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<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>송운창<\|im_end\|>	<\|im_start\|><I'm fine-230>의 작품을 만든 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인도네시아 욕야카르타<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 작품 제작을 기반으로 하고 있는 곳은? <\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>위스누 아지타마<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인도네시아 작가의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2013년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 스튜디오를 설립한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폭탄<\|im_end\|>	<\|im_start\|>문명을 개발하기 위해 인간이 사용하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>생태계<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폭탄을 사용하여 파괴하고 있는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인도네시아 예술대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>위스누 아지타마가 석사학위를 수여받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>콘데 나스트 출판사<\|im_end\|>	<\|im_start\|>알렉산더 리버만이 아트디렉터로 근무한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1950년대 이후<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 본격적인 예술 활동 시작 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1950년대 후반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>철 용접 방법을 배운 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>추상적이면서 기하학적인 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 제작한 작품의 형태는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수학 및 철학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>알렉산더 리버만이 수학한 학문은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>우크라이나 계 미국<\|im_end\|>	<\|im_start\|>알렉산더 리버만의 출신지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에꼴 드 니스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 여러 예술가들과 교류하던 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>베르나르 브네<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1960년대 초반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>반 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 이름을 알린 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1992년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><부정형의 선>을 제작한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대 수학 이론가들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 <부정형의 선> 제작 시 영향을 받은 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>물질성<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에꼴 드 니스의 여러 예술가들과 교류를 통해 관심을 가지게 된 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'레비브라더'라는 도자기 공방<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오귀스트 르누아르가 처음 그림을 배운 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>모네와 시슬레, 바지르 등<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1861년에 작가가 만난 사람들은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1874년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인상주의를 조직한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1881년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 이탈리아를 방문한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>리차드 기노<\|im_end\|>	<\|im_start\|>말년에 조각을 시작하게 도움을 준 제자는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>프랑스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오귀스트 르누아르가 태어난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2017년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'MUTE 시리즈'가 시작된 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인간의 몸이 중심이 되는 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 제작하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>충북대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>황학삼이 졸업한 대학교는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>황학삼이 석사학위를 수여받은 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인간 내면의 깊이를 탐구<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 조각을 통해 탐구하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>황학삼<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'MUTE 시리즈'를 제작하는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>어른들을 위한 이야기<\|im_end\|>	<\|im_start\|>소현우가 조각 작품을 통해 선보이는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>소현우<\|im_end\|>	<\|im_start\|><2050 비너스의 탄생> 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>흙으로 대상을 조형<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 만들 때 석고를 부어 음각의 틀을 만들기 전에 하는 제작 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2013년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><2050 비너스의 탄생>이 제작된 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>로봇의 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|><2050 비너스의 탄생> 속 조각상의 모습은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1978<\|im_end\|>	<\|im_start\|>소현우의 출생 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>코스타리카<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카르멘 람베르티의 출생지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>생태학적 및 사회적 문제<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카르멘 람베르티의 관심사는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스마트폰 사이<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 감상자가 넘나들 수 있는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><셀핑 네이처>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카르멘 람베르티<\|im_end\|>	<\|im_start\|><셀핑 네이처>를 만든 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대인들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>자연과 단절되고 있는 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1960년대 초반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>토니 스미스가 예술가로 본격적으로 활동한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>단순한 외관과 주문 생산 방식<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 작품 제작 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>기하학적인 양식의 조각과 회화<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 1960년대 초반 주목받은 이유는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1962년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><윌리>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>토니 스미스<\|im_end\|>	<\|im_start\|><윌리>를 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>비논리의 영역인 꿈의 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 작품을 통해 구현하고자 한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>색채 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 추구하는 조형 양식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이탈리아 까라라 국립 미술원<\|im_end\|>	<\|im_start\|>최성철이 박사학위를 취득한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2013년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><바람불어 좋은 날>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>최성철<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대 조각사의 흐름을 주도한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>분홍색, 연노란색<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 가볍고 화사한 느낌을 주기 위해 쓴 색은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1962<\|im_end\|>	<\|im_start\|>최성철이 태어난 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>로저 리고스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>독일계 스위스 작가의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1996년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하기 시작한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공공장소<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 현재에도 조각과 설치작품을 제작하는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>말벌집 형상<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 만든 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>나무, 돌, 코코넛 로프 등<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 이용하는 작품의 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폴란드와 아일랜드<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 1992년 이후 유학을 떠난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>탄광촌<\|im_end\|>	<\|im_start\|>헨리 무어가 성장한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1910년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>헨리 무어가 조각을 본격적으로 배운 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>케임브리지 사범대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>헨리 무어가 졸업한 대학은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1970년대<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 누워있는 인체 조각의 상체와 하체를 분리시킨 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>제1차 세계대전<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 영국 공군으로 동원되었던 전쟁은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>누워있는 인체<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 많이 제작했던 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인<\|im_end\|>	<\|im_start\|>팀 노리스가 졸업한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>충청남도 공주시 우성면<\|im_end\|>	<\|im_start\|>연미산이 위치한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2018년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숲의 파도 셸터>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>팀 노리스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>영국의 작가 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>주변 자연환경<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 영감을 받는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숲의 파도 셸터>의 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>10대 시절<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 미술을 시작하게 된 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뉴욕<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 태어난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1965년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 평화 봉사단 활동을 한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>메트로폴리탄<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>관람객의 시선을 집중시키는 작품<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 주로 제작하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>무제<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1995년 제작된 작품의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕이 개인전을 열었던 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2011년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕이 제25회 김세중조각상을 수상한 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>네거티브 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕<\|im_end\|>	<\|im_start\|><Walking on the Street 0410> 작품의 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동시대를 살아가는 평범한 인물들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕이 작품에서 주로 주인공으로 삼는 인물은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2004<\|im_end\|>	<\|im_start\|><Walking on the Street 0410> 작품이 제작된 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백남준<\|im_end\|>	<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>홍콩<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 아버지를 따라 유학을 떠난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동경대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백남준이 교양학부를 졸업한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1964년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 미국에 입국한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1949년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백남준이 로이덴 스쿨을 졸업한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오페라 섹스트로니크<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 미국에서 참여한 공연은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1941년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 처음 입체작품을 제작하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뉴욕 맨해튼 남부<\|im_end\|>	<\|im_start\|>쿠퍼 유니언의 위치는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1956년부터 1959년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'한사 화랑'에서 개인전을 개최한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>옥외 공공장소<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'타블로 조각'을 구성한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조지 시걸<\|im_end\|>	<\|im_start\|>미국의 대표적인 사회적 환경미술가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>추상표현주의<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1949년 당시 뉴욕 화풍을 지배했던 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>도예가 유경자(b.1959)는 1979년 한남대학교 회화과를 졸업하고, 1983년 이화여자대학교 회화과 석사학위를 수여받았다. 또한 제5회, 제6회 대전시 미술대전 특상을 수상하기도 하였다. 그녀는 주로 도자기를 제작하지만 환경 예술에도 관심을 가지며 설치작품을 제작하고 있다. 현대미술에 도자를 결합시키기 위해 물고기를 소재로 한 작업을 진행 중이며, 자유로운 물고기의 삶을 통해 긍정적인 가치관을 이야기하고자 한다. 2008년에 제작된 <엉뚱한 유영>은 400여 마리의 물고기가 산언덕을 넘는 상상력 넘치는 표현을 통해 자연의 순환적인 역동성을 보여주고 있는 작품이다. 처마 끝에 매달린 물고기 형상의 도자기 뒤로 펼쳐진 하늘은 마치 바다와 같아 보인다. 또한 이 작품은 2009년 국정교과서에 수록되기도 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>대전시 미술대전<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 특상을 수상한 대회는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>도예가 유경자(b.1959)는 1979년 한남대학교 회화과를 졸업하고, 1983년 이화여자대학교 회화과 석사학위를 수여받았다. 또한 제5회, 제6회 대전시 미술대전 특상을 수상하기도 하였다. 그녀는 주로 도자기를 제작하지만 환경 예술에도 관심을 가지며 설치작품을 제작하고 있다. 현대미술에 도자를 결합시키기 위해 물고기를 소재로 한 작업을 진행 중이며, 자유로운 물고기의 삶을 통해 긍정적인 가치관을 이야기하고자 한다. 2008년에 제작된 <엉뚱한 유영>은 400여 마리의 물고기가 산언덕을 넘는 상상력 넘치는 표현을 통해 자연의 순환적인 역동성을 보여주고 있는 작품이다. 처마 끝에 매달린 물고기 형상의 도자기 뒤로 펼쳐진 하늘은 마치 바다와 같아 보인다. 또한 이 작품은 2009년 국정교과서에 수록되기도 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2009년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 국정교과서에 수록된 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>도예가 유경자(b.1959)는 1979년 한남대학교 회화과를 졸업하고, 1983년 이화여자대학교 회화과 석사학위를 수여받았다. 또한 제5회, 제6회 대전시 미술대전 특상을 수상하기도 하였다. 그녀는 주로 도자기를 제작하지만 환경 예술에도 관심을 가지며 설치작품을 제작하고 있다. 현대미술에 도자를 결합시키기 위해 물고기를 소재로 한 작업을 진행 중이며, 자유로운 물고기의 삶을 통해 긍정적인 가치관을 이야기하고자 한다. 2008년에 제작된 <엉뚱한 유영>은 400여 마리의 물고기가 산언덕을 넘는 상상력 넘치는 표현을 통해 자연의 순환적인 역동성을 보여주고 있는 작품이다. 처마 끝에 매달린 물고기 형상의 도자기 뒤로 펼쳐진 하늘은 마치 바다와 같아 보인다. 또한 이 작품은 2009년 국정교과서에 수록되기도 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>물고기<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대 미술에 도자를 결합시키기 위해 소재로 사용하는 것은?<\|im_end\|>

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<\|im_start\|>송운창(b.1969)은 인하대학교에서 조소과를 전공하고, 2006년 성신여자대학교에서 조소과 석사학위를 수여받았다. 그는 스테인리스 스틸의 작은 조각들을 용접하여 소나무의 형상을 만들어 낸다. 이러한 작업 방식은 세포의 단위들이 모여 증식하며, 하나의 생명체를 구성하는 과정과 동일하다. 이처럼 작가는 금속의 차가운 속성으로도 생명의 유기적인 형상을 구현할 수 있음을 보여주고자 하였다. 2016년에 제작된 <I'm fine-230>은 실제 소나무 옆에 스테인리스 스틸로 이루어진 소나무를 나란히 배치한 작품이다. 철골의 내부가 비어있는 소나무 조각은 특유의 구조로 인해 빛이 투과되어 그림자가 파생되고, 시간에 따라 빛이 시시각각 변화하며 조각은 유기체적 생명력을 얻게 된다. 작품의 제목은 소나무의 '파인(Pine)'에서 기인된 것으로, 언어적 유희를 사용하여 안부를 전하는 말 '아임 파인(I'm fine)'으로 표현되었다. 이는 작가의 작업실 근처에 있던 소나무가 그대로 잘 있는지 묻던 사람들에게 주는 대답이자 스스로 괜찮다고 위로하기 위한 말이기도 하다. 이처럼 작가는 자신이 머무는 공간과 주변 환경을 면밀히 관찰하며, 이를 작업으로 소재로 치환하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>송운창<\|im_end\|>	<\|im_start\|><I'm fine-230>의 작품을 만든 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인도네시아 욕야카르타<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 작품 제작을 기반으로 하고 있는 곳은? <\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>위스누 아지타마<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인도네시아 작가의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2013년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 스튜디오를 설립한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폭탄<\|im_end\|>	<\|im_start\|>문명을 개발하기 위해 인간이 사용하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>생태계<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폭탄을 사용하여 파괴하고 있는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>인도네시아의 작가 위스누 아지타마(Wisnu Ajitama, b.1991)는 2019년 인도네시아 예술대학(Indonesian Institute of The Arts)에서 석사학위를 수여받았다. 현재 인도네시아 욕야카르타(Yogyakarta)를 기반으로 토지, 환경, 자연과 관련된 예술 작품을 제작하고 있다. 2013년에는 현대 미술계에서 자신의 아이디어를 실험하기 위해 'Pandai Ruang'이라는 스튜디오를 설립하였다. 2018년에 제작된 <쿤드하마니>는 '파괴의 상징인 폭탄이 집으로 구현된다면 어떻게 될까?'라는 생각에서 시작된 작품이다. 1킬로그램의 폭탄은 1헥타르 면적의 열대우림을 황폐화시킬 수 있다. 인간은 문명을 개발하기 위해 폭탄을 사용하며, 생태계를 파괴하고 있다. 작가는 자연환경을 지켜내기 위한 노력이 필요하다는 것을 작품에 담아내고자 하였다. 또한 작품을 통해 자연도 갑자기 지구상의 생명을 파괴하는 폭탄이 될 수 있다는 것을 암시한다. 때문에 인간은 항상 지진, 쓰나미, 화산 폭발, 태풍, 폭우 등의 재난에 대비할 준비를 하고 있어야 한다. 작가는 인간이 자연에게 폭탄을 던진다면 언젠가 자연도 폭탄이 될 수 있다는 점을 지적하며, 인간과 자연이 공존할 수 있는 방법을 모색할 필요가 있다고 이야기하고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인도네시아 예술대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>위스누 아지타마가 석사학위를 수여받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>콘데 나스트 출판사<\|im_end\|>	<\|im_start\|>알렉산더 리버만이 아트디렉터로 근무한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1950년대 이후<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 본격적인 예술 활동 시작 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1950년대 후반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>철 용접 방법을 배운 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>추상적이면서 기하학적인 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 제작한 작품의 형태는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>수학 및 철학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>알렉산더 리버만이 수학한 학문은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>우크라이나 계 미국 출신 작가 알렉산더 리버만(Alexander Liberman, 1912-1999)은 유대인 가정에서 태어나 영국과 프랑스 등 다양한 국가에서 성장하였으며, 수학 및 철학을 수학하였다. 그는 회화, 조각, 사진 등 예술 부문에서 여러 작품을 남겼으며, 오랜 기간 콘데 나스트 출판사에서 아트디렉터로 근무하기도 하였다. 그의 본격적인 예술 활동은 1950년대 이후부터 시작되었다. 초기에는 회화 작업과 사진 작업이 주를 이뤘으며, 후반에는 조각 작품 제작에 몰두하였다. 1950년대 후반 철 용접 방법을 배우고 미국 근대화와 산업화에 대한 자신의 생각을 담은 조각 작품을 제작하기 시작한다. 대부분 그의 작품은 추상적이면서 기하학적인 형태로, 다양한 산업재료를 사용하여 외면을 붉은색 등 단색으로 덧칠한 것이 특징이다. 1997년에 제작된 <아치형 입구>는 12개의 강철 파이프를 육중한 아치 모양으로 조립한 작품이다. 날카롭게 잘린 금속 조각의 균형감이 돋보이며, 감상자의 위치에 따라 다양한 변화를 보여준다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>우크라이나 계 미국<\|im_end\|>	<\|im_start\|>알렉산더 리버만의 출신지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에꼴 드 니스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 여러 예술가들과 교류하던 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>베르나르 브네<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1960년대 초반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>반 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 이름을 알린 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1992년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><부정형의 선>을 제작한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대 수학 이론가들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 <부정형의 선> 제작 시 영향을 받은 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>베르나르 브네(Bernar Venet, b.1941)는 1960년대 초반부터 반(反) 예술적 태도가 반영된 작품을 통해 예술가로서 이름을 알리기 시작했다. 그는 에꼴 드 니스(Ecole de Nice)의 여러 예술가들과 교유하며 '물질성'에 대해 관심을 가지게 되었다. 뉴욕으로 이주한 뒤 자신만의 아이디어를 실현시키기 위해 수학적 요소들을 작품에 반영했으며, 이러한 작업들은 브네를 개념미술가로서 알리는 계기가 되었다. 1992년에 제작된 <부정형의 선>은 소용돌이치는 듯한 드로잉 조각 작품이다. 브네는 자유로운 형태의 선에 "수학적으로 결정되지 않았다"라는 의미로 '부정형의 선'이라는 명제를 붙였다. 그가 이렇게 비정형의 선 또는 곡선을 사용하게 된 것은 작가가 기존의 좌표적 속성과 엄격한 기하학적 도형에서 벗어났음을 의미한다. <부정형의 선>은 좌표에 고정되지 않고 공간 안에서 위치와 모양, 크기가 다양하게 변화되는 형태로 제작되었다. 이러한 시도는 진리도 불변의 것이 아니며, 우리가 확정적인 사실로 알고 있는 것들도 언제든지 변할 수 있다는 현대 수학 이론가들에게 영향받은 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>물질성<\|im_end\|>	<\|im_start\|>에꼴 드 니스의 여러 예술가들과 교류를 통해 관심을 가지게 된 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'레비브라더'라는 도자기 공방<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오귀스트 르누아르가 처음 그림을 배운 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>모네와 시슬레, 바지르 등<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1861년에 작가가 만난 사람들은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1874년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인상주의를 조직한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1881년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 이탈리아를 방문한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>리차드 기노<\|im_end\|>	<\|im_start\|>말년에 조각을 시작하게 도움을 준 제자는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841-1919)는 프랑스에서 태어나 1954년 '레비브라더'라는 도자기 공방에서 견습공으로 처음 그림을 배우게 된다. 당시 그는 도기 그림에 도안을 참고하기 위해 루브르 미술관에서 18세기 작품들의 색채를 공부하며, 장식적인 기법을 터득하였다. 그는 16세 때 처음 유화를 발표했으며, 본격적으로 화가의 길을 걸은 것은 1861년 20세의 나이에 모네와 시슬레, 바지르 등을 만나면서부터이다. 1863년에는 처음으로 살롱에 입선하였고, 1874년에는 젊은 화가들끼리 새로운 전시회인 '인상주의(Impressionism)'를 조직하기도 한다. 르누아르는 1879년 살롱전에서 <마담 샤르팡티에와 그녀의 아이들>이라는 작품을 출품하며 성공의 길을 걷게 된다. 1881년에는 이탈리아를 방문하여 우연히 본 이탈리안의 르네상스 화풍에 매료된다. 그 후 자신만의 독특한 기법으로 작품을 제작하며 걸작을 제작해 내기 시작한다. 말년에는 신경통과 관전 류머티즘의 심해지면서 붓을 손에 묶어두고 그림을 그렸다. 또한 말년에는 제자인 리차드 기노의 도움으로 조각을 시작하였으며, 그는 죽기 바로 직전까지 모든 열정을 예술에 쏟아부었다. 1917년에 제작된 <빨래하는 여인>은 그의 말년 작품으로 리차드 기노와 함께 제작한 청동 조각이다. 르누아르가 드로잉과 초벌 작업을 마무리하면 리차드 기노는 청동상을 주조하였다. 이 작품은 여성이 빨래를 하기 위해 반쯤 주저앉아있으며, 불분명한 윤곽선에서 르누아르의 화풍을 엿볼 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>프랑스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오귀스트 르누아르가 태어난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2017년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'MUTE 시리즈'가 시작된 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인간의 몸이 중심이 되는 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 제작하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>충북대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>황학삼이 졸업한 대학교는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>황학삼이 석사학위를 수여받은 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>인간 내면의 깊이를 탐구<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 조각을 통해 탐구하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>황학삼은 2010년 충북대학교 조소과를 졸업하고, 2016년 동 대학원 조형예술과 석사학위를 수여받았다. 그는 조각을 통해 인간 내면의 깊이를 탐구하는 작업을 선보여왔다. 작가는 인간의 몸이 중심이 되는 조각을 제작하며, '몸'을 통해 인간이 존재함을 생생하게 보여주고자 하였다. 2019년에 제작된 <MUTE-웅크린 사람>은 2017년부터 시작된 'MUTE 시리즈'로, 고요함 속에 침묵하며 웅크리고 있는 인간의 형상을 주제로 하고 있다. 마음을 닫은 듯 어딘가로 숨고 싶어 하는 것 같은 인간의 형상은 고통으로 타들어가는 듯이 시커멓게 묘사되어 있다. 작가는 작품을 통해 움츠린 상태는 불안에 머물러 있는 것이 아닌 앞으로 나아가기 위해 응축된 에너지를 모으고 있는 것이라 생각하였으며, 인간 내면의 감정과 의지에 따라 자세가 달라짐을 표현하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>황학삼<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'MUTE 시리즈'를 제작하는 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>어른들을 위한 이야기<\|im_end\|>	<\|im_start\|>소현우가 조각 작품을 통해 선보이는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>소현우<\|im_end\|>	<\|im_start\|><2050 비너스의 탄생> 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>흙으로 대상을 조형<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품을 만들 때 석고를 부어 음각의 틀을 만들기 전에 하는 제작 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2013년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><2050 비너스의 탄생>이 제작된 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>로봇의 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|><2050 비너스의 탄생> 속 조각상의 모습은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>소현우(b.1978)는 동화라는 매개체를 통해 어른들을 위한 이야기를 조각 작품을 통해 선보이고 있다. 그는 신화의 이미지, 종교적 형상, 대중적인 캐릭터들을 차용하여 현시대를 풍자하는 작품을 제작하고 있다. 작품의 제작 방식은 먼저 흙으로 대상을 조형한 뒤, 석고를 부어 음각의 틀을 만든다. 그리고 스테인리스 스틸 판을 음각의 틀에 맞게 구부리고 용접하는 등 복잡한 과정을 거쳐 작품을 완성시킨다. 2013년에 제작된 <2050 비너스의 탄생>은 이탈리아 르네상스의 대표 작가인 보티첼리의 <비너스의 탄생>을 모티브로 한 작품이다. 하지만 작가가 만든 조각상은 우리가 상상하는 비너스의 모습이 아닌 로봇의 형태를 띠고 있다. 작가는 2050년에 탄생할 비너스의 모습을 상상하며 스테인리스 스틸을 사용하여 작품을 조형하였다. 그가 추측한 미래사회가 추구하게 될 아름다움은 지금보다 더 '완벽함'을 요구할 것이며, 이것을 충족할 수 있는 것은 로봇뿐이라는 비판적 의미를 작품을 통해 드러내고 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1978<\|im_end\|>	<\|im_start\|>소현우의 출생 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>코스타리카<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카르멘 람베르티의 출생지는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>생태학적 및 사회적 문제<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카르멘 람베르티의 관심사는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>스마트폰 사이<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 감상자가 넘나들 수 있는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2016년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><셀핑 네이처>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>카르멘 람베르티<\|im_end\|>	<\|im_start\|><셀핑 네이처>를 만든 사람은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>카르멘 람베르티(Carmen Lamberti)는 코스타리카에서 태어나 영국의 베드퍼드셔 대학교(University of Bedfordshire)를 졸업하였고, 골드스미스 대학교(Goldsmiths University)에서 순수미술 석사학위를 수여받았다. 그녀는 생태학적 및 사회적 문제에 관심을 가지고 있으며, 예술가로서 환경보호를 실천하고자 한다. 2016년에 제작된 <셀핑 네이처>는 기술이 빠르게 발전하며 현대인들이 자연과 단절되고 있음을 일깨우고자 한 작품이다. 오늘날, 현실의 체험보다는 가상 현실에 머무는 시간이 길어지고 있으며, 작가는 이를 지적하기 위해 스마트폰을 형상화한 작품을 제작하였다. 그녀는 실제 삶에 대한 경험의 중요성을 이야기하고 있으며, 이를 감상자가 스스로 자각할 수 있도록 스크린이 있어야 할 자리는 비워두고, 스마트폰 사이를 넘나들 수 있도록 작품을 조성하였다. 또한 자연에 대한 관심이 지속되길 바라는 마음을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대인들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>자연과 단절되고 있는 대상은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1960년대 초반<\|im_end\|>	<\|im_start\|>토니 스미스가 예술가로 본격적으로 활동한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>단순한 외관과 주문 생산 방식<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가의 작품 제작 방식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>기하학적인 양식의 조각과 회화<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 1960년대 초반 주목받은 이유는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1962년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><윌리>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>토니 스미스<\|im_end\|>	<\|im_start\|><윌리>를 제작한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>토니 스미스(Tony Smith, 1912-1980)는 1960년대 초반에 기하학적인 양식의 조각과 회화로 주목받기 시작하면서 예술가로서 본격적인 활동을 시작하였다. 스미스의 작품은 단순한 외관과 주문 생산 방식에 의한 제작 과정으로 예술계에 큰 방향을 불러일으키며 미니멀리즘 작가로 평가되는 결과를 가져왔다. 그의 조각 작품은 추상 형식을 띠고 있으나 구상성을 엿볼 수 있으며, 작품의 명제 역시 문학에서 차용되는 등 언어적인 유희를 보여주고 있다는 점에서 서술적인 특징을 지니고 있음을 알 수 있다. 1962년에 제작된 <윌리>는 토니 스미스가 제작한 작품 중에 가장 '우연한 조각'이라고 설명한 바 있다. 그는 자신의 작품을 "의식적으로 계산하여 제작한 결과물이 아닌 무의식과 수수께끼의 충돌에서 발생한 것이며, 꿈과 의식의 사이 놓인 것과 같다"라고 표현하였다. 즉 스미스는 단위 요소들의 직관적인 반복을 통해 비논리의 영역인 꿈의 형태를 구현하고자 하였음을 알 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>비논리의 영역인 꿈의 형태<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 작품을 통해 구현하고자 한 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>색채 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 추구하는 조형 양식은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이탈리아 까라라 국립 미술원<\|im_end\|>	<\|im_start\|>최성철이 박사학위를 취득한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2013년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><바람불어 좋은 날>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>최성철<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대 조각사의 흐름을 주도한 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>분홍색, 연노란색<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 가볍고 화사한 느낌을 주기 위해 쓴 색은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>최성철(b.1962)은 인하대학교를 졸업하고 동 대학원에서 석사학위를 수여받았으며, 이탈리아 까라라 국립 미술원(Accademia di Belle Arti di Carrara)에서 박사학위를 취득하였다. 그는 색채 조각이라는 독특한 조형 양식을 추구하고 있으며, 전통적인 조각의 형식에서 탈피하여 현대 조각사의 흐름을 주도하였다. 2013년에 제작된 <바람불어 좋은 날>은 두 사람이 마주 보고 있는 듯한 형상으로 가족, 친구, 연인을 연상시키는 작품이다. 강렬하고 다채로운 색채를 활용하여 조형성과 더불어 회화적인 특징을 선보이고 있다. 또한 한국 전통 오방색 사이에 분홍색, 연노란색 등 중간 계열의 색들을 조합하여 가볍고 화사한 느낌을 주며, 검은 윤곽선 사이에 색을 칠해 모자이크와 같은 장식성을 보여준다. 작가는 예술을 심오하게 해석하기보다는 누구나 쉽게 보고 즐길 수 있도록 주변 환경과 동화되는 조각을 제작하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1962<\|im_end\|>	<\|im_start\|>최성철이 태어난 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>로저 리고스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>독일계 스위스 작가의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1996년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하기 시작한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>공공장소<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 현재에도 조각과 설치작품을 제작하는 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>말벌집 형상<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품에서 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 만든 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>나무, 돌, 코코넛 로프 등<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 이용하는 작품의 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>독일계 스위스 작가 로저 리고스(Roger Rigorth, b.1965)는 1990년 독일 미헬슈타트 목재 학교(Michelstadt Woodcarving School)를 졸업했으며, 1992년 이후 폴란드와 아일랜드에서 유학하였다. 1996년부터 호주, 덴마크, 한국, 핀란드, 프랑스, 이탈리아, 벨기에, 네덜란드, 미국, 체코, 중국, 대만, 스웨덴 등 각국에서 진행되는 비엔날레에 참여하였다. 그는 나무, 돌, 코코넛 로프 등을 작품의 재료를 이용하여 자연의 신비에 대해 이야기하고자 하였다. 현재에도 환경 예술 프로젝트 및 공공장소에 조각과 설치작품을 제작하는 등 활발한 작업 활동을 이어가고 있다. 2022년에 제작된 <재야생화된 위험(의 심리)>는 예측할 수 없는 자연의 위험으로 인간이 느끼는 두려움을 시각화시킨 작품이다. 작가는 대나무와 코코넛 로프를 사용하여 말벌집 형상을 만들었으며, 자연의 위험과 인간의 두려움을 작품에 담아내었다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>폴란드와 아일랜드<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 1992년 이후 유학을 떠난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>탄광촌<\|im_end\|>	<\|im_start\|>헨리 무어가 성장한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1910년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>헨리 무어가 조각을 본격적으로 배운 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>케임브리지 사범대학<\|im_end\|>	<\|im_start\|>헨리 무어가 졸업한 대학은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1970년대<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 누워있는 인체 조각의 상체와 하체를 분리시킨 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>제1차 세계대전<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 영국 공군으로 동원되었던 전쟁은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>헨리 무어(Henry Moore, 1898-1986)는 영국에서 태어나 탄광촌에서 성장하였다. 1910년 캐슬포드 고등학교에서 조각을 본격적으로 배웠고, 이후 케임브리지 사범대학을 졸업하였다. 17세의 나이에 자신의 모교인 캐슬포드 고등학교에 부임하였으나, 제1차 세계대전이 발발하여 영국 공군으로 동원되었다. 당시 그는 전쟁의 잔혹함과 파괴성에 충격을 받고 휴머니즘 작품을 제작하게 된다. 1970년에 제작된 <누워있는 인체>는 여성의 풍만한 볼륨감과 곡선미를 추상적으로 표현한 조각 작품이다. 누워있는 인체를 많이 제작했던 무어는 1970년대부터 상체와 하체를 분리시켰다. 그럼으로써 조각은 바위처럼 보이기도 하는데, 작가는 이러한 효과를 통해 인간과 자연을 일치시키고자 하였다. 관람객은 바라보는 위치에 따라 조각 작품에서 다양한 생명력을 느낄 수 있다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>누워있는 인체<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 많이 제작했던 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인<\|im_end\|>	<\|im_start\|>팀 노리스가 졸업한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>충청남도 공주시 우성면<\|im_end\|>	<\|im_start\|>연미산이 위치한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2018년<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숲의 파도 셸터>의 제작 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>팀 노리스<\|im_end\|>	<\|im_start\|>영국의 작가 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>주변 자연환경<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 영감을 받는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>영국의 작가 팀 노리스(Tim Norris)는 1995년 켄트 인스티튜트 오브 아트 앤 디자인(Kent Institute of Art & Design)을 졸업했다. 그는 주변 자연환경에서 영감을 받아 재활용품 혹은 엔지니어링 부품, 천연 자재들을 재료로 활용하여 작품을 제작하고 있다. 작가는 작품을 통해 감상자가 휴식하고 대화하며 즐길 수 있는 환경을 만들고자 한다. 2018년에 제작된 <숲의 파도 셸터>는 충청남도 공주시 우성면에 위치한 연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지를 모아서 만든 작품이다. 외부는 땅에서 솟아오르는 파도의 형상을 띠고 있고, 내부는 나뭇잎의 모습을 살펴볼 수 있다. 이 작품은 작품 외면을 감상할 수 있을 뿐만 아니라 내부에 잠시 앉아갈 수 있게 설계되어 있다. 이처럼 작가는 작품을 통해 감상자에게 잠시 쉬어가고, 명상할 수 있는 시간을 제공하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>연미산 숲속에 떨어진 벚나무 가지<\|im_end\|>	<\|im_start\|><숲의 파도 셸터>의 재료는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>10대 시절<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 미술을 시작하게 된 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뉴욕<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 태어난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1965년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 평화 봉사단 활동을 한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>메트로폴리탄<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조엘 샤피로가 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받은 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>관람객의 시선을 집중시키는 작품<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 주로 제작하는 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>포스트 미니멀 아티스트 조엘 샤피로(Joel SHapiro, b.1941)는 뉴욕에서 태어났으며, 10대 시절 메트로폴리탄에서 이집트 미술과 모던아트에 감명을 받아 미술을 시작하게 됐다. 그는 1965년 평화 봉사단 활동을 통해 2년 동안 인도의 전통예술의 영감을 받았으며, 고고학적인 현장에서 큰 충격을 받았다. 이후 작가는 인도의 성전 등에 영향을 받아 주먹만 한 크기의 공 모양 점토 작품부터 거대한 환경조각에 이르기까지 관람객의 시선을 집중시키는 작품을 주로 제작하게 된다. 1995년에 제작된 <무제>는 처음에는 나뭇가지가 뻗어있는 형태로 보이지만, 다른 각도에서는 인간을 추상적으로 표현한 듯이 보이는 작품이다. 관람객이 보는 시선에 따라 허리를 구부린 인간의 형상처럼 보이기도 하고, 균형 잡힌 나무토막처럼 보이기도 한다. 작가는 미니멀적인 인간의 형상을 통해 실존적인 이미지를 시각화하고자 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>무제<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1995년 제작된 작품의 이름은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕이 개인전을 열었던 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2011년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕이 제25회 김세중조각상을 수상한 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>네거티브 조각<\|im_end\|>	<\|im_start\|>전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕<\|im_end\|>	<\|im_start\|><Walking on the Street 0410> 작품의 작가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동시대를 살아가는 평범한 인물들<\|im_end\|>	<\|im_start\|>이용덕이 작품에서 주로 주인공으로 삼는 인물은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>이용덕(1959-)은 1982년 서울대학교 미술대학 조소과 1989년 동 대학원을 졸업하였으며 1996-1997년 독일 베를린 예술종합대학에서 석사과정과 마이스터쉴러를 마쳤다. 표 갤러리, 베이징의 중국국립미술관 등지에서 열렸던 개인전 <Depth of Shadow>(2005, 2006, 2009)와 2009년 <Korean Eye-Moon Generation>(런던 사치 갤러리)을 비롯한 다수의 단체전에 참여하였다. 2011년 제25회 김세중조각상을 수상하였다. 현재 서울대학교 조소과 교수로 재직 중이다. 이용덕은 오랫동안 실재와 재현 그리고 우리의 인식론적 경험에 관한 문제를 다뤄왔다. 그가 창안한 '네거티브 조각(negative sculpture)'은 공간 속에 존재하는 양감을 기본으로 하는 전통적인 조각 양식을 뒤집은 새로운 조각 언어이다. 멀리서 보았을 때는 양각(陽刻)으로 보이지만 실제로는 음각(陰刻)에 해당하는 그의 조각은, 완벽한 일루전으로 우리의 지각체계에 질문을 던지며 음과 양, 빛과 그림자, 물질과 비물질, 존재와 부재 같은 결코 만날 수 없는 대립항들 사이의 조화와 공존을 꾀한다. 특히 그는 음각과 양각을 동시에 사용하기도 하는데 이것은 음양의 조화, 즉 전통적인 동양사상의 발현이라고 볼 수 있다. 이용덕은 동시대를 살아가는 평범한 인물들을 주인공으로 삼고 거리에서 쉽게 마주칠 수 있는 그들의 일상적인 움직임을 조각으로 옮긴다. <Walking on the Street 0410>(2004)은 걷고 있는 인물들을 주로 다룬 시리즈 중 하나로 음각된 익명의 인물들은 어떠한 감정 상태도 드러내지 않은 채 오직 걷는 행위에만 열중하고 있다. 이 작품은 일정한 거리를 두고 보았을 때 양각의 부조로 인식되는 착시 효과를 지니고 있는데 관람자들은 그 앞에 가까이 갈수록 '존재'한다고 믿었던 형상이 사실은 '부재'하는 것임을 깨닫게 되며, 인식 체계의 기반이 와해되는 경험을 하게 된다. 동일한 시간 동일한 공간 속에서 관람자의 체험에 의하여 방금 전까지 조각이 차지했던 자리는 실재와 환영이 교차하는 빈 공간이자 보는 시점에 따라 끊임없이 변화하는 유동적인 공간으로 변모함으로써 조각의 영역을 확장시킨다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2004<\|im_end\|>	<\|im_start\|><Walking on the Street 0410> 작품이 제작된 해는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백남준<\|im_end\|>	<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>홍콩<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 아버지를 따라 유학을 떠난 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>동경대학교<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백남준이 교양학부를 졸업한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1964년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 미국에 입국한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1949년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>백남준이 로이덴 스쿨을 졸업한 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>비디오 아트의 창시자 백남준(1932-2006)은 서울 종로구에서 태어나 1945년 경기중학교에 입학하였으며 통역원이었던 아버지를 따라 홍콩으로 유학을 떠난 뒤 1949년 로이덴 스쿨(Royden School)을 졸업하였다. 1954년에는 일본으로 유학하여 동경대학교 교양학부를 졸업하였으며, 이후 독일로 거주지를 옮겨 뮌헨, 쾰른 등의 대학교에서 음악사를 수학하였다. 1964년에는 미국에 입국하여 '오페라 섹스트로니크' 공연에 참여하였으며, 이를 계기로 비디오 아트 작업에 매진하게 된다. 당시 TV가 대중에게 보급되면서 미디어를 통한 사회적 상호작용이 가능해졌고 백남준은 비디오 아트 작업을 통해 관객과 소통의 확장을 강조하였다. 1994년에 제작된 <커뮤니케이션 타워>는 TV 모니터와 세계 각국의 탈을 조합한 5.2m의 탑 구조물이다. 작가는 과거와 현재를 이으면서 전 세계를 연결하고 소통하는 TV와 송신탑 전체를 뒤덮은 전선을 통해 세계가 하나로 묶여 있음을 나타내고자 하였다. 또한 한국의 각시탈, 아프리카 원주민 탈 등을 함께 배치하였는데, 이는 TV 매체를 통해 국경이 사라지고 하나 된 지구촌의 모습을 상징적으로 표현한 것이다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>오페라 섹스트로니크<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 미국에서 참여한 공연은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1941년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 처음 입체작품을 제작하기 시작한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>뉴욕 맨해튼 남부<\|im_end\|>	<\|im_start\|>쿠퍼 유니언의 위치는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1956년부터 1959년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'한사 화랑'에서 개인전을 개최한 시기는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>옥외 공공장소<\|im_end\|>	<\|im_start\|>'타블로 조각'을 구성한 곳은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>조지 시걸<\|im_end\|>	<\|im_start\|>미국의 대표적인 사회적 환경미술가는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>조지 시걸(George Segal, 1924-2000)은 뉴욕 브롱스에서 태어나 폴란드에서 이민 온 러시아 계통 가정에서 성장하였다. 그는 1941년 뉴욕 맨해튼 남부에 위치한 쿠퍼 유니언(Cooper Union School of Art and Architecture)에 다니면서 처음 입체작품을 제작하기 시작하였다. 1949년 뉴욕대학 미술학과를 졸업한 작가는 당시 뉴욕 화풍을 지배하던 추상표현주의에 매료되었다. 이후 그는 1956년부터 1959년까지는 '한사 화랑'에서 개인전을 개최하였고, 이때 거대한 캔버스에 인물을 실제 크기로 묘사한 작품을 출품하였다. 작가는 개인전을 통해 인물과 공간의 관련성에 대해 생각해 보는 기회를 가지게 되었다. 1961년부터는 자신의 몸에 직접 석고붕대를 감아 인체를 주조하고, 이것을 다시 해체한 뒤 접합하는 실험적인 시도를 하였다. 1980년대부터는 관람객들의 접근이 용이한 옥외 공공장소에 '타블로 조각'을 구성하여 소통의 장을 마련하면서 미국의 대표적인 사회적 환경미술가로 이름을 알렸다. 1985년에 제작된 <두 벤치 위의 연인>은 서로 다른 벤치에서 앉아 마주 보고 있는 순백의 남녀를 묘사한 작품이다. 작가는 관람객들이 자유롭게 작품에 개입할 수 있도록 유도하는 동시에 유쾌한 상상력을 펼칠 수 있도록 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>추상표현주의<\|im_end\|>	<\|im_start\|>1949년 당시 뉴욕 화풍을 지배했던 것은?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>도예가 유경자(b.1959)는 1979년 한남대학교 회화과를 졸업하고, 1983년 이화여자대학교 회화과 석사학위를 수여받았다. 또한 제5회, 제6회 대전시 미술대전 특상을 수상하기도 하였다. 그녀는 주로 도자기를 제작하지만 환경 예술에도 관심을 가지며 설치작품을 제작하고 있다. 현대미술에 도자를 결합시키기 위해 물고기를 소재로 한 작업을 진행 중이며, 자유로운 물고기의 삶을 통해 긍정적인 가치관을 이야기하고자 한다. 2008년에 제작된 <엉뚱한 유영>은 400여 마리의 물고기가 산언덕을 넘는 상상력 넘치는 표현을 통해 자연의 순환적인 역동성을 보여주고 있는 작품이다. 처마 끝에 매달린 물고기 형상의 도자기 뒤로 펼쳐진 하늘은 마치 바다와 같아 보인다. 또한 이 작품은 2009년 국정교과서에 수록되기도 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>대전시 미술대전<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작가가 특상을 수상한 대회는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>도예가 유경자(b.1959)는 1979년 한남대학교 회화과를 졸업하고, 1983년 이화여자대학교 회화과 석사학위를 수여받았다. 또한 제5회, 제6회 대전시 미술대전 특상을 수상하기도 하였다. 그녀는 주로 도자기를 제작하지만 환경 예술에도 관심을 가지며 설치작품을 제작하고 있다. 현대미술에 도자를 결합시키기 위해 물고기를 소재로 한 작업을 진행 중이며, 자유로운 물고기의 삶을 통해 긍정적인 가치관을 이야기하고자 한다. 2008년에 제작된 <엉뚱한 유영>은 400여 마리의 물고기가 산언덕을 넘는 상상력 넘치는 표현을 통해 자연의 순환적인 역동성을 보여주고 있는 작품이다. 처마 끝에 매달린 물고기 형상의 도자기 뒤로 펼쳐진 하늘은 마치 바다와 같아 보인다. 또한 이 작품은 2009년 국정교과서에 수록되기도 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>2009년<\|im_end\|>	<\|im_start\|>작품이 국정교과서에 수록된 연도는?<\|im_end\|>
<\|im_start\|>도예가 유경자(b.1959)는 1979년 한남대학교 회화과를 졸업하고, 1983년 이화여자대학교 회화과 석사학위를 수여받았다. 또한 제5회, 제6회 대전시 미술대전 특상을 수상하기도 하였다. 그녀는 주로 도자기를 제작하지만 환경 예술에도 관심을 가지며 설치작품을 제작하고 있다. 현대미술에 도자를 결합시키기 위해 물고기를 소재로 한 작업을 진행 중이며, 자유로운 물고기의 삶을 통해 긍정적인 가치관을 이야기하고자 한다. 2008년에 제작된 <엉뚱한 유영>은 400여 마리의 물고기가 산언덕을 넘는 상상력 넘치는 표현을 통해 자연의 순환적인 역동성을 보여주고 있는 작품이다. 처마 끝에 매달린 물고기 형상의 도자기 뒤로 펼쳐진 하늘은 마치 바다와 같아 보인다. 또한 이 작품은 2009년 국정교과서에 수록되기도 하였다.<\|im_end\|>	<\|im_start\|>물고기<\|im_end\|>	<\|im_start\|>현대 미술에 도자를 결합시키기 위해 소재로 사용하는 것은?<\|im_end\|>