의 실존적 고백을 반영한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수백 개<\|im_end\|>	<\|im_start\|>탄성줄의 개수는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>여름 휴가철에 목격한 교통사고<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 모티브는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 비판하고자 한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 사고 당시의 긴박함을 표현한 방법은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1991<\|im_end\|>	<\|im_start\|>사고가 발생한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>젊은 남자<\|im_end\|>	<\|im_start\|>과속을 한 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><바람의 한가운데>(1991)는 여름 휴가철에 목격한 교통사고에서 모티브를 얻어 제작한 작품이다. 작가는 젊은 남자의 과속으로 인해 발생한 사고를 재현하여 현대사회에 만연한 '빨리빨리 문화'와 '물질만능주의'를 비판하고자 했다. 우선 작품에서 가장 큰 비중을 차지하는 것은 자동차와 자동차에 기대어 서있는 한 여성이다. 자동차는 기계문명의 혜택을 상징하기도 하지만 현시대에는 사회적 지위를 과시하는 용도로 쓰이기도 한다. 작가는 교통사고와는 무관하게 사색에 잠긴 여성을 자동차와 함께 등장시킴으로써 자동차에 담겨진 인간의 과시욕과 물질만능주의를 비판하고자 했다. 또한 핸들을 잡고 있는 손 부분만을 표현하여 도덕과 이성보다는 폭력적인 본능에 충실한 현대인의 단면을 보여주었다. 여기에 고양이와 독수리를 등장시킴으로써 본능이 만연하게 되면 결국 약육강식의 논리가 지배하는 사회가 될 것임을 암시했다. 작품의 세부 묘사에서도 작가의 세심함이 드러나는데, 좌측으로 틀어져 있는 자동차의 바퀴를 통해 사고 당시의 긴박함을 표현했으며 번호판에는 사고가 발생한 시기이자 작품의 제작시기이기도 한 '1991'을 표기했다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>번호판<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 사고가 발생한 시기를 표기한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1986<\|im_end\|>	<\|im_start\|>정의지의 출생연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2011년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>정의지가 안동대학교를 졸업한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>중앙대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>정의지가 석사과정을 수료한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2019년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><안식처-황소>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기<\|im_end\|>	<\|im_start\|><안식처-황소>에서 쓴 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>정의지(b.1986)는 2011년 안동대학교 조소과를 졸업하고, 중앙대학교에서 조소과 석사과정을 수료하였다. 그는 버려진 양은 냄비와 같이 존재의 의미를 잃어버린 일상적 오브제를 통해 소멸, 그리고 뒤이어 오는 재생의 순환을 조각으로 시각화하는 작업을 하고 있다. 그가 양은 냄비를 작품의 재료로 선택하게 된 것은 길가에 버려진 양은 냄비가 자신의 처지와 비슷하게 느껴졌기 때문이다. 쓰임을 다한 양은 냄비가 작품의 재료로 사용되며 새로운 소임을 가지게 된 것에서 작가는 안식을 얻게 되었다. 또한 이러한 소멸과 재생의 순환을 통해 감상자에게도 치유의 에너지를 전달하고자 한다. 2019년에 제작된 <안식처-황소>는 일상 속에서 버려진 다양한 양은 식기들을 재료로 삼아 이를 불로 소성하여 황소의 이미지로 재탄생시켰다. 노동 집약적인 과정을 통해 작가 스스로를 단련하고, 감상자에게는 과거의 상처를 정화시킬 수 있는 치유의 에너지와 강력한 생명력을 보여주고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>양은 냄비<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 작품의 재료로 선택한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2000년대 중반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공공미술 작업의 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>야외<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 설치된 장소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품과 관람객<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 통해 알 수 있는 통상적인 관계는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>그림자<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 포함하는 햇빛으로 인해 만들어지는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2006<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><그림자의 집>(2006)은 2000년대 중반의 공공미술 작업 중 하나로 거대한 철판 두 개가 90도로 붙어 세워져 있다. 한 철판은 직사각형, 다른 하나는 삼각형 지붕을 갖고 있기 때문에 어느 쪽에서 보느냐에 따라 작품의 모양은 달라진다. 야외에 설치된 조각인 만큼 이 작품은 제목에서 알 수 있듯이 햇빛으로 인해 만들어지는 '그림자'까지 포함한다. 철판이 만들어내는 그림자는 시간, 해의 방향과 세기 등에 따라 진하기나 선명도가 변한다. 또한 동일한 시간대라 하여도 어느 방향에서 보느냐에 따라 그림자의 모양은 달라진다. 작가는 계속해서 변화하지만 결국은 해에 종속되어 있는 그림자 그리고 작품을 통해 해와 그림자라는 일상적인 것과 작품과 관람객이라는 통상적인 관계에 대해 생각해 보게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>관람객<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품과 통상적인 관계를 이루는 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>산소용접으로 접합하는 방식<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 제작하는 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작은 동판 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 소재는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>젊은 시절<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 뛰어난 재능과 기교로 촉망받던 때는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동판 조각들 사이에는 작은 틈<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수공예적 접합 작업 시 생기는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동판 조각들 사이<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수공예적 접합 작업 시 작은 틈들이 생기는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><무제>(2005)는 작은 동판 조각을 하나하나 산소용접으로 접합하는 방식으로 만들어졌다. 그는 젊은 시절 뛰어난 재능과 기교로 촉망받았지만 기교에 빠져들기보다는 한 땀 한 땀 우직하게 만들어가는 과정을 선택했다. 수공예적 접합 작업으로 인해 동판 조각들 사이에는 작은 틈들이 생겨났는데, 이 틈들은 작품의 가장 중요한 구성 요소가 된다. 그의 작품은 조각 자체가 아니라 이 조각이 환경 공간과 어우러지면서 발생하는 공간 속의 상황이 하나의 작품이 된다. 조각 사이의 틈들을 비집고 나와 쏟아지는 빛들은 공간을 가득 메우고 이는 그 공간 속 관람자들에게 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 한다. 빛의 흐름에 따라 자연의 움직임에 따라 변화하는 환경은 작품과 조화를 이루고 끊임없이 변화함으로써 지속적으로 새로움을 생성해 내는 작업의 연속이 된다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>관람자들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 명상과 같은 고요한 사색과 떨림의 시간을 경험하게 하는 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1990년대 후반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2001년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 조각 공원 프로젝트에 참여한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>중국 연변과학기술대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 조각 공원 프로젝트를 한 장소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>박사학위<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 최종 학위는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>콘크리트<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 도시의 상징으로 사용한 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조각가 오의석은 서울대학교 조소과에서 학사와 석사학위를 수여받았으며, 이후 경북대학교에서 미술학 박사학위를 취득하였다. 그는 테라코타, 철제 조각, 포토콜라주, 환경 조각 등 다양한 기법으로 작품을 제작하며 문명과 인간, 인간과 자연환경에 대해 이야기하고 있다. 초기 작업에서는 정크 오브제를 용접하여 철제 작품을 제작하였으며, 산업사회의 현실에 대해 비판적인 견해를 담아내었다. 이후 대구가톨릭대학교 조소과 교수로 재직하며 시작한 테라코타 작업에서는 그의 인간관에 대한 고찰을 살펴볼 수 있다. 1990년대 후반에 들어서면 전쟁, 기아 등 세계적 이슈를 주제로 포토콜라주 작품을 제작한다. 그는 2001년 연구년을 맞아 중국 연변과학기술대학에서 조각 공원 프로젝트에 참여하며 환경 조각 및 공공작품까지 예술세계의 범위를 확장하게 되었다. 2020년에 제작된 <출토>는 3단으로 제작된 노출 콘크리트의 사각기둥이 흙 속에 박혀있으며, 문명화된 현대 사회에 대해 비판적 견해를 담고 있는 작품이다. 인간은 문명화된 도시를 만들기 위해 주택과 빌딩, 도로, 다리, 댐 등 콘크리트를 사용한 건축물들을 제작하였다. 이로 인해 자연은 파괴되어가고 있다. 작가는 도시의 상징인 콘크리트를 작품의 재료로 사용하여 감상자로 하여금 자연환경 문제와 자연보호에 대해 고찰할 수 있도록 유도하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>대구가톨릭대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 교수로 재직한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>신시네티(Cincinnati) 대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어가 처음 작품을 전시한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1964년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어가 처음 작품을 전시한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>고대 이집트나 불교 같은 종교 문화<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어가 작품 제작에 영향을 받은 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폭포<\|im_end\|>	<\|im_start\|><폭포>를 보고 떠올리게 되는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에릭 오어<\|im_end\|>	<\|im_start\|>철학적이고 사유적인 작품을 제작하는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>에릭 오어(Eric Orr, 1939-1998)는 1964년 신시네티(Cincinnati) 대학에서 처음 자신의 작품을 전시한 뒤 꾸준히 빛과 공간의 움직임을 탐구한 작품을 선보이며, 자신만의 독자적인 예술 세계를 형성하고 있다. 그의 조각 작품은 관람객의 본능적인 자극을 유발하기 위해 금속, 물, 불, 돌과 같은 자연적 소재를 기반으로 하고 있다. 또한 그는 고대 이집트나 불교 같은 종교 문화에 영향을 받아 철학적이고 사유적인 작품을 제작하고 있다. 1994년에 제작된 <폭포>는 세로로 긴 형태의 육면체 형식이며, 표면은 일정한 간격을 두고 오목함과 볼록함이 반복적으로 나타나고 있다. 작품의 명제처럼 폭포를 떠올리게 하는 이 작품은 위에서 아래로 끊임없이 물이 흐르고 있다. 이런 효과는 시간의 순환성을 보여주며, 무(無)의 리듬감을 강조한다. 에릭 오어의 조각에서 주목되는 '흐르는 물'은 만물의 끝없는 소멸과 생성을 상징적으로 보여주며, 관람객으로 하여금 명상적 체험의 길로 유도한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1994년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><폭포>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2000년대<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>숭고한 세포의 번식<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 서서히 확장되어가는 과정에서 느껴지는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이수경<\|im_end\|>	<\|im_start\|>다양한 매체로 새로운 시도를 선보이는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도공들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백자를 폐기하는 자는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도자기 공방<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도자기들이 폐기되는 장소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><번역된 도자기(Translated vase)>(2011)는 도자기 공방에서 도공들에 의해 폐기된 백자 파편들을 금박으로 이어 붙여 완전히 새로운 형태로 만들어낸 작품이다. 1990년대부터 설치, 조각, 영상, 드로잉, 퍼포먼스 등 다양한 매체로 새로운 시도를 선보여 온 이수경은 2000년대에 들어서부터 깨진 도자기 파편에 주목하기 시작했다. 작가의 예술적 상상력에 붙들린 치유의 행위를 통해 파손된 도자기 조각들이 새로운 창조물로 다시 태어나는 과정은 파괴와 재생, 죽음과 부활의 순환 관계를 떠올리게 한다. 작은 파편에서 커다란 형상으로 작품이 서서히 확장되어가는 과정은 마치 숭고한 세포의 번식과도 같이 느껴지는데 이와 같이 '금빛'으로 채워진 '흠집'은 깨어짐이 도리어 새로운 아름다움을 창출하는 중요한 요소가 될 수 있음을 생각하게 한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1990년대<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 다양한 매체로 새로운 시도를 선보이던 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>박상숙<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인체에 대해 꾸준히 관심을 가지고 있는 작가는? <\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>목재<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 소재는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조각의 윗부분<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 인간의 손이 붙어 있는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>추상과 구상, 곡선과 직선<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 보여지는 대비되는 요소는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1994<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><입상(立像)>(1994)은 인체에 대한 작가의 꾸준한 관심과 분석적 시각을 보여주는 작품으로 목재를 사용한 추상화된 형태가 특징이다. 조각의 윗부분은 유기체적인 형태로 곡선이 두드러지는 가운데 인간의 손이 홀로 구상적 형상으로서 붙어 있으며 아랫부분은 마치 주름치마처럼 표현된 수직적 형태 아래 두 발이 드러나 있다. 작가는 추상과 구상, 곡선과 직선이라는 대비되는 요소를 혼재시키고 있는데 이는 통나무에서 형상을 조형하듯 깎아 들어가다가 도중에 멈춘 것 같은 미완의 인상을 준다. 그의 추상조각은 단지 형태의 추상뿐만 아니라 작품 재료를 형상으로 완전히 덮지 않고 본연의 속성을 드러냄으로써 추상을 이루고 있다. 이러한 작업 경향은 작가가 단순한 형태의 창조 또는 형태간의 관계를 추구하는 것이 단순히 시각적 문제만이 아니라, 상황 내 '과정'의 문제이며 나아가 존재를 발견하는 데 근간을 두고 있음을 의미한다. 결국 박상숙의 인체 조각은 인체 자체에 대한 묘사라기보다 인간이 처한 실존으로서의 모습에 대한 통찰로부터 추출된 고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>박상숙<\|im_end\|>	<\|im_start\|>고도의 추상적 조형으로서의 완결성을 지닌 작품을 만드는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>마케도니아<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키의 활동지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스코페 미술대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키가 조소과를 졸업한 대학은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1995년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키가 석사학위를 수여받은 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>석조 모델링 작업<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 지금까지 하던 작업은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>자연재료<\|im_end\|>	<\|im_start\|><우리들의 둥지>에서 중점을 둔 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>마케도니아의 작가 아타나스 아타나소스키(Atanas Atanasoski, b.1961)는 1987년 스코페 미술대학(Faculty of Fine Arts in Skopje) 조소과를 졸업했으며, 1995년 부다페스트 미술대학(Faculty of Fine Arts in Budapest)에서 석사학위를 수여받았다. 작가는 단색, 미니멀리즘, 기하학, 수학 등의 요소를 기반으로 한 작품을 제작하고 있다. 2018년에 제작된 <우리들의 둥지>는 자연재료에 중점을 둔 작품이다. 지금까지 석조 모델링 작업을 했던 작가에게 새로운 건축자재의 활용은 민족문화적 측면에서 큰 영감을 주었다. 그는 자연에서 발생하는 천연 자재들을 사용하여 우주를 상징하는 나선형의 둥지를 만들었다. 불완전해 보이는 조형물은 사실 나뭇가지를 투입하는 순서부터 철저히 계산된 것이며, 단순한 건축물이 아닌 기호학적 상징물로 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아타나스 아타나소스키<\|im_end\|>	<\|im_start\|><우리들의 둥지>를 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>선박 Ⅸ<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 2018년에 제작한 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>돌과 시멘트<\|im_end\|>	<\|im_start\|><선박 Ⅸ> 제작 시 사용한 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1962<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스의 출생 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>태즈메이니아 대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스가 가구 디자인을 수학한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스<\|im_end\|>	<\|im_start\|><선박 Ⅸ>를 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>뉴질랜드의 작가 도날드 버글라스(Donald Buglass, b.1962)는 1991년 호주 국립 예술대학교(National Art School of Australia) 회화과를 졸업하였다. 이후 태즈메이니아 대학교(University of Tasmania)에서 가구 디자인을 수학하였다. 그는 작은 돌과 나뭇조각을 주재료로 활용하여 대지미술 작품을 제작하고 있다. 또한 작가는 작품을 통해 환경보호에 대해 이야기하고자 한다. 2018년에 제작된 <선박 Ⅸ>는 돌과 시멘트를 재료로 사용하여 위기의 처한 '생명선'을 상징화한 것이다. 선박의 전체 모습이 아닌 선박의 머리 부분만을 조형하였는데, 이는 자연재해 앞에서 무력해지는 인간의 생존 능력에 대하여 의문을 제기하기 위한 장치이다. 그는 무분별한 개발로 인해 지구 온난화가 발생하고 있으며, 이에 따른 심각한 기후변화와 자연재해로 인류의 생존이 위협당하고 있는 현 상황에 대해 경각심을 고취시키고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뉴질랜드<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도날드 버글라스의 활동지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>울란바토르 미술대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 석사학위를 수여받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2009년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뮤목민의 문화와 생활방식을 작품으로 표현하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>몽골<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 활동지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>도넛 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 형태는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|><땅의 소리><\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 2022년에 제작한 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>몽골의 작가 아마르사이칸 남스라이야브(Amarsaikhan Namsraijav, b.1981)는 2000년 세트겜즈 디자인 대학교(Setgemj Design University)를 졸업하고, 2005년 울란바토르 미술대학교(Institute of Fine Art Ulaanbaatar) 석사학위를 수여받았다. 그는 2009년부터 유목민의 문화와 생활방식을 작품을 통해 선보이며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방식에 대해 이야기하고 있다. 2022년에 제작된 <땅의 소리>는 깊은 땅속에서 울리는 소리에 귀를 기울이기 바라는 마음이 담긴 작품이다. 작가는 철과 대나무를 이용해 감상자가 앉거나 누울 수 있도록 작품을 제작하였으며, 감상자는 작품을 통해 자연의 소리에 귀 기울이며 명상할 수 있는 시간을 가지게 된다. 또한 도넛 형태로 제작된 작품의 구멍 사이로 바람이 지나가는 소리가 들려 청각적인 자극을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>아마르사이칸 남스라이야브<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 제작한 몽골의 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공간<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥이 주목하는 주제는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>돌과 거울을 조합한 작품<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 주로 제작한 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>성신여자대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥이 졸업한 대학은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2015년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥이 석사학위를 수여받은 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>노승옥<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현재 작가 및 큐레이터로 활동하고 있는 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>노승옥은 2011년 성신여자대학교 조소과를 졸업하고 2015년 동 대학원에서 조소과 석사학위를 수여받았으며, 현재 작가 및 큐레이터로 활발히 활동 중이다. 그녀는 '공간'이라는 주제에 주목하여 돌과 거울을 조합한 작품을 주로 제작해왔다. 현재를 상징하는 거울과 시간의 흔적을 담고 있는 돌을 함께 배치하여, 감상자에게 다양한 시공간을 경험할 수 있도록 유도하고 있다. 2019년에 제작된 <흡수>는 돌을 주제로 한 작품이다. 돌은 바람이나 물에 따라 흘러 이동하는 오브제이자 시간을 거쳐 이동하고 변화하는 시간의 흐름을 압축한 물건이다. 돌은 어디에 있던 것인지, 얼마나 오랜 세월을 견뎠는지 알 수 없을 만큼 긴 시간의 흔적을 가지고 있다. 작가는 작품을 통해 돌에 응집된 시간과 자연의 역사성을 감상자에게 선보이고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2019년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><흡수>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|><쉼 Rest><\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2014<\|im_end\|>	<\|im_start\|><쉼 Rest>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>시멘트 캐스팅<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 나무 등걸에 작업한 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>나이테와 나뭇결<\|im_end\|>	<\|im_start\|>버려진 나무에서 오랜 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오랜 세월 지켜봐온 숲 안<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 자기 자신을 내려놓은 채 자연을 오롯이 받아들이는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><쉼 Rest>(2014)은 잘려서 방치된 나무 등걸을 시멘트 캐스팅한 작품이다. 이 작품은 가족인 십여 마리의 개들과 함께 숲으로 산책을 나가는 작가의 오랜 일상 속에서 체감한 자연의 경이로움에서 비롯된 것으로 오랜 세월 동안 같은 숲을 바라보며 축적된 그 '숲'에 대한 온전한 이해를 바탕으로 한다. 작가는 극심한 병충해로 잘려나간 숲속의 나무를 바라보며 긴 세월 동안 온갖 풍상을 견뎌내 온 숲의 생멸 과정에 경이로움을 느끼고 이 나무들 또한 험난했던 우리의 지난 시대를 함께 했음을 공감한다. 오래 시간에 걸쳐 켜켜이 쌓인 나이테와 나뭇결을 고스란히 드러내고 있는 버려진 나무는 작가에 의해 '쉼'의 시간을 부여받고 그 안에 담긴 삶에 대한 공명을 불러일으킨다. 오랜 세월 지켜봐온 숲 안에 자기 자신 또한 내려놓은 채 있는 그대로의 자연을 오롯이 받아들이는 작가의 태도는 바라보는 대상과의 완전한 동화를 이루어내며 숭고의 미를 전달한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>자연<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 오랜 일상 속에서 경이로움을 체감한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|><계단 형태-연단 1><\|im_end\|>	<\|im_start\|><퍼블릭 블랭크(Public Blank)>의 연장선상에 있는 작품은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2006-8<\|im_end\|>	<\|im_start\|><퍼블릭 블랭크(Public Blank)>프로젝트의 기간은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>길거리나 공공장소<\|im_end\|>	<\|im_start\|>종이박스를 발견할 수 있는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공공성, 공공미술, 공공기념물<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동시대 미술에서 주목하는 주제는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>종이박스를 브론즈로 캐스팅<\|im_end\|>	<\|im_start\|>종이박스 가공 방법은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|><계단 형태-연단 1>(2011)은 작가가 생각하는 주관적인 '공공성'을 반영하는 기념물을 간단한 드로잉과 설명문으로 제안한 공공미술 프로젝트 <퍼블릭 블랭크(Public Blank)>(2006-8)의 연장선상에 있다. 이 작품에서는 길거리나 공공장소에서 쉽게 발견할 수 있는 종이박스를 브론즈로 캐스팅하여 불안정한 구조로 쌓아올리고 기능할 수 없는 마이크와 함께 설치하여 제 역할을 할 수 없는 비현실적인 연단으로 조성하였다. 공공장소에서의 발언을 목적으로 하는 연단의 형상을 하고 있지만 실제로 이 일상적이고 일회적인 재료들로 구성된 기념물은 '연설'이라는 기능이 제거된 상징적인 오브제로만 남는다. 이를 통해 동시대 미술에서 주목하는 공공성, 공공미술, 공공기념물이라는 주제에 관하여 의문을 제기하고 새로운 시사점을 제공한다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2011<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>파트릭 데마제우<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숨쉬는 숲>을 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1972년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>파트릭 데마제우의 대학교 졸업 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>초현실적인 설치물<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 제작하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>산소를 공급하는 지구<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 상징화한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카샹 공과대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>파트릭 데마제우가 석사학위를 수여받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>프랑스의 작가 파트릭 데마제우(Patrick Demazeau, b.1951)는 대지 예술가이다. 그는 1972년 에두아르 브랑리 대학교(Edouard Branly)를 졸업하고, 1985년 카샹 공과대학교(IUT Cachan)에서 석사학위를 수여받았다. 그는 초현실적인 설치물을 제작하며 인간과 자연의 지속적인 공존 방향성에 대해 탐구한다. 2016년에 제작된 <숨쉬는 숲>은 자연의 숨결을 나뭇잎으로 시각화한 작품이다. 작가는 숨을 쉬는 행위를 생명과 직결된 움직임으로 바라보았다. 나무 사이에 매달린 나뭇잎은 노란색 철제 막대로 제작됐으며, 바람이 불면 나뭇잎 형상의 철제 막대들이 자유롭게 흔들리며 바람과 함께 진동한다. 또한 작품 <숨쉬는 숲>은 거시적인 시각에서 산소를 공급하는 지구를 상징화한 것이기도 하다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숨쉬는 숲>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접<\|im_end\|>	<\|im_start\|>송운창이 소나무의 형상을 만들기 위해 하는 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인하대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>송운창이 졸업한 대학교는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><I'm fine-230>이 제작된 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스테인리스 스틸로 이루어진 소나무<\|im_end\|>	<\|im_start\|>실제 소나무 옆에 나란히 배치한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>유기체적 생명력<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품 속에서 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각이 얻게 되는 것은?<\|im_end\|>